Před deseti lety byl Netflix neškodnou společností zasílající DVD poštou, marvelovské tsunami teprve zkoušelo vodu s filmy „Iron Man“ a „Thor“ a impérium „Star Wars“ stále patřilo Georgi Lucasovi, nikoli společnosti Disney. Jedinou celebritou, která se stala prezidentem Spojených států, byla hvězda filmu „Postel pro Bonza“ Ronald Reagan, Amazon byl místem, kam se chodilo nakupovat levné knihy, a ne největším rozhazovačem na filmovém festivalu v Sundance, a „mrak“ bylo něco, nad čím se vznášel počítačový dům Carla Fredricksena, a ne způsob, jakým lidé promítají filmy od Pixaru.
Aby ve vás tyto popisy nevyvolaly nostalgii, nezapomeňte, že kromě „Stmívání“ točili hollywoodské filmy převážně bílí muži a o bílých mužích. Diváci v posledním desetiletí našli svůj hlas a dali průmyslu najevo, co si myslí – a studia jim naslouchala, nebo jim alespoň začala naslouchat, protože kritika #OscarsSoWhite a #TimesUp vyvolala v průmyslu seismické změny. Může trvat dalších deset let, než se dopad těchto hnutí plně projeví, zatímco někteří čtenáři budou očekávat paritu v seznamech, jako je tento, v němž filmoví kritici časopisu Variety Owen Gleiberman a Peter Debruge určují nejlepší filmy uplynulého desetiletí.
Klikněte sem a přečtěte si seznam Petera Debruge.
Owen Gleiberman’s 10 Best Movies
1. „The Social Network“ (2010)
Je to jeden z těch dokonalých filmů, jako jsou „Všichni prezidentovi muži“, „Omámení a zmatení“ nebo „Sladká vůně úspěchu“, na které se můžete dívat znovu a znovu a znovu. Spěchá, fascinuje, jiskří a rezonuje; každý okamžik je svižně zábavný a zásadní. Toto mistrovské dílo Davida Finchera a Aarona Sorkina, které se dotýká příběhu vzniku Facebooku, se dotýká vnitřního příběhu naší doby: jak nový způsob spojení s ostatními prostřednictvím internetu vymysleli lidé – jako vizionářský podivín Mark Zuckerberg, kterého s magnetickým rychlopalným chladem hraje Jesse Eisenberg -, kteří měli vážné problémy se spojením jiným způsobem. A tak vynalezli odvážný nový svět tím, že ho synchronizovali s duchem své vlastní odloučenosti. „The Social Network“ je bravurní a vtipný, tragický a vzrušující, vyprávěný s takovou lehkostí a nadhledem, který vás donutí uvěřit v sílu filmů.
2. „La La Land“ (2016)
Nejradostnější film desetiletí, a radost není vlastnost, kterou bychom měli považovat za samozřejmost (zejména v dnešní době). Ale ve skvělých muzikálech, jako je „Zpívání v dešti“, „Moulin Rouge!“ nebo „Deštníky ze Cherbourgu“, je radost často odvrácenou stranou jakési nadšené melancholie, která nám umožňuje bilancovat, jak krásný (a pomíjivý) může být život a láska. A nová verze hollywoodského muzikálu ve stylu Damiena Chazella má v sobě jádro vznešeného smutku, díky němuž rozkvétá v hořkosladkou symfonii. Kouzlo filmu tkví v úchvatných hudebních číslech (představte si Jacquese Demyho inscenovaného s dychtivostí mladého Spielberga), v teskném příběhu dvou zamilovaných bavičů (Ryan Gosling a Emma Stoneová), kteří se do sebe zamilují, ale přesto se zdá, že jejich vášeň nemůže dostat na správnou cestu, a v Chazellově oddanosti zázračnému starému Hollywoodu, díky níž je každý okamžik „La La Landu“ jako další slunečný den.
3. „Mad Max: Fury Road“ (2015)
Film tak rychlý a zběsilý, že jakkoli se mi líbil napoprvé, při dalších zhlédnutích jsem cítil, jak se učím, jak ho sledovat, jak trénuji své oko, aby vnímalo každý břitký skok a zlomek vteřiny. Nikdy tu nebyl takový akční básník jako George Miller, který se vrací k velkoleposti „Šíleného Maxe“ a „Bojovníka silnic“, aby vytvořil film, který staví na jejich nihilistickém vzrušení a opět využívá rychlost nejen k vyvolání vzrušení (i když bůh ví, že to dělá), ale k vyjádření vize existence – mužů a žen řítících se prázdnotou, visících na životech a přemýšlejících, co kromě síly jejich rychlosti je zachrání. (V Millerově vizi rychlost = Bůh.) Ve „Fury Road“ Miller vytváří demolici-derby podívanou pro 21. století, kdy Max (Tom Hardy), otupená skořápka, uvolňuje místo bojovnicím (v čele s Charlize Theron), které nyní vedou boj za svobodu, když guma dopadne na silnici.
4. „Před půlnocí“ (2013)
„Manželský příběh“ je skvělé drama o rozvodu, ale třetí a nejsilnější z filmů Richarda Linklatera „Před“ je něco ještě obnaženějšího a přenášejícího: cesta citovým labyrintem vztahu, který se drží, i když začíná jít do kopru. Poté, co ve filmu „Před východem slunce“ sdíleli měsíční noc plnou konverzační blaženosti, a pak ve filmu „Před západem slunce“ prožili opětovné setkání, které bilancuje lásku, v niž dostatečně nevěřili, jsou nyní Jesse (Ethan Hawke) a Céline (Julie Delpyová) veteránským párem s dvojčaty, zaostalými vzpomínkami a láskou tak mramorovanou náklonností i záští, že se vidí úplně… a jiným způsobem vůbec. Linklaterovy dialogy fungují na úrovni Bergmana a Rohmera a filmu „Kdo se bojí Virginie Woolfové?“ a herci proměňují svůj sestup od západu slunce k půlnoci v něco zázračně spontánního. Jsou to jen dva lidé v jedné místnosti, jejich láska bliká jako svíčka, která může, ale nemusí zhasnout.
5. „Hell or High Water“ (2016)
Čisté žánrové filmové nebe. Je to o dvou bratrech, jednom ušlechtilém (Chris Pine) a jednom budižkničemovi (Ben Foster), a také o krádežích, hazardních hrách, rasismu, palčivých rodinných osudech a tvrdohlavé mystice západního Texasu, ztělesněné stárnoucím texaským rangerem (Jeff Bridges), který je možná tím nejrozkošnějším pomalým řešitelem zločinů od dob Colomba. Výsledný efekt připomíná klasický film noir vyprávěný ve slunečním světle s puncem lidskosti, který vám vyrazí dech.
6. „Bridesmaids“ (2011)
Pravdivé přiznání: U málokteré komedie na plátně se směju nahlas, protože mám vždycky pocit, že už jsem ty vtipy někde viděla. Ale bez ohledu na to, kolikrát se podívám na tento příběh o přátelství v době pasivně-agresivního nadbíhání a převrácené třídní nerovnováhy, se nekontrolovatelně směju. To proto, že Kristen Wiigová, která je spoluautorkou scénáře a hraje hlavní roli Annie, družičky, jejíž nadcházející luxusní svatba starého kamaráda se zdá být zinscenovaná jako spiknutí, aby se cítila jako neúspěšná, vytvořila komedii o neurotickém ztroskotanci, která je stejně masochisticky rozverná jako živelná a romantická. Není to první film, který dokázal, že ženy mohou hrát hru na chlípnou komedii, ale je to jeden z mála filmů, který z chlípnosti udělal screwballové umění.
7. „Amour“ (2012)
Rakouský režisér Michael Haneke ve většině svých filmů využívá svůj panovačný ledový voyeurismus k tomu, aby si s diváky vtipně pohrával. Ale v tomto ohromujícím příběhu osmdesátiletého pařížského páru, který hrají legendární Emmanuelle Riva a Jean-Louis Trintignant, Haneke využívá svůj kapku mrtvolný styl – sondážní mlčení, upřenou kameru, napětí budované ze strachu z toho, co přijde dál – k vyprávění příběhu o tajemstvích stáří, který je poháněn střídavým proudem hrůzy a zlomeného srdce. Poté, co postava Rivy utrpí mrtvici, je tam a zároveň tam není, a to, co se odehrává, naznačuje snovou hru Stanleyho Kubricka o tom, jak láska nachází své konečné vyjádření ve smrti. Je to film, který vám v empatii vyrazí dech.
8. „Strom života“ (2011)
Po dvacetileté pauze od filmu se Terrence Malick vrátil s filmem „Tenká červená linie“. Ale právě ve „Stromu života“, velkolepém příběhu o dospívání na texaském maloměstě v 50. letech, Malick konečně natočil drama, které dostálo temnému žáru jeho dvou legendárních filmů ze 70. let. Mimořádná sekvence stvoření vesmíru – představte si knihu Genesis a film „2001“, to vše v 17 minutách – připravuje půdu pro to, co je v podstatě transcendentní vizí každodenní zkušenosti. Malickova kamera se mazlí s každým okamžikem a proměňuje život v 50. letech v dioráma proustovské dojemnosti a výkony Brada Pitta (v roli přísně náročného otce) a Jessicy Chastainové (v roli matky, jejíž něha činí jeho hněv snesitelným) mají nesmazatelný účinek – vyvolávají v nás prvotní pocity týkající se našich vlastních rodičů, když byli dost mladí na to, aby nás pronásledovali ve své nedokonalé nevinnosti.
9. „Mise: Když se Tom Cruise v rukavicích s elektronickými přísavkami plazí jako pavouk po vysoké skleněné ploše Burdž Chalífy v Dubaji (a nenechte se mýlit, on je opravdu nahoře, na nejvyšší budově světa), je jako jeden z Hitchcockových obyčejných mužů za neobyčejných okolností; jako komiksový superhrdina, jehož síly jsou pozemské; jako filmová hvězda, která dělá pravý opak toho, co dělá – žije těmi pohyby a mění je v měřítko své hvězdné slávy. Ta knockoutová sekvence se závratí je okamžitě klasikou, ale režisér Brad Bird ve svém myšlenkově geniálním dobrodružství „M:I“ neusíná na vavřínech kulis. Udržuje vzrušení z kapaně postavené na sérii velkolepých iluzí, které (stejně jako Cruisovy kaskadérské kousky) mohou být skutečné. Výsledkem je nejúžasnější blockbuster své doby.
10. „Lady Bird“ (2017)
Někteří diváci, kteří se nezapojili do nádhery dramatu Grety Gerwigové o středoškolačce ze Sacramenta, která prožívá krušný maturitní rok, říkali věci jako: „Je to dobrý film o dospívání. Ale neviděli jsme to už někdy dřív?“ Ano, ale takhle jsme to ještě neviděli: jako sérii skvěle inscenovaných vzpomínkových záběrů, které skáčou vpřed a vytvářejí celek, který je větší než součet jeho částí. Christine alias Lady Bird, kterou hraje Saoirse Ronanová s těkavým charismatem, v němž je stejný podíl lásky, zmatku a zuřivosti, jde od jednoho kluka k druhému, propadá konfrontaci s loajalitou, která definuje přátelství, a vede svatou válku s matkou (Laurie Metcalfová) kvůli otázce, zda opustí kalifornské hnízdo, až se vydá na vysokou. Ve filmu, který se ukáže být stejně náboženský jako pichlavý, bujarý a dojemný, však ve skutečnosti objevuje slávu samotného života.
10 nejlepších filmů Petera Debruge
1. „Strom života“ (2011)
Kinematografičtí tvůrci jako Carl Theodor Dreyer a Ingmar Bergman zkoumali otázky spirituality a svědomí tím, že svá díla zbavovali nadbytečného stylu. Terrence Malick postupuje opačně a tento pronikavý akt sebezpytování naplňuje technikou, která strhává pozornost, když se tvůrce pokouší smířit smrt svého bratra se svým chápáním vyšší moci. Vzhledem k intenzivní osobní povaze filmu chápu, proč ho tolik diváků považovalo za náročný, v mnoha detailech frustrující a nevyzpytatelný (například scény s dinosaury). A přesto nás existencialistický autor obnažením obav své duše vybízí ke zkoumání těch nejuniverzálnějších témat: víry, rodiny a ztráty. Když se ohlédnu zpět, předpokládám, že Malick mohl do kteréhokoli ze svých filmů pro větší metafyzickou sílu vložit sekvenci o vesmírném původu života, ale v tomto filmu se k tomu odhodlal – a filmy o smyslu života už nikdy nebudou stejné.
2. „Secret Sunshine“ (2010)
Korejský režisér Lee Chang-dong prorazil k americkému publiku loni filmem „Burning“, ale jeho skutečným mistrovským dílem je tento film z roku 2007 – v USA vyšel až v roce 2010, což vysvětluje jeho zařazení na tento seznam. Joen Do-yeon, držitelka ceny za nejlepší ženský herecký výkon na festivalu v Cannes, podává v roli vdovy zmítané mnoha tragédiemi výkon desetiletí. Zpočátku nachází útěchu v náboženství, dokonce jde tak daleko, že navštíví únosce svého syna ve vězení, ale když odmítne její odpuštění, znovu se zlomí a postaví se proti své nově nabyté víře. Z nějakého důvodu se filmy vyhýbají tématu náboženství, které hraje ústřední roli v životě mnoha lidí. Žádný film 21. století nenabízí komplexnější zkoumání tohoto osobního boje než tato epická cesta duše.
3. „Amour“ (2012)
Rakouský mistr Michael Haneke, vzor zdrženlivosti, důvěřuje svému publiku natolik, že předkládá zraňující lidské dilema s minimálními stylistickými zásahy: žádné rozmáchlé pohyby kamery, žádné melodramatické hudební podkresy, které by vyvolávaly soucit nebo manipulovaly s emocemi. Amour se spíše spoléhá na sílu základní situace – oddaný manžel (Jean-Louis Trintignant) se rozhoduje, jak nejlépe pomoci své invalidní ženě (Emmanuelle Riva) ukončit život, zatímco jejich dospělá dcera (Isabelle Huppert) se sobecky přimlouvá za prodloužení jejího utrpení – a na vybroušené výkony tří nejsilnějších francouzských herců, které nás nutí doplnit si mezery detaily z vlastní zkušenosti. Ne každý je připraven na film, který vám neříká, co si máte myslet nebo cítit, ale málokdo rozumí síle nejednoznačnosti lépe než Haneke, jehož přístup inspiroval další filmy, mimo jiné „Toni Erdmann“, „Vyšší moc“ a „Roma“.
4. „Jsem láska“ (2010)
V rodné Itálii Luca Guadagnino přehlížel tuto skvostnou a podvratnou romanci – o manželce imigranta (Tilda Swinton) v luxusní rodině, která podlehne románku s nejlepším přítelem svého syna -, která stimuluje všechny naše smysly, aniž by se uchylovala k používání triků jako 4DX a D-Box, které vám škrtí sedačku a stříkají parfém do tváře. Stejně jako diváci později u filmu „Říkej mi tvým jménem“ Guadagnino manipuluje se zrakem a zvukem – dvojicí nástrojů, které má k dispozici – a živě tak rozšiřuje náš zážitek, takže můžeme prakticky ochutnat vaření, cítit jejich laskání a cítit vůni polí, na nichž se milují. Radikální politika filmu je přitom v rozporu s hodnotami západní kultury, která je pohoršena představou, že by matka mohla opustit svou rodinu, aby následovala své srdce, zatímco postava Swintonové dává přednost vášni před patriarchátem, i když za cenu obrovských citových ztrát.
5. „The Rider“ (2018)
Tento film má v mém seznamu nejblíže k marvelovce – už jen proto, že tato poetická indie s lidskou tématikou přesvědčila superhrdinské studio, aby najalo jeho režisérku Chloe Zhao k natáčení chystaných „Věčných“. Spíše než o prodeji fantazie se „Jezdec“ zabývá křehkostí života a omezeností amerického snu, když se pohledný mladý kovboj z rodea v indiánské rezervaci Pine Ridge odmítá smířit s tím, že téměř smrtelné zranění mozku znamená, že by už nikdy neměl sednout na koně. Téměř skutečný příběh inspiroval Zhaova hlavního představitele Bradyho Jandreaua, který hraje svéhlavou verzi sebe sama – což je postup, který se v tomto desetiletí stále častěji prolíná s dokumentárními postupy s hraným filmem. (Další inovace v tomto směru najdete také ve filmu Sarah Polleyové „Příběhy, které vyprávíme“, který se umístil na druhém místě tohoto seznamu.)
6. „Saulův syn“ (2015)
V posledních deseti letech proniklo do konverzace o filmech, zejména na Twitteru, znepokojivé slovo: „problematický“. Nejčastěji tento eufemismus dostojí svému názvu v tom smyslu, že se používá ke kritice uměleckých děl, aniž by se skutečně specifikovalo, co na nich člověk považuje za závadné. Tento trend zde zmiňuji proto, že maďarský režisér László Nemes přistupoval ke svému celovečernímu debutu s plným vědomím, že vstupuje na minové pole. Pokud jde o zobrazení holocaustu, režisér filmu „Šoa“ Claude Lanzmann se vyjádřil zcela jasně k tomu, co považuje za problém, a tvrdí, že žádná rekonstrukce nemůže spravedlivě vystihnout základní zvěrstva. Osobně si o filmu Stevena Spielberga „Schindlerův seznam“ (který Lanzmann označil za „kýčovité melodrama“) myslím své, ale stejně tak mě ohromilo Nemesovo hyperintelektuální zpracování, v němž zkoumá trýzněné svědomí židovského sonderkomanda v Osvětimi, aniž by tragédii zneužíval nebo zkresloval historii prostřednictvím feel-good konce.
7. „Uvnitř Llewyna Davise“ (2013)
Nejlepší film bratří Coenů od dob „Farga“ není zrovna divácky atraktivní: Llewyn Davis (hvězdná role pro Oscara Isaaca) je uštěpačný, sebestředný pitomec, kterého víc zajímá jeho vlastní kariéra folkového hudebníka než pocity jeho okolí. Přesto je to právě tato drsná láska, která dělá film tak hlubokým. Ačkoli Coenovi nikdy nepřiznají, co se filmem „snaží říct“, v jejich pečlivě propracované poctě folkové scéně Greenwich Village z počátku 60. let je ukryta zásadní životní lekce: U někoho tak nadaného, jako je Bob Dylan, je to možná ospravedlnitelné, ale méně talentovaný/nešťastný zpěvák, jako je Davis (po vzoru Davea Van Ronka), musí v určitém okamžiku dospět a začít se zabývat svými povinnostmi v reálném světě.
8. „Beasts of the Southern Wild“ (2012)
Ekstatický kousek amerického lidového umění, rámovaný očima divokého dítěte jménem Hushpuppy, který Benh Zeitlin natočil jako svůj režijní debut, v němž se mísí syrová indie stylizace s mýtickými ambicemi (prostřednictvím metaforických turů), stojí osamoceně mezi americkou filmovou scénou poslední doby a zobrazuje ty, kteří se cítí vyloučeni z médií, politiky a veřejného diskurzu. Zeitlin a spoluscenáristka Lucy Alibarová při vývoji projektu s neprofesionálními herci a obyvateli venkovské komunity v zátoce, v níž natáčeli, obrátili naši pozornost k (imaginární) enklávě mimo síť ohrožené vlivem průmyslu a okolního světa. O osm let později stále čekáme na Zeitlinův druhý celovečerní film, ačkoli si snadno vzpomenu na své počáteční nadšení z úvodních výbuchů strhující smyčcové hudby, kdy jsem byl vržen do tohoto neznámého mikrosvěta a nechal se strhnout k jízdě.
9. díl. „12 let otrokem“ (2013)
V celé své historii byla kinematografie neuvěřitelným nástrojem pro odhalování nespravedlnosti, ale Amerika – a zejména Hollywood – se pomalu postavila největší hanbě své země: otroctví. Britský režisér Steve McQueen v tomto úspěšném artovém snímku podává neokázalou výpověď o této zkušenosti očima černocha Solomona Northupa, který se narodil svobodný, ale byl podveden a prodán krutému majiteli jižanských plantáží. Northup naštěstí žil, aby se o svůj příběh podělil s ostatními, což je klíčové: McQueenův film se zakládá na skutečnosti a je převyprávěn do otřesných, skutečných detailů. Určitě se najdou tací, kteří budou při čtení tohoto seznamu počítat, kolik jsem vybral režisérek nebo režisérů z řad menšin, a těm vzkazuji: S tím, jak průmysl přijímá větší rozmanitost za kamerou, očekávejte v příštích desetiletích více přelomových zpracování nedostatečně zastoupených témat.
10. „Vlny“ (2019)
Filmoví diváci objevují elektrický portrét americké rodiny z vyšší střední třídy od Treye Edwarda Shultse pomalu – možná se tak nikdy nestane, i když předpovídám, že „Vlny“ si své diváky nakonec najdou. Svým rozděleným příběhem a ultranasyceným, pohlcujícím stylem si film vysloužil srovnání s filmem Barryho Jenkinse „Moonlight“ (který se jen těsně nedostal do kin): Oba filmy se odehrávají na jižní Floridě a oba se zaměřují na afroamerickou zkušenost, i když na různých koncích ekonomického spektra. Na „Vlnách“ mě ohromilo, jak živě Shults zachycuje detaily toho, co znamená být naživu právě v tomto časovém okamžiku. Neklidná, dynamická kamera a pulzující výběr hudby ukazují filmový jazyk, který se vyvíjí a odráží myšlení mileniálů. „Vlny“ se zabývají tlakem, který na mladé lidi vyvíjejí sociální média, toxicitou narcismu a tváří v tvář tragédii transcendentní silou starých dobrých lidských vztahů.
