USA havde nogle avantgardefilm før Anden Verdenskrig, f.eks. Manhatta (1921) af Charles Sheeler og Paul Strand og The Life and Death of 9413: a Hollywood Extra (1928) af Slavko Vorkapich og Robert Florey. En stor del af den eksperimentelle filmkultur fra før krigen bestod imidlertid af kunstnere, der ofte arbejdede isoleret på filmprojekter. Maleren Emlen Etting (1905-1993) instruerede dansefilm i begyndelsen af 1930’erne, der betragtes som eksperimentelle. Reklamekunstneren (Saturday Evening Post) og illustratoren Douglass Crockwell (1904-1968) lavede animationer med klatter af maling presset mellem glasplader i sit atelier i Glens Falls, New York.
I Rochester, New York, instruerede lægen og filantropen James Sibley Watson og Melville Webber The Fall of the House of Usher (1928) og Lot in Sodom (1933). Harry Smith, Mary Ellen Bute, kunstneren Joseph Cornell og Christopher Young lavede flere europæisk inspirerede eksperimentalfilm. Smith og Bute var begge påvirket af Oskar Fischinger, ligesom mange avantgarde animatorer og filmskabere. I 1930 udkom tidsskriftet Experimental Cinema, hvor de to ord for første gang var direkte forbundet uden mellemrum mellem dem. Redaktørerne var Lewis Jacobs og David Platt. I oktober 2005 blev en stor samling af film fra den tid restaureret og genudgivet på dvd med titlen Unseen Cinema: Early American Avant Garde Film 1894-1941.
Sammen med Slavko Vorkapich lavede John Hoffman to visuelle tonedigte, Moods of the Sea (alias Fingal’s Cave, 1941) og Forest Murmurs (1947). Førstnævnte film er sat til Felix Mendelssohns Hebriderne-ouverture og blev restaureret i 2004 af filmbevaringsekspert David Shepard.
Meshes of the Afternoon (1943) af Maya Deren og Alexander Hammid anses af nogle for at være en af de første vigtige amerikanske eksperimentalfilm. Den udgjorde en model for selvfinansieret 16 mm-produktion og -distribution, som Cinema 16 og andre filmselskaber snart tog til sig. Lige så vigtigt er det, at den etablerede en æstetisk model for, hvad eksperimentalfilm kunne gøre. Meshes havde en drømmelignende fornemmelse, der mindede om Jean Cocteau og surrealisterne, men som samtidig virkede personlig, ny og amerikansk. Tidlige værker af Kenneth Anger, Stan Brakhage, Shirley Clarke, Gregory Markopoulos, Jonas Mekas, Willard Maas, Marie Menken, Curtis Harrington, Sidney Peterson, Lionel Rogosin og Earle M. Pilgrim fulgte i en lignende retning. Det er bemærkelsesværdigt, at mange af disse filmskabere var de første studerende fra de banebrydende universitetsfilmprogrammer, der blev etableret i Los Angeles og New York. I 1946 startede Frank Stauffacher serien “Art in Cinema” med eksperimentelle film på San Francisco Museum of Modern Art, hvor Oskar Fischingers film blev vist i flere særprogrammer og påvirkede kunstnere som Jordan Belson og Harry Smith til at lave eksperimentel animation.
Der blev oprettet “alternative filmprogrammer” på Black Mountain College (nu nedlagt) og San Francisco Art Institute. Arthur Penn underviste på Black Mountain College, hvilket peger på den populære misforståelse i både kunstverdenen og Hollywood om, at avantgarde og det kommercielle aldrig mødes. En anden udfordring til denne misforståelse er det faktum, at både Nicholas Ray og King Vidor sent i livet, efter at deres Hollywood-karrierer hver især var slut, lavede avantgardefilm.
The New American Cinema and Structural-MaterialismRediger
Filmsamfundet og den selvfinansierende model fortsatte i de næste to årtier, men i begyndelsen af 1960’erne blev et andet synspunkt mærkbart i de amerikanske avantgardefilmmænds arbejde. Kunstneren Bruce Conner skabte tidlige eksempler som A Movie (1958) og Cosmic Ray (1962). Som P. Adams Sitney har påpeget, bruges filmen i Stan Brakhages og andre amerikanske eksperimentalister fra den tidlige periode til at udtrykke skaberens individuelle bevidsthed, en filmisk pendant til første person i litteraturen. Brakhages Dog Star Man (1961-64) var et eksempel på et skift fra personlig bekendelse til abstraktion og var også et udtryk for en afvisning af datidens amerikanske massekultur. På den anden side tilføjede Kenneth Anger et rocklydspor til sin Scorpio Rising (1963) i det, der nogle gange siges at være en foregribelse af musikvideoer, og han inkluderede en vis camp-kommentar til Hollywood-mytologien. Jack Smith og Andy Warhol indarbejdede camp-elementer i deres værker, og Sitney postulerede Warhols forbindelse til strukturel film.
Nogle avantgardefilmmagere bevægede sig længere væk fra det narrative. Mens New American Cinema var præget af en skæv tilgang til fortælling, der var baseret på abstraktion, camp og minimalisme, skabte strukturelt-materialistiske filmskabere som Hollis Frampton og Michael Snow en meget formalistisk film, der lagde vægt på selve mediet: rammen, projektionen og vigtigst af alt tiden. Det er blevet hævdet, at de ved at bryde filmen ned i nøgne komponenter forsøgte at skabe en anti-illusionistisk film, selv om Framptons sene værker står i stor gæld til Edward Westons, Paul Strands og andres fotografier og faktisk hylder illusionen. Endvidere, mens mange filmskabere begyndte at lave temmelig akademiske “strukturelle film” efter Film Culture’s offentliggørelse af en artikel af P. Adams Sitney i slutningen af 1960’erne, protesterede mange af de filmskabere, der blev nævnt i artiklen, mod udtrykket.
En kritisk gennemgang af strukturalisterne udkom i en 2000-udgave af kunsttidsskriftet Art in America. Den undersøgte strukturformalismen som en konservativ filosofi inden for filmproduktion.
1960-70’erne og i dag: Rediger
Den konceptuelle kunst i 1970’erne skubbede endnu længere. Robert Smithson, en kunstner med base i Californien, lavede flere film om sine jordværker og tilknyttede projekter. Yoko Ono lavede konceptuelle film, hvoraf den mest berygtede er Rape, som finder en kvinde og invaderer hendes liv med kameraer, der følger hende tilbage til hendes lejlighed, mens hun flygter fra invasionen. Omkring dette tidspunkt kom en ny generation ind på området, hvoraf mange var elever af de tidlige avantgardekunstnere. Leslie Thornton, Peggy Ahwesh og Su Friedrich udvidede strukturalisternes arbejde og inkorporerede en bredere vifte af indhold, samtidig med at de fastholdt en selvrefleksiv form.
Andy Warhol, manden bag Pop Art og en række andre mundtlige og kunstformer, lavede over 60 film i løbet af 1960’erne, de fleste af dem eksperimentelle. I de senere år har filmskabere som Craig Baldwin og James O’Brien (Hyperfutura) gjort brug af arkivoptagelser kombineret med live action-fortællinger i en form for mash-up-film, der har stærke sociopolitiske undertoner. Chris Markers La Jetée (1962) består næsten udelukkende af stillbilleder ledsaget af fortælling, mens Jonás Cuaróns Year of the Nail (2007) bruger uscenesatte fotografier, som instruktøren har taget af sine venner og sin familie, kombineret med stemmeskuespil for at fortælle en fiktiv historie.
Feministisk avantgarde og andre politiske udløbereRediger
Laura Mulveys forfatterskab og filmproduktion lancerede en blomstring af feministisk filmproduktion baseret på den idé, at konventionelle Hollywood-fortællinger forstærkede kønsnormer og et patriarkalsk blik. Deres svar var at gøre modstand mod fortællingen på en måde, der viste dens sprækker og uoverensstemmelser. Chantal Akerman og Sally Potter er blot to af de førende feministiske filmskabere, der arbejdede på denne måde i 1970’erne. Videokunst opstod som et medie i denne periode, og feminister som Martha Rosler og Cecelia Condit udnyttede det fuldt ud.
I 1980’erne fortsatte feministisk, homoseksuelt og andet politisk eksperimentelt arbejde, hvor filmskabere som Barbara Hammer, Su Friedrich, Tracey Moffatt, Sadie Benning og Isaac Julien blandt andre fandt det eksperimentelle format befordrende for deres spørgsmål om identitetspolitik.
Den queercore-bevægelse gav anledning til en række eksperimentelle queer-filmskabere som G.B. Jones (en af bevægelsens grundlæggere) i 1990’erne og senere Scott Treleaven, blandt andre.
Eksperimentel film på universiteterneRediger
Med ganske få undtagelser, blandt andet Curtis Harrington, forblev kunstnerne, der var involveret i disse tidlige bevægelser, uden for den kommercielle mainstream-biograf- og underholdningsindustri. Nogle få underviste lejlighedsvis, og derefter, fra 1966, blev mange af dem professorer på universiteter som State Universities of New York, Bard College, California Institute of the Arts, Massachusetts College of Art, University of Colorado at Boulder og San Francisco Art Institute.
Mange af eksperimentalfilmens udøvere er faktisk ikke selv i besiddelse af universitetsuddannelser, selv om deres udstillinger er prestigefyldte. Nogle har sat spørgsmålstegn ved status for de film, der er lavet på akademiet, men mangeårige filmprofessorer som Stan Brakhage, Ken Jacobs, Ernie Gehr og mange andre fortsatte med at forfine og udvide deres praksis, mens de underviste. Inddragelsen af eksperimentalfilm i filmkurser og standardfilmhistorier har imidlertid gjort værket mere kendt og mere tilgængeligt.
