Vi har alle lært i skolen, at Shakespeares skuespil har en tendens til at falde ind under en af to kategorier – komedie eller tragedie – men desværre har man aldrig fuldt ud forstået, hvordan Shakespeares innovationer har været med til at forme komediegenren, som vi kender den i dag. Selv om Shakespeare på ingen måde var en komiker, har hans forkærlighed for kloge ordspil og ordspil ikke desto mindre vist sig at være indflydelsesrig gennem tiderne, ligesom hans hyppige brug af komiske virkemidler og hans omfavnelse af en let tone.
Shakespeares mangel på vitser og spøgsmål opvejes ofte af hans fantasifulde brug af fornærmelser, en arv, som i sig selv har sat sit præg på udviklingen af humoristisk skrivning langt ind i jacobæertiden og videre frem. Der er imidlertid bemærkelsesværdige narrative elementer, der har tendens til at understøtte de fleste af Shakespeares komedier, og når man først har genkendt dem, er det næsten umuligt ikke at bemærke deres anvendelse i mange moderne værker også. Som forfattere kan vi oven i købet tage disse elementer og spille på dem i vores egne tekster med henblik på komisk effekt.
Her er de mest almindeligt anerkendte elementer i Shakespeares komedie.
Falsk identitet og/eller misforståelser
Situationer, hvor karakterer udgiver sig for eller forveksles med en anden person, er en gammel komisk tradition, som Shakespeare først cementerede i sin tid. Dette kan ses i Shakespeares komedier som As You Like It, hvor Rosalind udgiver sig for at være en mand for at gøre sin kommende elsker til den mand, hun i hemmelighed begærer, eller i Twelfth Night, hvor den skibbrudne Viola skyller op i et fremmed land og beslutter sig for at klæde sig ud som en mand for at komme i tjeneste hos adelen.
Hvordan karakterer bliver viklet ind i kønsforvekslinger kan skyldes omstændigheder eller bare gammeldags bedrag, men alt i alt opstår humoren ved, at publikum er klar over deres situation, i modsætning til hvordan andre forbliver uvidende om den. Moderne komedier som Tootsie og Mrs. Doubtfire gør også brug af samme komiske teknik, hvor mandlige karakterer udgiver sig for at være kvinder for enten at drage fordel af deres karriere eller for at omgå forældremyndighedens restriktioner efter en skilsmissekamp. I begge tilfælde erkendte Shakespeare, hvordan det kan være morsomt at forklæde sit køn, når det tjener historiens behov.
Fornuft versus følelser
Den historiske periode, hvor Shakespeare skrev sine skuespil, var defineret af en intellektuel kamp mellem apollinske værdier (såsom fornuft) versus dionysiske værdier (såsom begær). Hvordan handler man i verden – ved at følge vores lidenskaber eller ved at lytte til vores hoveder? Det er derfor ikke overraskende, at mange af Shakespeares komedier leger med denne dikotomi og udfordrer publikum til at overveje hjertets anliggender, samtidig med at de sammenligner det med det menneskelige sinds mere rationelle overvejelser.
I En midsommernatsdrøm er Hermia ulydig over for sin far ved at nægte at acceptere Demetrius som sin mand. I stedet vælger hun at forfølge en romance med Lysander, og hun er villig til at se muligheden for en dødsdom i øjnene for at gøre det. Hendes motivationer er ledet af følelser og ikke dikteret af fornuften. Forvirringen øges yderligere af Helenas udtalelse “kærligheden ser ikke med øjnene, men med sindet”, når Hermias handlinger tyder på det modsatte. På denne måde har Shakespeares komedier en tendens til på en vittig måde at afsløre de modsætninger, der er indbygget i menneskelig adfærd. Kort sagt handler det hele om at vælge mellem det, hjertet vil, og det, sindet siger, og deri ligger humoren.
Skæbnen og det fantastiske
Shakespeares komedier ynder at påberåbe sig det overnaturlige og har en tendens til at fremstille mennesket som blot et stykke legetøj i et stort, mystisk spil. Feerne Puck og Oberon i En midsommernatsdrøm leger i løbet af stykket frækt med karakterernes følelser, så alt, hvad karaktererne oplever, tolkes som værende forårsaget af magiske væseners spydige listighed. Uanset om det er gennem stridigheder eller vedholdenhed, ses alle karakterers åbenbaringer i Shakespeares komedier som værende forårsaget af begivenheder, der ligger uden for menneskelig kontrol eller endog vores dødelige forståelse, hvilket er grunden til, at publikum stadig finder det morsomt i dag.
I et andet tilfælde er brugen af magi til at gøre ens tanker til virkelighed det inciterende øjeblik i The Tempest, da der uden Prosperos indblanding ikke ville være sket noget skibsforlis, og derfor ville Viola aldrig være kommet til Illyria i første omgang. Igen anses magien for at være den usynlige drivkraft for menneskelig kamp, en katalysator, der får karaktererne til at kæmpe med livets små ironier, så meget at der ofte opstår humor. I betragtning af at komedierne ender lykkeligt, kan man sige, at alt er godt, der ender godt (hvis du vil undskylde referencen), på trods af skæbnens komplicerede intriger, men Shakespeares komedier er ofte afhængige af det fantastiske for at give en forklaring på det indviklede forløb i vores daglige kampe.
Idylliske omgivelser
Det er bemærkelsesværdigt, hvor mange steder i Shakespeares komedier, der får idylliske og næsten fantastiske omgivelser – der er Ardenskoven i Som det passer dig, en fortryllet skov uden for Athen i En midsommernatsdrøm og den mystiske ø Illyria i Twelfth Night. Hvert sted er omhyggeligt bragt til live af Shakespeare for at skildre perfektion – lande, der kun formidler verden, som vi ville ønske, at den skulle være, havne af ro og rig på natur. Dette er naturligvis ikke nogen tilfældighed fra Shakespeares side.
Den vigtigste grund til, at Shakespeare nød at placere sine komedier på næsten paradisiske steder, er, at der oftest går ting galt i disse stykker. Der bliver begået fejl, der opstår komplikationer, der opstår altid misforståelser, så når publikum ser, hvordan karakterer, der bor i paradis, også begår uheld, så understreger det kun komedien. Når alt kommer til alt, hvis tingene kan gå galt i tilsyneladende perfekte verdener, bliver det underligt trøstende for dem af os, der lever i den virkelige verden. Det er derfor, at mange finder Shakespeares komedier så resonante i dag, da det beviser, at hvis tingene virker for gode til at være sande, så er de det sandsynligvis også.
Splittelse og forsoning
Kærlighed er naturligvis det centrale tema i de fleste Shakespeare-stykker, men de er endnu mere udtalte i komedierne. Især tanken om elskende, der bliver adskilt – som Berowne og Rosaline i Love’s Labour’s Lost – er et ofte tilbagevendende element i en Shakespeare-komedie. Hvor der er adskillelse, er der naturligvis også forsoning, så det er næppe overraskende, når vi ser elskende blive genforenet, selv om rejsen dertil i nogle tilfælde kan være besværlig og fyldt med usikkerhed, især når der er tale om crossdressing.
Den måske mest interessante og indsigtsfulde skildring af kærlighed i en Shakespeare-komedie er i Much Ado About Nothing, hvor Benedick og Beatrice bruger det meste af stykket på at være uenige med hinanden. Faktisk vil nogle gå så langt som til at sige, at de begge hader hinanden, idet de begge bærer ar fra tidligere forhold, som har fået dem til at afvise tanken om kærlighed helt og holdent. I sidste akt indser de naturligvis, at de er forelskede, og de ender med at blive gift. Benedick og Beatrices udvikling fra gensidigt had til romantisk kærlighed er et ironisk, men meget sandt indblik i, hvordan mange virkelige romancer udvikler sig, og det er stadig et vidnesbyrd om Shakespeare som observatør af, hvordan menneskelige relationer fungerer.
Happy Endings
Sidst, men måske mest afgørende, er et af de mest bemærkelsesværdige elementer i en Shakespeare-komedie en lykkelig slutning. I modsætning til tragedier, som altid ender med døden, slutter Shakespeares komedier på en festlig måde, ofte med kærlighed og ægteskab som de største fokuspunkter. For moderne øjne kan dette virke banalt i betragtning af, hvor kyniske moderne læsere kan være med hensyn til det hellige ægteskabs faldgruber. I sin tid var ægteskabet imidlertid en symbolsk begivenhed, der ikke blot var et middel til at opnå enhed og et højere formål, men også til at løse livets problemer. I sidste ende var det et middel, der gjorde det muligt for Shakespeare at slutte på en håbefuld note.
I skuespil, der påberåber sig det overnaturlige, kan lykkelige slutninger i Shakespeares skuespil også opstå som følge af deus ex machina. Kendt som “gud i maskinen” henviser det som et litterært virkemiddel til tilfælde, hvor en fortælling afsluttes takket være en konstrueret, men helt usandsynlig hændelse, som om Gud har svinget en tryllestav for at binde de løse ender sammen. Dette kan ses i As You Like It, hvor hovedmodstanderen hertug Frederick overtales til at opgive sin magt af en religiøs mand, hvilket gør det muligt for Shakespeares hovedpersoner at gifte sig og leve lykkeligt til deres dages ende. I sidste ende bør man fortolke de lykkelige slutninger i Shakespeares komedier som hans måde at løse den forvirring, som hans karakterer oplever i løbet af hans skuespil. I bund og grund er det en form for en komisk denouement.
Alt i alt er elementerne i Shakespeares komedie utallige, og selv i dag er der stadig mange aspekter i hans skuespil, som vi kunne analysere og dissekere. Det mest indlysende er dog, at Shakespeares forståelse af de komplicerede interaktioner mellem mennesker har lagt fundamentet for de fleste komiske fortællinger. Shakespeares komedier undersøger, hvordan oplevelser ikke nødvendigvis er, som vi opfatter dem; de fandt humor i at overveje, hvordan lidelse kan skyldes årsager, som vi ikke selv kan kontrollere; og de afslører ironien i, hvordan rationel tænkning står i skarp kontrast til vores hjertes ønsker. Af disse grunde er det let at forstå, hvorfor hans skuespil har bevaret en tidløs appel, og for forfattere er der stadig meget at lære.
