Vor zehn Jahren war Netflix ein harmloser DVD-Versand, der Marvel-Tsunami testete gerade das Wasser mit „Iron Man“ und „Thor“, und das „Star Wars“-Imperium gehörte noch George Lucas, nicht Disney. Der einzige Prominente, der Präsident der Vereinigten Staaten wurde, war „Schlafenszeit für Bonzo“-Star Ronald Reagan, Amazon war ein Ort, an dem man billige Bücher kaufen konnte, und nicht der größte Geldgeber beim Sundance Film Festival, und „die Wolke“ war etwas, über dem Carl Fredricksens CG-Haus schwebte, und nicht die Art und Weise, wie die Leute Pixar-Filme vorführen.
Damit Sie bei diesen Beschreibungen nicht nostalgisch werden, sollten Sie bedenken, dass, abgesehen von „Twilight“, Hollywood-Filme hauptsächlich von und über weiße Männer gemacht wurden. In den letzten zehn Jahren hat das Publikum seine Stimme erhoben und die Branche wissen lassen, wie es sich fühlt – und die Studios haben zugehört, oder zumindest damit begonnen, als die Kritik an #OscarsSoWhite und #TimesUp einen seismischen Wandel in der Branche auslöste. Es wird vielleicht noch 10 Jahre dauern, bis die Auswirkungen dieser Bewegungen in vollem Umfang zu spüren sind, wohingegen einige Leser in Listen wie diesen, in denen die Variety-Filmkritiker Owen Gleiberman und Peter Debruge die besten Filme des vergangenen Jahrzehnts identifizieren, Gleichheit erwarten werden.
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Owen Gleibermans 10 beste Filme
1. „The Social Network“ (2010)
Es ist einer dieser perfekten Filme, wie „All the President’s Men“ oder „Dazed and Confused“ oder „Sweet Smell of Success“, die man sich wieder und wieder und wieder ansehen kann. Er rast, fasziniert, funkelt und hallt nach; jeder Moment ist flink, unterhaltsam und wichtig. Dieses Meisterwerk von David Fincher und Aaron Sorkin, das die Entstehungsgeschichte von Facebook erzählt, berührt die innere Geschichte unserer Zeit: wie die neue Art, sich mit anderen über das Internet zu verbinden, von Menschen erfunden wurde – wie dem visionären Geek Mark Zuckerberg, der von Jesse Eisenberg mit einem magnetischen Fast-Break-Chill gespielt wird -, die ernsthafte Probleme hatten, sich auf andere Weise zu verbinden. Also erfanden sie eine schöne neue Welt, indem sie sie mit dem Geist ihrer eigenen Losgelöstheit synchronisierten. „The Social Network“ ist anregend und witzig, tragisch und berauschend, erzählt mit der Art von mühelosem Hochseil-Panorama, das einen an die Macht des Kinos glauben lässt.
2. „La La Land“ (2016)
Der fröhlichste Film des Jahrzehnts, und Freude ist keine Eigenschaft, die wir als selbstverständlich ansehen sollten (besonders heutzutage). Aber in großen Musicals wie „Singin‘ in the Rain“, „Moulin Rouge!“ oder „Die Regenschirme von Cherbourg“ ist die Freude oft die Kehrseite einer schwärmerischen Melancholie, die uns erkennen lässt, wie schön (und vergänglich) das Leben und die Liebe sein können. Und Damien Chazelles neuartige Version eines Hollywood-Musicals der alten Schule hat einen Kern aus erhabener Traurigkeit, der sie zu einer bittersüßen Symphonie erblühen lässt. Die Magie des Films liegt in den hinreißenden Musical-Nummern (man denke an Jacques Demy, inszeniert mit dem Eifer des jungen Spielberg), in der wehmütigen Geschichte zweier verliebter Entertainer (Ryan Gosling und Emma Stone), die sich ineinander verlieben, aber ihre Leidenschaft nicht auf die Reihe kriegen, und in Chazelles Hingabe an das Wunder des alten Hollywood, die jeden Moment von „La La Land“ wie einen weiteren Sonnentag erscheinen lässt.
3. „Mad Max: Fury Road“ (2015)
Ein Film, der so schnell und rasant ist, dass ich ihn beim ersten Mal noch so sehr geliebt habe, aber bei weiteren Sichten habe ich gemerkt, wie ich gelernt habe, ihn zu sehen, wie ich mein Auge geschult habe, um jeden rasanten Sprung und jeden Bruchteil einer Sekunde zu erfassen. Es hat noch nie einen Action-Poeten wie George Miller gegeben, der zu der höllischen Größe von „Mad Max“ und „The Road Warrior“ zurückkehrt, um einen Film zu schaffen, der auf deren nihilistischer Erregung aufbaut und Geschwindigkeit wieder einmal nicht nur dazu benutzt, um Nervenkitzel zu erzeugen (obwohl Gott weiß, dass er das tut), sondern um eine Vision der Existenz auszudrücken – von Männern und Frauen, die an der Leere vorbeirasen, um ihr Leben kämpfen und sich fragen, was außer der Kraft ihrer Geschwindigkeit sie retten wird. (In Millers Vision ist Geschwindigkeit = Gott.) In „Fury Road“ kreiert Miller ein Abriss-Derby-Spektakel für das 21. Jahrhundert, in dem Max (Tom Hardy), eine abgestumpfte Hülle, den Weg für die Kriegerinnen (angeführt von Charlize Theron) freimacht, die nun den Kampf für die Freiheit anführen, wenn es drauf ankommt.
4. „Before Midnight“ (2013)
„Marriage Story“ ist ein großartiges Scheidungsdrama, aber der dritte und stärkste von Richard Linklaters „Before“-Filmen ist etwas noch Nackteres und Bewegenderes: eine Reise durch das emotionale Labyrinth einer Beziehung, die sich selbst dann noch hält, wenn sie bereits ins Schleudern geraten ist. Nach einer feuchtfröhlichen Nacht in „Before Sunrise“ und einem Wiedersehen in „Before Sunset“, bei dem sie eine Bestandsaufnahme der Liebe machen, an die sie nicht genug geglaubt haben, sind Jesse (Ethan Hawke) und Céline (Julie Delpy) nun ein altgedientes Paar, mit Zwillingsmädchen, einem Erinnerungsstau und einer Liebe, die so von Zuneigung und Groll durchzogen ist, dass sie sich ganz und gar sehen können … und auf eine andere Art auch gar nicht. Linklaters Dialoge funktionieren auf dem Niveau von Bergman und Rohmer und „Wer hat Angst vor Virginia Woolf?“, und die Schauspieler verwandeln ihren Abstieg vom Sonnenuntergang bis zur Mitternacht in etwas wundersam Spontanes. Sie sind nur zwei Menschen in einem Raum, ihre Liebe flackert wie eine Kerze, die vielleicht erlischt oder auch nicht.
5. „Hell or High Water“ (2016)
Ein wahrer Genre-Film-Himmel. Es geht um zwei Brüder, einen edlen (Chris Pine) und einen nichtsnutzigen (Ben Foster), und es geht auch um Diebstahl, Glücksspiel, Rassismus, das dornige Schicksal der Familie und die hartnäckige Mystik von West-Texas, verkörpert durch einen alternden Texas Ranger (Jeff Bridges), der vielleicht der köstlichste Zeitlupen-Verbrechensaufklärer seit Columbo ist. Der ultimative Effekt ist der eines klassischen Film Noir, der im Sonnenlicht erzählt wird, mit einem Schlag an Menschlichkeit, der dir den Wind aus den Segeln nimmt.
6. „Bridesmaids“ (2011)
Geständnis: Ich lache nicht bei vielen Komödien auf der Leinwand laut auf, weil ich immer das Gefühl habe, die Witze schon einmal gesehen zu haben. Aber egal, wie oft ich mir diese Geschichte über Freundschaft im Zeitalter der passiv-aggressiven Übervorteilung und des auf den Kopf gestellten Klassenungleichgewichts ansehe, ich lache unkontrolliert. Das liegt daran, dass Kristen Wiig, die das Drehbuch mitgeschrieben hat und die Hauptrolle der Annie spielt, einer Brautjungfer, deren bevorstehende Hochzeit mit einem alten Freund als Verschwörung inszeniert wird, damit sie sich als Versagerin fühlt, eine ebenso masochistisch-aufrüttelnde wie elementare und romantische Komödie über neurotisches Losertum geschaffen hat. Es ist nicht der erste Film, der beweist, dass Frauen das Spiel mit der bissigen Komödie spielen können, aber es ist einer der wenigen Filme, der aus der bissigen Komödie eine Screwball-Kunst macht.
7. „Amour“ (2012)
In den meisten seiner Filme nutzt der österreichische Regisseur Michael Haneke seinen herrischen, eiskalten Voyeurismus, um lustige Spiele mit dem Publikum zu spielen. Aber in dieser erschütternden Geschichte über ein achtzigjähriges Pariser Ehepaar, gespielt von der legendären Emmanuelle Riva und Jean-Louis Trintignant, nutzt Haneke seinen umwerfenden Stil – das bohrende Schweigen, die gaffende Kamera, die aus der Angst vor dem Kommenden aufgebaute Spannung – um eine Geschichte über die Geheimnisse des Alters zu erzählen, die von einem Wechselstrom aus Schrecken und Herzschmerz angetrieben wird. Nachdem Rivas Figur einen Schlaganfall erleidet, ist sie gleichzeitig da und nicht da, und was sich entfaltet, erinnert an ein Traumspiel von Stanley Kubrick darüber, wie die Liebe im Tod ihren ultimativen Ausdruck findet. Es ist ein Film, der einem vor Empathie den Atem raubt.
8. „The Tree of Life“ (2011)
Nach einer 20-jährigen Auszeit vom Kino kehrte Terrence Malick mit „The Thin Red Line“ zurück. Doch mit „The Tree of Life“, einer großartigen Geschichte über das Aufwachsen in einer texanischen Kleinstadt in den 1950er Jahren, hat Malick endlich ein Drama geschaffen, das der dunklen Glut seiner beiden legendären Filme aus den 70er Jahren gerecht wird. Die außergewöhnliche Sequenz über die Erschaffung des Universums – man denke an das Buch Genesis und „2001“, alles in 17 Minuten – bildet den Rahmen für das, was im Wesentlichen eine transzendente Vision alltäglicher Erfahrungen ist. Malicks Kamera umschmeichelt jeden Moment und verwandelt das Leben in den 50er Jahren in ein Diorama von Proust’scher Ergriffenheit, und die Darbietungen von Brad Pitt (als streng fordernder Vater) und Jessica Chastain (als Mutter, deren Zärtlichkeit seinen Zorn erträglich macht) haben den unauslöschlichen Effekt, dass sie Urgefühle über unsere eigenen Eltern auslösen, als sie noch jung genug waren, um uns in ihrer fehlerhaften Unschuld zu verfolgen.
9. „Mission: Impossible – Ghost Protocol“ (2011)
Wenn Tom Cruise mit elektronischen Saugnapfhandschuhen wie eine Spinne über die hoch aufragende Glasfläche des Burj Khalifa in Dubai krabbelt (und täuschen Sie sich nicht, er ist wirklich dort oben, auf dem höchsten Gebäude der Welt), ist er wie einer von Hitchcocks gewöhnlichen Männern in außergewöhnlichen Umständen; wie ein Comic-Superheld, dessen Kräfte von dieser Welt sind; wie ein Filmstar, der das genaue Gegenteil von dem tut, was er tut – er lebt die Bewegungen und macht sie zum Maßstab seines Ruhms. Die umwerfende Vertigo-Sequenz ist ein sofortiger Klassiker, aber Regisseur Brad Bird ruht sich in seinem genialen „M:I“-Abenteuer nicht auf den Lorbeeren seiner Versatzstücke aus. Er hält die Spannung eines Gaunerabenteuers aufrecht, das auf einer Reihe großartiger Illusionen beruht, die (wie Cruises Stuntarbeit) einfach nur echt sein könnten. Das Ergebnis ist der aufregendste Blockbuster seiner Zeit.
10. „Lady Bird“ (2017)
Einige Zuschauer, die den Glanz von Greta Gerwigs Drama über eine Highschool-Schülerin aus Sacramento, die ihr schwieriges Abschlussjahr durchlebt, nicht verstanden haben, sagten Dinge wie: „Es ist ein guter Coming-of-Age-Film. Aber haben wir das nicht schon mal gesehen?“ Ja, aber so haben wir es noch nicht gesehen: als eine Reihe exquisit inszenierter Erinnerungsschnappschüsse, die alle nach vorne springen und ein Ganzes ergeben, das sublim größer ist als die Summe seiner Teile. Christine, alias Lady Bird, gespielt von Saoirse Ronan mit einem wortgewaltigen Charisma, das zu gleichen Teilen aus Liebe, Verwirrung und Wildheit besteht, geht von einem Jungen zum nächsten, stolpert in die Konfrontation mit der Loyalität, die Freundschaft definiert, und führt einen heiligen Krieg gegen ihre Mutter (Laurie Metcalf) über die Frage, ob sie das kalifornische Nest verlassen wird, wenn sie aufs College geht. Was sie aber wirklich entdeckt, in einem Film, der ebenso religiös wie stachelig, überschwänglich und bewegend ist, ist die Herrlichkeit des Lebens selbst.
Peter Debruge’s 10 Best Movies
1. „The Tree of Life“ (2011)
Künstler des Kinos wie Carl Theodor Dreyer und Ingmar Bergman untersuchten Fragen der Spiritualität und des Gewissens, indem sie ihre Werke vom übermäßigen Stil befreiten. Terrence Malick tut das Gegenteil, indem er diesen durchdringenden Akt der Selbstuntersuchung mit einer aufmerksamkeitsstarken Technik versieht, während der Filmemacher versucht, den Tod seines Bruders mit seinem Verständnis einer höheren Macht in Einklang zu bringen. Angesichts des sehr persönlichen Charakters des Films kann ich verstehen, warum so viele Zuschauer den Film als herausfordernd und in vielen Details (wie den Dinosaurierszenen) als frustrierend und undurchschaubar empfanden. Und doch lädt uns der existenzialistische Filmemacher, indem er die Sorgen seiner Seele offenbart, dazu ein, die universellsten Themen zu erforschen: Glaube, Familie und Verlust. Rückblickend hätte Malick in jeden seiner Filme eine kosmische Sequenz über den Ursprung des Lebens einbauen können, um ihn metaphysischer zu machen, aber dies war der einzige Film, in dem er es gewagt hat – und Filme über die Bedeutung des Lebens werden nie wieder dieselben sein.
2. „Secret Sunshine“ (2010)
Der koreanische Regisseur Lee Chang-dong schaffte letztes Jahr mit „Burning“ den Durchbruch beim amerikanischen Publikum, aber sein wahres Meisterwerk ist dieser Film aus dem Jahr 2007 – der in den USA erst 2010 veröffentlicht wurde, was seine Aufnahme in diese Liste erklärt. Joen Do-yeon, die bei den Filmfestspielen in Cannes den Preis für die beste Schauspielerin erhielt, liefert als Witwe, die von mehreren Tragödien heimgesucht wird, die Leistung des Jahrzehnts. Zunächst findet sie Trost in der Religion und geht sogar so weit, den Entführer ihres Sohnes im Gefängnis zu besuchen, aber als er ihre Vergebung ablehnt, rastet sie wieder aus und sträubt sich gegen ihren neu gewonnenen Glauben. Aus welchen Gründen auch immer, scheuen Filme das Thema Religion, das im Leben so vieler Menschen eine zentrale Rolle spielt. Kein Film des 21. Jahrhunderts bietet eine komplexere Untersuchung dieses persönlichen Kampfes als diese epische Reise der Seele.
3. „Amour“ (2012)
Ein Vorbild an Zurückhaltung, der österreichische Meister Michael Haneke vertraut seinem Publikum so sehr, dass er ein erschütterndes menschliches Dilemma mit minimalen stilistischen Eingriffen präsentiert: keine schwungvollen Kamerafahrten, keine melodramatischen Musikeinlagen, um Sympathie zu provozieren oder Emotionen zu manipulieren. Stattdessen verlässt sich „Amour“ auf die Stärke seiner Kernsituation – ein hingebungsvoller Ehemann (Jean-Louis Trintignant) entscheidet, wie er seiner kranken Frau (Emmanuelle Riva) am besten helfen kann, ihr Leben zu beenden, während die erwachsene Tochter (Isabelle Huppert) egoistisch dafür plädiert, ihr Leiden zu verlängern – und auf die nuancierten Darbietungen dreier der stärksten französischen Schauspieler, die uns zwingen, die Lücken mit Details aus unserer eigenen Erfahrung zu füllen. Nicht jeder ist bereit für einen Film, der einem nicht sagt, was man denken oder fühlen soll, aber nur wenige verstehen die Macht der Zweideutigkeit besser als Haneke, dessen Ansatz andere inspiriert hat, darunter „Toni Erdmann“, „Force Majeure“ und „Roma“.
4. „I Am Love“ (2010)
Diese in Luca Guadagninos Heimatland Italien übersehene, üppige und subversive Romanze – über eine eingewanderte Ehefrau (Tilda Swinton) in einer gehobenen Familie, die sich auf eine Affäre mit dem besten Freund ihres Sohnes einlässt – regt alle unsere Sinne an, ohne auf Gimmicks wie 4DX und D-Box zurückzugreifen, die deinen Sitz erdrosseln und dir Parfüm ins Gesicht sprühen. Wie das Publikum später in „Call Me by Your Name“ erfahren sollte, manipuliert Guadagnino das Sehen und den Ton – die beiden Werkzeuge, die ihm zur Verfügung stehen -, um unsere Erfahrung lebendig zu erweitern, so dass wir praktisch das Kochen schmecken, ihre Liebkosungen spüren und die Felder riechen können, auf denen sie Liebe machen. Gleichzeitig widerspricht die radikale Politik des Films den Werten der westlichen Kultur, die von der Vorstellung skandalisiert wird, dass eine Mutter ihre Familie verlässt, um ihrem Herzen zu folgen, während Swintons Figur die Leidenschaft über das Patriarchat stellt, wenn auch zu einem enormen emotionalen Preis.
5. „The Rider“ (2018)
Dieser Film kommt einem Marvel-Film auf meiner Liste am nächsten – und das nur, weil dieser poetische Indie-Film über menschliches Interesse das Superhelden-Studio davon überzeugt hat, seine Regisseurin Chloe Zhao für den kommenden Film „The Eternals“ zu engagieren. Anstatt Fantasien zu verkaufen, befasst sich „The Rider“ mit der Zerbrechlichkeit des Lebens und den Grenzen des amerikanischen Traums, als ein gut aussehender junger Rodeo-Cowboy im Pine Ridge Indianerreservat sich weigert zu akzeptieren, dass eine fast tödliche Gehirnverletzung bedeutet, dass er nie wieder auf ein Pferd steigen sollte. Die fast wahre Geschichte wurde von Zhaos Hauptdarsteller Brady Jandreau inspiriert, der eine eigenwillige Version seiner selbst spielt – eine Praxis, die in diesem Jahrzehnt immer häufiger angewandt wird, da sich dokumentarische Techniken mit fiktionalen Filmen vermischen. (Siehe auch Sarah Polleys „Stories We Tell“, ein Zweitplatzierter auf dieser Liste, für weitere Innovationen an dieser Front.)
6. „Son of Saul“ (2015)
In den letzten zehn Jahren hat sich ein beunruhigendes Wort in die Konversation über Filme eingeschlichen, besonders auf Twitter: „problematisch“. Meistens macht der Euphemismus seinem Namen alle Ehre, denn er wird verwendet, um Kunstwerke zu kritisieren, ohne genau zu sagen, was man an ihnen anstößig findet. Ich erwähne diesen Trend hier, weil der ungarische Regisseur László Nemes sein Spielfilmdebüt im vollen Bewusstsein angegangen ist, dass er ein Minenfeld betritt. Wenn es um die Darstellung des Holocausts geht, hat „Shoah“-Regisseur Claude Lanzmann ganz klar gesagt, worin er das Problem sieht, und argumentiert, dass keine Nachstellung den zugrunde liegenden Gräueltaten gerecht werden kann. Ich persönlich halte große Stücke auf Steven Spielbergs „Schindlers Liste“ (den Lanzmann als „kitschiges Melodrama“ bezeichnete), aber ich war ebenso begeistert von Nemes‘ hyperintellektueller Abhilfe, in der er das gequälte Gewissen eines jüdischen Sonderkommandos in Auschwitz untersucht, ohne die Tragödie auszuschlachten oder die Geschichte durch ein Wohlfühl-Ende falsch darzustellen.
7. „Inside Llewyn Davis“ (2013)
Der beste Film der Coen-Brüder seit „Fargo“ ist nicht gerade ein Publikumsliebling: Llewyn Davis (eine Paraderolle für Oscar Isaac) ist ein stacheliger, egozentrischer Trottel, der sich mehr um seine eigene schlingernde Folk-Musik-Karriere kümmert als um die Gefühle der Menschen um ihn herum. Dennoch ist es genau diese liebenswerte Eigenschaft, die den Film so tiefgründig macht. Obwohl die Coens nie verraten, was sie mit ihrem Film „sagen“ wollen, steckt in ihrer akribisch ausgearbeiteten Hommage an die Folkszene des Greenwich Village der frühen 60er Jahre eine wichtige Lebensweisheit: Es braucht ein gewisses Maß an Narzissmus für einen kreativ veranlagten Menschen, um alle Ablenkungen auszuschalten und Kunst zu schaffen, was bei jemandem, der so begabt ist wie Bob Dylan, vielleicht vertretbar ist, aber für einen weniger begabten/unglücklichen Sänger wie Davis (nach dem Vorbild von Dave Van Ronk) muss er irgendwann erwachsen werden und sich seinen realen Verpflichtungen stellen.
8. „Beasts of the Southern Wild“ (2012)
Ein ekstatisches Stück amerikanischer Volkskunst, das durch die Augen eines wilden Kindes mit Steppenläuferfrisur namens Hushpuppy betrachtet wird. Benh Zeitlins aus dem Nichts entstandenes Regiedebüt verbindet rohes Indie-Styling mit mythischem Ehrgeiz (durch seinen metaphorischen Auerochsen) und steht mit seiner Darstellung derer, die sich von den Medien, der Politik und dem öffentlichen Diskurs ausgeschlossen fühlen, in der amerikanischen Filmszene der letzten Zeit allein da. Bei der Entwicklung des Projekts mit Laiendarstellern und Bewohnern der ländlichen Bayou-Gemeinde, in der sie drehten, richteten Zeitlin und Co-Autorin Lucy Alibar unsere Aufmerksamkeit auf eine (imaginäre) Enklave abseits des Netzes, die vom Einfluss der Industrie und der Außenwelt bedroht ist. Acht Jahre später warten wir immer noch auf Zeitlins zweiten Spielfilm, obwohl ich mich noch gut an meine anfängliche Aufregung erinnern kann, von den ersten Tönen der schwärmerischen Streichermusik an in diesen unbekannten Mikrokosmos einzutauchen und mitgerissen zu werden.
9. „12 Years a Slave“ (2013)
Im Laufe seiner Geschichte war das Kino ein unglaubliches Werkzeug, um Ungerechtigkeiten aufzudecken, aber Amerika – und insbesondere Hollywood – hat sich nur langsam mit der größten Schande des Landes auseinandergesetzt: der Sklaverei. In diesem Arthouse-Erfolg schildert der britische Regisseur Steve McQueen diese Erfahrung schonungslos aus der Sicht eines Schwarzen, Solomon Northup, der als freier Mann geboren, aber betrogen und an einen grausamen Südstaaten-Plantagenbesitzer verkauft wurde. Glücklicherweise hat Northrup überlebt, um seine Geschichte mit anderen zu teilen, und das ist das Wichtigste: Revisionistische Fantasien wie Tarantinos „Django Unchained“ mögen kathartisch sein, aber wir erkennen, dass sie größtenteils fiktiv sind, während McQueens Film auf Tatsachen beruht und in erschütternden, lebensnahen Details nachgestellt ist. Es wird sicherlich einige geben, die diese Liste lesen und die Anzahl der Regisseurinnen oder Minderheiten zählen, die ich ausgewählt habe, und denen möchte ich sagen, dass sie sich freuen: Da die Branche eine größere Vielfalt hinter der Kamera anstrebt, erwarten Sie in den kommenden Jahrzehnten weitere wegweisende Behandlungen von unterrepräsentierten Themen.
10. „Waves“ (2019)
Das Kinopublikum hat Trey Edward Shults‘ elektrisierendes Porträt einer amerikanischen Upper-Middle-Class-Familie nur langsam entdeckt – vielleicht werden sie es auch nie, obwohl ich voraussage, dass „Waves“ irgendwann sein Publikum finden wird. Mit seiner zweigeteilten Erzählung und seinem ultrasatten, eindringlichen Stil hat der Film Vergleiche mit Barry Jenkins‘ „Moonlight“ gezogen (der nur knapp den Cut verpasst hat): Beide Filme spielen in Südflorida, beide konzentrieren sich auf die afroamerikanische Erfahrung, wenn auch an unterschiedlichen Enden des wirtschaftlichen Spektrums. Was mich an „Waves“ verblüfft hat, ist die Lebendigkeit, mit der Shults die Details dessen einfängt, was es bedeutet, in genau diesem Moment zu leben. Die unruhige, dynamische Kamera und die pulsierende Musik zeigen, dass sich die Filmsprache weiterentwickelt und die Mentalität der Millennials widerspiegelt. „Waves“ thematisiert den Druck, der durch die sozialen Medien auf junge Menschen ausgeübt wird, die Giftigkeit des Narzissmus und, im Angesicht von Tragödien, die transzendente Kraft guter, altmodischer menschlicher Beziehungen.
