Eine Einführung in den Latin Jazz in 20 Platten

Vom wilden Cubop zur afro-puerto-ricanischen Fusion.

Es gibt nur wenige musikalische Einflüsse, die eine so bedeutende und beständige Rolle im Jazz gespielt haben wie die aus Lateinamerika.

Cubop war die erste Offenbarung. Er war der angesagte Sound im New York der 1950er Jahre, als eingewanderte Musiker aus Kuba und Puerto Rico begannen, mit den Bebop-Erfindern zu spielen. Dann traten die Klänge von Samba und Bossa Nova auf den Plan, und eine neue Begeisterung für Bossa Jazz setzte ein.

Mit einem kontinuierlichen Zustrom von Musikern aus der Karibik und Brasilien sowie aus Argentinien und Uruguay blieben die USA bis in die 70er Jahre hinein eine Hochburg des Latin Jazz, und obwohl es im folgenden Jahrzehnt etwas ruhiger wurde, hat das Genre immer wieder neue Wege gefunden, sich neu zu erfinden.

Auch wenn es eine große Menge an Jazz gibt, der von lateinamerikanischen Musikern gemacht wurde und hier ebenfalls aufgeführt werden könnte, wurde diese Liste ausgewählt, um die Begegnungen zwischen dem US-amerikanischen Jazz und Lateinamerika von den 1940er bis zu den 1970er Jahren und die Musik, die von diesen Begegnungen beeinflusst wurde, zu feiern.

Machito
Afro Cuban Jazz
(Clef Records, 1951)

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Das Lied, das als das erste gilt, bei dem Jazzmusiker in New York die kubanische Clave (und ihren 3/2- oder 2/3-Rhythmus) verwendeten, ist ‚Tanga‘, das Mario Bauzá 1943 für Machito und seine Afro-Kubaner arrangierte. Es war ein lokaler Hit in New York City, wo Machito regelmäßig auftrat, wurde aber erst in den späten 40er Jahren aufgenommen. Selbst dann befand es sich auf einer Zusammenstellung von Swing und Bop. Mit der Übernahme der Arrangements durch Chico O’Farrill – und unter Beibehaltung vieler Innovationen von Bauzá, einschließlich der Betonung afrokubanischer Perkussion – baut Machito in dieser Suite auf den Latin-Jazz-Fundamenten von „Tanga“ mit einem ausgefeilten Set auf, das einige unglaubliche Saxophon-Duelle zwischen Charlie Parker und Fred Skerritt („Mambo“) enthält, wobei Buddy Rich für Qualität an den Sticks sorgt („Rhumba Finale“).

Dizzy Gillespie
Dizzy Gillespie And His Orchestra Featuring Chano Pozo
(Gene Norman Presents, 1954)

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Wenn Mario Bauzá den Latin Jazz erfunden hat, dann hat Dizzy Gillespie dazu beigetragen, ihn zu popularisieren. Gillespie hatte mit Bauzá im Orchester von Cab Calloway gespielt, und Bauzá war es, der ihn mit dem afrokubanischen Perkussionisten Chano Pozo bekannt machte, den er 1947 sofort engagierte. Dies war der Beginn dessen, was als Cubop bekannt wurde. Wie das frühe Material von Machito wurde auch die Musik, die Gillespie mit Pozo machte, damals nicht veröffentlicht. Stattdessen wurde die Musik, die sie in nur einem Jahr zusammen machten – Pozo wurde 1948 auf offener Straße erschossen – später veröffentlicht. Manteca“ ist eine der wenigen Aufnahmen, auf denen man die aufregende Kombination des Duos hören kann, bei der ein 2/3-Clave mit Bass und Perkussion das Geschehen bestimmt, während die Bläser mit Pozos Congas kämpfen.

Kenny Dorham
Afro-Cuban
(Blue Note, 1955/57)

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Dorham brachte neue Details in den Cubop-Sound. Höhepunkte sind die Mambo/Hard-Bop-Fusion von „Basheer’s Dream“ mit Art Blakeys ausdrucksstarkem Schlagzeug und den süßen Verzierungen von Horace Silver am Klavier, die Call-and-Response-Hörner von „Afrodisia“ und das langsame, aber nicht weniger wirkungsvolle „Lotus Flower“. Blue Note veröffentlichte das Album 1957 mit zusätzlichen Stücken, und diese Ergänzungen, bei denen die afrokubanische Perkussion größtenteils weggelassen wurde, enthalten einige schöne Momente, wobei das energiegeladene ‚La Villa‘ ein schönes Schaufenster für Dorhams markantes Trompetenspiel ist.

Cachao Y Su Combo
Descargas Cubanas
(Panart, 1956)

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Die After-Hour-Sessions im Havanna-Stil wurden in den 50er Jahren in New York zu einer Sache, und niemand war mehr in diese Sessions verliebt als der Kontrabassist Israel „Cachao“ López. Diese Jams, die Cachao „Descargas“ nannte, konnten stundenlang dauern, aber auf diesem unverzichtbaren Jazz-Tanz-Album sind sie zu Miniaturausbrüchen kubanischer Rhythmen destilliert. Stücke wie „Descarga Cubana“ und „Malanga Amarilla“ bringen die ungezügelte Leidenschaft, die synkopierten Rhythmen und die Perkussionssoli des immer ausgefeilteren Cubop-Sounds zurück.

Cal Tjader Sextet
A Night at the Black Hawk
(Fantasy, 1959)

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Der größte nicht-lateinamerikanische Jazz-Bandleader, Cal Tjader, war der Vibraphon-Meister, der dazu beitrug, den Westküsten-Cool in die Jazz-Charts zu bringen, während er auch eine umfangreiche Reihe von Latin-Jazz-Aufnahmen produzierte. Soul Sauce (1965) wird zwar oft gelobt, aber diese LP, die live im Black Hawk aufgenommen wurde, zeichnet sich durch eine großartige Rhythmusgruppe mit Willie Bobo (Timbales) und Mongo Santamaria (Perkussion) aus, die durch den kubanischen Tenorsaxophonisten Jose „Chombo“ Silva noch mehr Schwung erhält. Stücke wie „A Night in Tunisia“ und „Blue and Sentimental“ zeigen sie auf dem Höhepunkt ihres Könnens.

Sabu Martinez
Jazz Espagnole
(Alegre Records, 1960)

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Als Ersatz für Chano Pozo in Dizzy Gillespies Orchester war Martinez definitiv kein schlechter Conga-Spieler. Obwohl er als Bandleader eines in Wirklichkeit rein amerikanischen Ensembles aufgeführt ist, spielt er eine messerscharfe Auswahl lateinamerikanischer Rhythmen. Delilah“ ist eine schlendernde afro-kubanische Melodie, „Flamenco Ain’t Bad“ ein lebhafter Ausflug in den Flamenco und „Nica’s Dream“ (ursprünglich von Horace Silver geschrieben), ein heftiges Mini-Epos, das zu den besten Cubop-Tracks überhaupt gehört.

Luiz Bonfá
Plays and Sings Bossa Nova
(Verve, 1963)

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Der brasilianische Einfluss auf den US-Jazz begann 1961, als Charlie Byrd auf eine diplomatische Reise nach Südamerika geschickt wurde. Er kehrte begeistert von Bossa Nova und Samba zurück und veröffentlichte 1962 Jazz Samba, eine Zusammenarbeit mit Stan Getz, der dann noch einen Schritt weiter ging und sich mit den Brasilianern João Gilberto und Tom Jobim für das millionenfach verkaufte Album Getz/Gilberto (1964) zusammentat. Dieses Album ist in vielerlei Hinsicht das definitive Bossa-Jazz-Album, auch wenn es sich zu sehr an den Originalen orientiert. Luiz Bonfá Plays and Sings Bossa Nova stellt jedoch eine großartige Alternative dar. Bonfás Gitarrenspiel ist durchweg außergewöhnlich und voller Erfindungsreichtum, und er hat eine meisterhafte Stimme – man höre sich nur sein Singen bei „Sambalamento“ an. Die subtilen Verzierungen von Oscar Castro-Neves am Klavier, Lalo Schifrins Streicherarrangements und Maria Helena Toledos wunderschöner Hintergrundgesang machen diese Bossa-Jazz-Platte zu einem unverzichtbaren Werk.

Mongo Santamaria
Mongo Santamaria Explodes At The Village Gate
(Columbia, 1964)

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Ein großer Teil der Liebe zur lateinamerikanischen Musik im Jazz kam von den Möglichkeiten des Schlagzeugs und Mongo Santamaria war einer der gefragtesten Schlagzeuger. Mongo Santamaria war es, der auf Herbie Hancocks äußerst populärer Single „Watermelon Man“ zu hören war. Als produktiver Solokünstler und häufiger Kollaborateur ist dies das beste seiner „Live at Village Gate“-Alben. Das Tempo ist gleichmäßig und die Bläsergruppe gibt ihm Raum für Improvisationen. Es enthält eine schillernde Version von Santamarias Erkennungsmelodie ‚Afro Blue‘.

Willie Colón
The Hustler
(Fania Records, 1968)

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Die Descargas und Latin Jams von Cachao, Machito und Co. folgten das Aufkommen der Salsa in New York und die erste und zweite Generation von Kubanern, Dominikanern und Puertoricanern, die Teil der Fania Records-Liste waren. Die Jams behielten ihren Platz in den Live-Shows im New Yorker Village Gate, in denen Jazzkünstler wie Dizzy Gillespie gegen die besten Salsa-Improvisatoren antraten. Salsa wurde bald zu einem eigenständigen Genre, aber es gab eine Zeit, in der Alben wie dieses des Posaunisten Willie Colón – mit seinen stampfenden Congas, Klavierverzierungen und hypnotischem Clave – zeigten, dass Salsa und Jazz zwei Seiten derselben Medaille waren. Der feurige Titeltrack oder der von Hector Lavoe geleitete Stampfer „Eso Se Baile Así“ bestätigen den legendären Status von The Hustler.

Eddie Palmieri
Justicia
(Tico, 1969)

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Bereits seit 1962 trieb Eddie Palmieri mit seiner Gruppe La Perfecta die Latin Music voran, bevor er mit einer größeren, hornlastigen Band auftrat und Alben wie Superimposition (1970), Vámonos Pa’l Monte (1971) und Harlem River Drive (1971) veröffentlichte. Dieses Album, Justicia, hat ein bisschen von allem, mit einem funkigen, ausgedehnten Jam, der mit erderschütterndem Klavier (‚Verdict on Judge Street‘), sozialem Kommentar (‚Everything is Everything‘), Salsa (‚Justicia‘) und schwerem Batucada (‚My Spiritual Indian‘) gespickt ist.

Gato Barbieri
Fénix
(Flying Dutchman, 1971)

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Barbieri war ein argentinischer Tenorsaxophonist, der direkt aus der Free Jazz-Schule von Coltrane, Ayler und Sanders kam. Mitte der 70er Jahre unterschrieb er jedoch bei A&M Records und drehte mit Herb Alpert an den Reglern den Schnulz auf. Davor nahm er jedoch eine Reihe von Alben, darunter Fénix, auf dem unabhängigen Label Flying Dutchman auf. Obwohl es Barbieris Saxophon ist, das sich in jedem Song in die Lüfte erhebt, sind es die rhythmische Kontrolle und die subtilen Texturen der Gruppe, die Fénix so aufregend machen. Lonnie Liston Smiths Klavier ist durchgehend eindringlich, Naná Vasconcelos fügt interessante brasilianische Töne hinzu, während Ron Carters Bassspiel Barbieri erlaubt, sich so weit hinauszuwagen, wie er möchte.

Moacir Santos
Maestro
(Blue Note, 1972)

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Obwohl es keinen Zweifel daran gibt, dass Coisas (1965) das Meisterwerk von Moacir Santos ist, ist es auch ein unglaublich schwer zu kategorisierendes Album – eine Sammlung schöner, kunstvoller Orchesterwerke, die von afro-brasilianischen Melodien und gregorianischen Gesängen inspiriert sind. Mit anderen Worten, es handelt sich nicht wirklich um Jazz im traditionellen Sinne, obwohl Santos sich mehr mit dieser Seite des musikalischen Universums beschäftigte, als er 1967 nach L.A. zog und eine Reihe von Alben bei Blue Note veröffentlichte. Dieses erste Album, das stark von seiner Stimme geprägt ist, ist eine beruhigende, gefühlvolle Veröffentlichung, die mit zunehmendem Alter nur noch besser zu werden scheint.

Ray Barretto
Que Viva La Musica
(Fania Records, 1972)

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Que Viva La Musica ist so etwas wie ein verborgener Schatz in Barrettos Diskografie. Barretto war bekannt dafür, dass er eine der wildesten Salsa-Bands hatte, mit einem dreifachen Bläserangriff, und dass er einige schöne Jazz/Salsa-Crossovers herausbrachte – La Cuna, Carnaval und Acid sind alle einen Blick wert. Que Viva liegt irgendwo zwischen all diesen Bands. Wenn es sich manchmal entspannt anhört, liegt das daran, dass es immer eine Überraschung um die Ecke gibt. Das Album beginnt mit dem Titeltrack und einem mäandernden Gesang, der von einem flatternden Klavier und Barrettos berauschendem Congaspiel begleitet wird. Dann setzen die Bläser ein, der Gesang wird schärfer und die Dinge beginnen zu wackeln. Alafia Cumaye“ hat einen starken afro-puerto-ricanischen Einfluss, während das über 10-minütige „Cocinando“ einfach nur Feuer pur ist.

Flora Purim
Butterfly Dreams
(Milestone, 1973)

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Frisch aus ihrer Zeit bei Return to Forever, Die brasilianische Sängerin Flora Purim nahm dieses Set auf, eines der besten brasilianischen Jazz-Fusion-Alben überhaupt, mit High-Tempo-Jams wie „Dr Jive“ und dem ruhigeren „Dindi“. Der Ausnahmebassist Stanley Clarke ist die ganze Zeit an ihrer Seite, ebenso wie George Duke an den Tasten und Airto Moreira am Schlagzeug, die zusammen eine beeindruckende Gruppe bilden. Der Höhepunkt des Albums ist wohl ‚Moon Dreams‘, ein Song, der zunächst nach unaufdringlichem Bossa-Jazz klingt, bevor er in neue Texturen und Rhythmen ausbricht.

Elis Regina & Antonio Carlos Jobim
Elis & Tom
(Philips, 1974)

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Elis war zweifellos eine der größten Stimmen Brasiliens, ihr gefühlvoller, stark vom Jazz beeinflusster Stil sorgte dafür, dass ihre Arbeit nie einfach in den Hintergrund treten konnte. Der Bossa-Nova-Pionier Tom Jobim ist hier mit von der Partie, aber auch eine unglaubliche Band mit dem Gitarristen Oscar Castro-Neves, dem Pianisten César Mariano und dem Schlagzeuger Paulinho Braga ist dabei. Obwohl mancher Bossa den Test der Zeit nicht überstanden hat, klingt diese Aufnahme immer noch frisch.

Irakere
Grupo Irakere
(Areito, 1976)

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Eine der fortschrittlichsten Jazzgruppen der 1970er Jahre kam aus Kuba, das aufgrund der politischen Beziehungen zwischen den beiden Ländern zunehmend von der US-Szene abgeschnitten war. Ihr Debütalbum von 1974 war ein echter Knaller, mit Wah-Wah-Gitarre und feurigen Bläsern, die zeitweise an Psych-Rock grenzten. Mit dem Nachfolger etablierten sie sich als eine Latin-Jazz-Formation, mit der man rechnen musste, auch weil Arturo Sandoval und Roberto Plá zu der Gruppe hinzukamen, zu der bereits Paquito D‘ Rivera und Chucho Valdes gehörten. Namen, die die Latin-Jazz-Szene in den 80er Jahren dominieren sollten. Auf ihren frühen Streifzügen auf Grupo Irakere dehnt sich die Band bei „En Nosotros“ und „Iyá“ aus, bringt bei „38 ½“ ein bisschen Gitarrenfeuer mit und experimentiert beim Album-Opener „Chequere Son“ wild mit Up-Tempo-Percussion und Bläsern.

Charlie Palmieri
A Giant Step
(Tropical Budda Records, 1984)

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In den 1980er Jahren war die Latin-Jazz-Blase weitgehend geplatzt. Während andere um Erfindungsreichtum rangen, machte Charlie Palmieri immer noch exzellente Musik, einschließlich dieses Gassenhauers, der ein Schaufenster für sein rhythmisches Klavierspiel bietet, das nie übertrieben wirkt. Der eindringliche Beat von „Rhumba Rhapsody“ bietet Palmieri viel Raum für Improvisationen. Während eine zu große Abhängigkeit von der Virtuosität ein Problem sein kann, zeigt Palmieri hier, wie man es richtig macht.

Perujazz
Perujazz
(Vampisoul, 1987/2016)

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Trotz des Mangels an aufgenommenem Material hatten Perujazz einen großen Einfluss auf die peruanische Musik und erhalten nun endlich größere Anerkennung. Mit erfahrenen Musikern aus der peruanischen Psych-Rock-Szene der 60er und frühen 70er Jahre gründeten sich Perujazz 1984 mit der Absicht, Jazz mit afro-peruanischen und andinen Rhythmen und Instrumenten zu kombinieren. Ihr Perkussionist Chocolate, der das Cajón benutzt, war der Schlüssel dazu, ebenso wie der freie Ansatz des Schlagzeugers Manongo Mújica. In Kombination mit Saxophon und Bass waren sie eine visionäre Gruppe, die ihresgleichen suchte. Dies ist ihr offizielles Debüt, das ursprünglich 1987 in Italien unter dem Namen Verde Machu Picchu veröffentlicht und 2016 mit neuem Artwork neu aufgelegt wurde.

Arturo Sandoval
Hot House
(N2K Records, 1998)

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Sandoval war einer von einer Reihe kubanischer Musiker, darunter Chucho Valdes, Paquito D’Rivera (die beide auch Mitglieder von Irakere waren) und Gonazalo Rubalcaba, die in den 80er und 90er Jahren dazu beitrugen, den Latin Jazz neu zu beleben, oft durch ihre Virtuosität und ihren ständigen Formwandel (von Balladen über Spirituals bis hin zu Hard Bop). Auf dieser Veröffentlichung reduziert Sandoval die Showeinlagen und zollt den Cha-Cha-Cha’s und Mambos der 50er und 60er Jahre Tribut. Funky Cha-Cha-Cha“ ist ein glühendes Stück mit Sandoval am Flügelhorn, es gibt eine swingende Hommage an Tito Puente auf „Tito“ und die Leistung der Bläsergruppe auf „Sandunga“ ist bombastisch.

Daymé Arocena
Cubafonia
(Brownswood Recordings, 2017)

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Daymé Arocena ist eine der besten neuen Latin-Jazz-Stimmen, die in den letzten Jahren entstanden sind. Mit einer Stimme, die von Etta Fitzgerald Scat bis hin zu eindringlichem Neo-Soul-Holler reichen kann, zeigt Arocena auf diesem zweiten Album, dass sie auch eine großartige Songschreiberin mit einer aufregenden Einstellung zum Potenzial des Jazz ist, Grenzen zu verschieben. Eleggua“ ist ein klagendes Eröffnungsstück mit gesprochenen Worten, die von bedrohlichen, an Kamasi Washington erinnernden Gesängen übertönt werden, bevor der swingende Jazz von „La Rumba Me Llamo Yo“ und das funkigere „Lo Que Fue“ für eine willkommene Abwechslung sorgen. Mit einer Anspielung auf den klassischen Latin-Jazz und ihrem Bekenntnis zur Santería-Religion stößt Arocena in neue Gefilde vor.