Robert Plant spricht über die Solo-Anthologie ‚Digging Deep‘, seinen ‚Golden God‘-Moment und das Vermissen von John Bonham

Der Sänger hat seine Zeit damit verbracht, viel zu lesen, aber bisher hat er sich nicht dazu bewegt gefühlt, neue Musik zu schreiben. „Es ist sehr schwierig für mich, über das Schreiben in irgendeiner Form nachzudenken, zumindest was Songs angeht, denn es gibt so viele Ereignisse und Umstände, von denen wir umgeben sind, mit denen wir zu tun haben und von denen wir betroffen sind, dass die eigentliche Idee des Inhalts so umfangreich ist, und populäre Songs sind eine ganz andere Welt“, sagt er. „Meiner Meinung nach sind wir noch nie von so vielen verschiedenen Seiten angegriffen worden – zumindest in den letzten hundert Jahren, seit die Spanische Grippe ausgebrochen ist.“

Anstatt neue Musik zu veröffentlichen, tut er etwas Ungewöhnliches – er blickt zurück. Letztes Jahr begann Plant, in seinem Digging Deep-Podcast die Geschichten hinter den Songs seiner Karriere zu erzählen, und jetzt hat er mit Digging Deep: Subterranea eine zweibändige Anthologie seines Post-Led Zeppelin-Materials zusammengestellt. Die Songs, darunter drei bisher unveröffentlichte Stücke, sind nicht chronologisch geordnet, und wenn man sie nebeneinander hört, erkennt man die tiefen Fäden, die Plant seit 1982 mit seinem Solowerk verbunden haben.

Ob er bei „In the Mood“ neue Wege in der Rockmusik geht, bei „Embrace Another Fall“ mit seiner Band Sensational Space Shifters Musikstile aus aller Welt vermischt oder bei dem neuen „Charlie Patton Highway (Turn It Up)“ den Blues mit seiner Band of Joy-Besetzung neu bearbeitet, in jedem der Songs finden sich vertraute Schatten und Anklänge. Plant war schon immer ein schwer aufzuspürender Künstler, da er sich häufig direkt in sein nächstes musikalisches Abenteuer stürzt und eine Platte für sich selbst sprechen lässt. Daher ist es bezeichnend, dass er innehält, um eine Bestandsaufnahme der Vergangenheit zu machen.

„Wenn ich mir das anhöre, frage ich mich, ob der Typ, der gesungen und die Texte geschrieben hat, jemals eine Pause hatte“, scherzt er über das Album. „Ich meine, hat er jemals Urlaub gemacht? Was um alles in der Welt war da los? Und warum hat er nicht einfach mal für eine Weile die Klappe gehalten und etwas Neues gelernt, wie angewandte Mathematik oder Astronomie? Aber yeah rollt einfach mit so viel Elan. Es ist ziemlich selbstbewusst, außer, dass es vielleicht nie selbstbewusst war; es war nur ein weiterer Versuch, um zu sehen, wohin mich die Scherben führen würden. Keiner dieser Songs wird mit ‚Masters of War‘ oder ähnlichem mithalten können. Es sind Songs von dem Moment an, als sie in irgendeinem Proberaum an der walisischen Grenze geboren wurden, schätze ich.“

Es ist früher Abend an einem Samstag in Großbritannien, wo Plant wohnt, als er mit dem Rolling Stone fast eine Stunde lang spricht – bis seine Lieblingsfußballmannschaft ein Spiel im Fernsehen anfängt – und sich mit den vielen Kapiteln seiner Karriere beschäftigt. Wenn er spricht, ist der Sänger, der jetzt 72 ist, nachdenklich und neigt zu langen Überlegungen darüber, wie er seinen Weg in die Gegenwart gefunden hat.

„Es gibt eine Menge Unsicherheit hier, und es gibt auch eine Menge Teamgeist“, sagt er über die Art und Weise, wie die Dinge in Großbritannien aussehen. „Aber leider hat niemand das Buch der Regeln, nicht seit die Heptones es 1973 aufgenommen haben.“

Wovon lassen Sie sich leiten, um jeden Tag seit den Schließungen zu überstehen?
Ich habe gute Freunde, eine starke Familie, Freunde in der Nähe und in der Ferne, aber ich lebe mit Leuten zusammen, die ich schon lange kenne, also gibt es eine Atmosphäre von Kameradschaft und Optimismus. Für mich bedeutet das, dass ich mit den Menschen, die ich kenne, stark bin, und wir arbeiten als Gemeinschaft und kümmern uns gewissenhaft und rücksichtsvoll um die Menschen, die nicht so stark sind wie andere. Es gibt also ein Bewusstsein, das mir ein Gefühl des Seins gibt, was cool ist.

Und ich singe, was gut ist. Ich muss singen. Es sind nicht alles Elvis-Songs, weil man in einer Kneipe nicht mehr so viel singen kann. Ich habe mich mit ein paar anderen hübschen Stimmen um mich herum sozial distanziert, was toll ist. Es gibt nichts Triviales an diesem Scheiß.

Da du nicht auf Tour gehen kannst, bringst du diese Digging Deep-Anthologie heraus, die Songs enthält, die bis zum Beginn deiner Solokarriere zurückreichen. Ihre Solomusik war so anders als die von Led Zeppelin. Wenn du zurückdenkst, wie hast du dich nach dem Ende der Band weiterentwickelt?
Nun, ich war 32. Damals entschieden die Medien zu Recht, dass man im Alter von 32 Jahren besser zur Seite treten und die nächste Welle loslassen sollte. Und offensichtlich war Zep mächtiger als jeder Einzelne, so dass es schwer war, das Ganze als das zu sehen, was es wirklich ist, nämlich dass man nach einer Weile süchtig danach wird – nach den Kombinationen von Leuten und dem, was sie haben, was sie hinlegen – und wenn man das ändert, entsteht ein ganzes chemisches Ungleichgewicht. Ich könnte also wirklich alles tun, was ich gerne tun würde. Ich musste nur etwas auf die Beine stellen, das sich ständig veränderte, damit ich nicht in einer Anstalt landete.

Ich war mir sehr bewusst, dass ich mich von den Siebzigern verabschieden musste. Es gab eine Menge erstaunlicher, enormer Dynamiken in diesem besonderen Jahrzehnt. Es gab eine Menge Schmerz und eine Menge Freude, aber man muss weitermachen.

Wie haben deine damaligen Mitstreiter den Sound deines frühen Solowerks beeinflusst?
Ich denke, mit den ersten zwei, zweieinhalb Alben, vielleicht bis zu Shaken ’n‘ Stirred, haben wir angefangen, Dinge zu verändern. Richie Hayward kam nach Lowell Georges Tod dazu, und dann ging ich mit Ahmet Ertegun nach New York und fing an, diese Honeydrippers-Sachen zu machen – und brachte wieder andere Leute mit. Und für mich war es ein riesiges Kaleidoskop an Musik und das Geschenk all dieser verschiedenen Musiker, denn ich war 11 Jahre lang in einer Art großartiger Beziehung mit vier Leuten gewesen, so dass ich nicht wirklich wusste, wie ich anders damit umgehen sollte als so. Ich war Teil eines Geheimbundes und in einer Klausur, und ich nehme an, dass ich nicht in der Lage war, mit vielen verschiedenen Musikern in Kontakt zu treten.

Ich hatte meistens ziemlich gute Allianzen mit Musikern, und aus diesem Grund finde ich es immer anregender, mich ständig zu verändern. Leute kommen rein, sie gehen raus, andere kommen dazu, jemand kommt wieder. Und es wird viel fließender. Das bedeutet, dass man an Projekten arbeiten kann, bei denen niemand wirklich daran denkt, dass sie auf Dauer Bestand haben werden. Manchmal kann man tatsächlich auf großartige Ideen und großartige Dinge stoßen.

Einer deiner ersten Solo-Hits war „Big Log“. Du hast kürzlich gesagt, dass du beim Schreiben des Songs darauf geachtet hast, dass er groß, aber nicht schwer ist. Warum war das so?
Ich denke, „Big Log“ war intensiv, aber irgendwie auch sehr schön. Es war sehr viel Luft darin. Und ich glaube, ich war überempfindlich bei dem Versuch, mich von dem zu entfernen, was ich bisher gemacht hatte. Es war ein lächerliches Konzept, zu versuchen, vor etwas wegzulaufen, das in den Siebzigern so allumfassend war, und zu versuchen, 1982 zu erreichen und zu sagen: „Oh, nein, nein, nein. Ich bin nicht gerade Andy Williams, aber …“

So habe ich alles versucht, was ich konnte, um es schwer zu machen, ohne dass es so … nur um zu versuchen, vielleicht ein bisschen mehr in die Gänge zu kommen. Und ich habe eine Menge dreister und frecher Versuche unternommen, es zu drehen, das ganze Ding auf den Kopf zu stellen. Auch wenn es damals vielleicht nicht das war, wonach jeder gesucht hat, so waren es doch die Bausteine, die mich bis zu meinem letzten Auftritt mit den Space Shifters letztes Jahr um diese Zeit bei Hardly Strictly Bluegrass in San Francisco gebracht haben. Die Reise war immer wieder anders, immer intensiv und manchmal auch ein bisschen stur. Ich habe mich einfach in den Strom von allem gestürzt, was gut war.

Die Anthologie ist nicht chronologisch geordnet, aber es gibt einen musikalischen Faden, der die Songs über deine Stimme hinaus miteinander verbindet. Hörst du das?
Ja, da ist eine Menge Energie. Es ist ziemlich energiegeladen. Früher habe ich mich auf alles eingelassen, was mich zu der Zeit wirklich bewegt hat, also die Techno-Revolution in den Achtzigern ist … wir schauen jetzt mit Schrecken zurück. Oder vielleicht blicken wir auch nicht mit Entsetzen zurück. Jetzt blicken wir zurück und fragen uns: „Mensch, wie hast du es eigentlich geschafft, mit so einem Scheiß klarzukommen, Robert?“ Und die Antwort lautet: „Mit großem Elan und einer beträchtlichen Menge Lärm.“ Ich meine, es ist sehr lustig. Aber einiges davon hat wirklich gut funktioniert. Das war mir lange Zeit peinlich. Vor allem, als ich 1993 zu Fate of Nations kam, was ein wirklich großer Wendepunkt für mich war. Die Sache ist die, dass man zu der Zeit keine Perspektive hat, man fährt einfach fröhlich durch einen anderen Haufen Ideen und eine andere Kombination von guten Geistern.

Deinen Wendepunkt hattest du, als du 2002 Dreamland gemacht hast, wo du Songs wie Tim Buckleys „Song to the Siren“ und „Darkness, Darkness“ von den Youngbloods gecovert hast, aber mit großer Tiefe und einer größeren musikalischen Bandbreite. Was änderte sich damals für dich?
Mitte bis Ende der Neunziger hatte ich ein paar Reisen mit dem UnLedded-Projekt und dann Walking into Clarksdale mit Jimmy Page hinter mir, und es war sehr offensichtlich, dass der große Sound – der Handel mit dem großen Ding, egal wie originell wir es machen wollten – für mich in dieser Zeit wahrscheinlich zu Ende war. Also suchte ich nach einem Ausweg. Ich gründete eine kleine Gruppe namens Priory of Brion, die eine Art Ausweg war, um nicht mehr in deutschen Industrieanlagen mit 15.000 Menschen zu spielen, die auf Godot warteten. Mein damaliger Manager sagte: „Das ist so schlecht. Ich könnte nicht einmal im Traum daran denken, dafür eine Provision von dir anzunehmen.“ Und ich sagte: „Nun, das ist ziemlich toll, weil wir sowieso nur vor 200 Leuten pro Abend spielen.“

Als Strange Sensation geboren wurde, stellte Charlie Jones mich Clive Deamer vor, der gerade mit Roni Size und an Dummy, dem Portishead-Album, gearbeitet hatte. Er hatte also eine ganz andere Art, Beats zu spielen, und ich dachte, ich würde versuchen, das in die Musik einzubringen. Sein Schlagzeugspiel war sehr, sehr wichtig, wie natürlich auch das aller anderen. Und ich wollte zurückgehen und die ganze Stimmung einiger Songs besuchen, die ich wirklich liebe, und Jesse Colin Youngs Stimme und viele seiner Songs waren nicht nur Hymnen für uns, in den späten Sechzigern, sondern sie trugen auch noch Kürze und Gewicht. So konnte ich versuchen, mich auf einen Song wie „Darkness Darkness“ einzulassen. Und mit Tim Buckleys Arbeit kam This Mortal Coil von den Cocteau Twins auf das 4AD-Label und sie nahmen einen seiner Songs auf, „Song to the Siren“, und es war einfach eine so eindrucksvolle Aufnahme.

Diese Musikstücke waren Dinge, die ich vorher nicht hätte machen können, weil die Umgebung und das Klima der Musikalität und der Musiker sich nicht für diese Songs geeignet hätten. So konnte ich mich nicht nur wieder mit der Musik vertraut machen, die ich in dieser trippigen Zeit Ende der Sechziger geliebt habe, sondern ich konnte sie jetzt auch anwenden, weil ich von dieser Landschaft von Post-Trip-Hop-Musikern in Großbritannien umgeben war, die ziemlich weit weg war. Das erlaubte mir, mich mitten hineinzuversetzen und diese Songs zu präsentieren. Strange Sensation sind die Space Shifters, aber mit ein paar Änderungen, Leuten, die weggelaufen sind. Die Flexibilität des Spiels hat uns dazu gebracht, diese Musik zu übersetzen und neu zu interpretieren.

Etwas, das mir aufgefallen ist, ist die Tatsache, dass ihr in euren Songs Anspielungen auf Led Zeppelin-Texte macht. Ihr singt von „tanzenden Tagen“ in „Dance With You Tonight“. Und du verwendest die Phrase „sing in celebration“ und „the accident remains the same“ in „Great Spirit“. Ihr habt sogar einen Song mit dem Titel „The May Queen“ geschrieben, der an „Stairway to Heaven“ von eurem letzten Album erinnert. Ist das eine bewusste Anspielung auf eure Vergangenheit?
Oh, absolut, ja. Aber die Maikönigin hat für mich immer eine wichtige Rolle in unserer Geschichte, in unserer Volkskunst und Folklore gespielt. Ich glaube, der süßeste Spruch war in „Charlie Patton Highway“: „Dieses Auto fährt im Kreis, die Straße bleibt dieselbe.“

Das habe ich bemerkt.
Schlaues Kerlchen. Ja, ich dachte: „Das ist sehr lustig.“ Und in der Tat, es ist auch sehr zutreffend für diesen Tag. Ich war oben in Como, Mississippi, und auf dem Weg nach Clarksdale, und ich nahm diese Straße. Es war wie: „‚Rund und ‚rund und ‚rund. Gott sei Dank ist die Sonne raus.“ Und ich war allein und hörte dem Radiosender da unten zu.

Aber ja, ich mag die Idee, das zu tun. Ich mag die Idee, dass es eine Kontinuität gibt – nun, keine Kontinuität, aber eine Referenz in einer anderen Zeit. Es gibt eine Menge davon. Sie sind überall auf den Platten zu finden.

Ihr Song „New World“ kam mir vor wie eine Art Update von „Immigrant Song“. Siehst du das auch so?
Nun, ja, in gewisser Weise. Es stimmt, Page und ich haben den Song im Anschluss an eine Show geschrieben, die wir in Island gemacht haben, und natürlich, weil ich mich schon als Kind und mein ganzes Leben lang dafür interessiert habe, wie viele verschiedene Zeiten diese Inseln durchlebt haben und wie sich die Stämme und die Kultur durch diese Inseln bewegt haben … Der gesamte Norden Englands war eine ganze Wikingerprovinz. Ich glaube, die letzten dänischen Könige verließen die Isle of Man, nordwestlich von Liverpool, um das Jahr 14 oder so. Also, ja, die Vorstellung davon gefällt mir.

Als ich „New World“ all die Jahre später schrieb, war ich in South Dakota unterwegs. Ich traf diesen Schriftsteller namens Kent Nerburn, der eine Trilogie geschrieben hat; das erste Buch heißt „Weder Wolf noch Hund“. Und ich war absolut gefesselt von seinem Werk. Darin geht es um einen amerikanischen Ureinwohner und einige der angloamerikanischen Kulturen. In all den Jahren, in denen ich in die Vereinigten Staaten gereist bin, dachte ich, ich hätte eine Vorstellung von der Vielschichtigkeit und Komplexität der Vereinigten Staaten. Aber jeder Bundesstaat besteht eigentlich aus einer Reihe von Städten und ländlichen Zentren, in denen Menschen von überall auf der Welt leben, so dass ich erst nach einigen Jahren in einem Zentrum in Austin die Kürze und die Intensität der Umstände, die vor allem in den Dakotas und in Wyoming herrschen, wirklich wahrgenommen habe, vor allem abseits der Straße. So war ich in der Lage, mir der Realitäten und der wirklichen Landschaft viel bewusster zu werden.

Welche Musik hat dich in letzter Zeit angemacht?
Es ist jetzt sehr schwierig mit dem britischen Radio; ich würde nicht sagen, dass es komplett verschwunden ist, aber das Radio ist fast obsolet. Es gibt ein paar tolle Radiosender aus New Orleans, wo man sich die App herunterladen und die Zeit damit verbringen kann, die verschiedenen Farben Louisianas zu hören. Ich glaube, ich höre immer wieder Low Anthem, und ich mag diesen Bereich der starken, hohen Melodie sehr. Und ich halte meine Ohren auf dem Boden. Ich war vor kurzem in Nashville und habe viele der neuen Sänger und Songschreiber gehört, die es dort gibt. Im Großen und Ganzen ist es mehr oder weniger ein komplettes Kaleidoskop aus alter und neuer Musik. Ich meine, das letzte Album von Dylan hatte so viele Höhepunkte, und der Eröffnungstrack hat mich umgehauen. Einfach fantastisch. Es ist wie ein Epitaph und eine Taufe zugleich, wirklich. Es ist wirklich gut.

Ein Künstler, von dem ich weiß, dass du während der Pandemie Zeit mit ihm verbracht hast, aber ich bin mir sicher, dass du keine Aufnahmen mit ihm gemacht hast, ist Tony Iommi von Black Sabbath. Sie beide haben zusammen eine Gitarre versteigert und mit Gesichtsmasken für ein Foto posiert. Wie war es, ihn wiederzusehen?
Ich war im Januar oder Februar in Nashville, und ich war zufällig zur gleichen Zeit wie er am Flughafen. Er hatte etwas mit Gitarren zu tun und ich etwas mit Gesang. Und ein Typ kam auf uns zu, während wir darauf warteten, in das Flugzeug nach England zu steigen, und sagte: „Ja, Mann. Ihr habt euch neu formiert.“ Ich dachte: „Nun, vielleicht habe ich ein neues Kapitel aufgeschlagen, oder er denkt, dass Led Zeppelin sich neu formiert hat, oder er denkt, dass Black Sabbath sich neu formiert hat“, so wie der Typ von Guns N‘ Roses, der zu AC/DC gegangen ist, also sah es so aus, als gäbe es eine Art seltsames Cluedo-Spiel, bei dem Antiquitätenhändler von einer Band zur anderen hüpfen können, und die Öffentlichkeit sagt: „Oh, ja, das ist okay. Ja, ja, ja. Da braucht man keine Geschichte.“ Ich fand das sehr lustig und sagte zu ihm: „Also, wir könnten hier wirklich einen Heidenspaß haben. Du könntest ‚Kashmir‘ spielen und ich könnte ‚Paranoid‘ singen.“ Und wie auch immer, der Witz ging weiter, und wir bekamen die Gelegenheit, diese Spendensammlung zu machen, was großartig ist.

, er nimmt es sehr ernst, dass er seine Gesundheit und seine Wiederbelebung dem besonderen Gesundheitshandwerker in dem Krankenhaus verdankt, das nicht allzu weit von seinem Wohnort entfernt ist. Also macht er eine Menge solcher Wohltätigkeitssachen. Und ich habe mich mit unseren lokalen Bereichen des Nationalen Gesundheitsdienstes zusammengetan, weil wir so überrascht waren, dass die meisten der Geräte, die wir für jede Art von nationalem Zustand, wie wir ihn jetzt haben, in Bereitschaft hatten, für diese Art von Notfällen nicht sehr viel in den Schränken waren. Es gibt hier in Großbritannien eine große, große Welle des Dankes und der Dankbarkeit für den National Health Service und all die Arbeiter, die lange Zeit ohne persönliche Schutzausrüstung unter ziemlich gefährlichen Umständen gearbeitet haben. Das war für uns der Grund, die Auktion durchzuführen. Und, ja. Er ist ein guter Kerl, Tony. Ich glaube, er ist vielleicht derjenige, der davongekommen ist.

Wir haben Cameron Crowe vor kurzem zu Almost Famous interviewt, und er hat darüber gesprochen, wie er Ihnen und Jimmy Page den Film gezeigt hat. Er erinnerte sich an die Szene „Ich bin ein goldener Gott“ und sagte, als Billy Crudup sagte: „Das habe ich nicht gesagt, oder doch?“, riefen Sie aus: „Ich habe es gesagt.“ Warum haben Sie „I am a golden god“ gesagt?
Was auch immer von Minute zu Minute gesagt wurde, war in diesen frühen Led Zeppelin-Tagen meistens nur reine komische Unterhaltung. Und ich glaube, es war mitten in einem lächerlichen Moment, vielleicht sogar auf Bonzos Geburtstagsparty irgendwo oben in Beverly Hills, wo jemand John eine dreistöckige Geburtstagstorte gebacken hatte. Wir waren auf irgendeiner Veranstaltung und John zeigte sie im Raum herum, und er zeigte sie jemandem, ich glaube, es war George Harrison, der die Torte mit Karateschlägen zerschnitt. Bonzo beschloss, dass etwas dagegen unternommen werden musste, und es gab allerlei Gerangel, und es war einfach ein weiterer dieser jungenhaften Streiche, die da passierten. Das Einzige, was noch fehlte, war jemand, der die ganze Sache mit noch mehr Unsinn abrundete. Also habe ich einfach meine Arme geöffnet und das verkündet. Und dann, glaube ich, ist mir ein Stück Kuchen auf der Nase gelandet oder so.

Letzte Woche jährte sich der Todestag von John Bonham zum 40. Wie hast du dich an diesem Tag an ihn erinnert?
Nun, es ist enorm. Es gibt eine ganze Reihe von Leuten, die mir nahe standen und die nicht mehr unter uns sind, aber er ist in meiner Zeit allgegenwärtig, weil wir dieses Projekt gemeinsam angegangen sind. Vor Zeppelin hatten wir zwei oder drei verschiedene Wege zusammen beschritten, die immer chaotisch waren und auf die eine oder andere Weise in Tränen endeten. Aber bei Zeppelin sind wir immer wieder zurückgekommen, haben uns ein Fahrzeug geteilt, sind vom Flughafen zurückgekommen und haben uns auf den Weg dorthin gemacht, wo wir mehr oder weniger an der walisischen Grenze leben, so dass wir bis zum Schluss immer noch sehr eng beieinander waren. Wir waren definitiv aus dem gleichen Sack, aus dem gleichen Nest.

Ich lebe immer noch in der Gegend, aus der wir beide stammen, also ist er sehr präsent und oft bei mir. Viele Leute kannten ihn, so wie sie mich kennen. Wir haben es nicht sehr weit gebracht, abgesehen von ein paar traurigen Abenteuern. Er ist also immer noch sehr präsent hier, und zwar ironischerweise bei den Einheimischen. Man erinnert sich nur an seine physische Präsenz und seine Persönlichkeit, aber wenn man sich anhört, was er getan hat und welchen Beitrag er zur Welt des Rhythmus und des Schlagzeugspiels geleistet hat, dann übertrifft er all die anderen Spieler, denn er und Jonesy gaben dem Ganzen so viel Klasse, so viel Gefühl, dass es uns wirklich eine Trennung zwischen Led Zeppelin und vielen anderen Sachen brachte, die es zu der Zeit gab, denn diese beiden Jungs hatten eine entscheidende Art zu arbeiten. Ja, es ist 40 Jahre her, und er ist immer noch sehr weit weg von uns, weit und weit weg. Aber ich schaue hier in den wolkenverhangenen Himmel der Nacht hinauf. Ich bin mir sicher, dass er irgendwo vor einer Kneipe steht, metaphorisch, und einen Witz reißt.

Er war so ein großartiger Schlagzeuger.
Oh, ja. So ein tolles Gefühl. Ich meine, sein Gefühl war alles. Eines Abends gingen wir ins Burning Spear in der South Side von Chicago, um Bobby „Blue“ Bland und sein Orchester in diesem urigen schwarzen Club spielen zu sehen, und wir gingen hinein, und John stand auf und spielte „Further on Up the Road“ und „Turn on Your Love Light“ und solche Sachen, und es war der Wahnsinn. Und alle Musiker lehnten sich zu ihm hin, weil er so viel Gefühl hatte. Er fühlte sich bei Bobby „Blue“ Bland genauso zu Hause wie bei „Fool in the Rain“, das er all die Jahre später spielte. Es war etwas anderes.