DevelopmentEdit
Der Ursprung des Films liegt in dem Buch The Iron Man (1968) des Dichters Ted Hughes, der den Roman für seine Kinder schrieb, um sie nach dem Selbstmord ihrer Mutter Sylvia Plath zu trösten. In den 1980er Jahren beschloss der Rockmusiker Pete Townshend, das Buch für ein Konzeptalbum zu adaptieren; es wurde 1989 als The Iron Man: Ein Musical im Jahr 1989. 1991 schlug Richard Bazley, der später der Hauptzeichner des Films wurde, Don Bluth eine Version von The Iron Man vor, während er in seinem Studio in Irland arbeitete. Er entwarf einen Handlungsentwurf und Charakterdesigns, aber Bluth lehnte das Projekt ab. Nachdem in London ein Bühnenmusical aufgeführt worden war, glaubte Des McAnuff, der Tommy mit Townshend für die Bühne adaptiert hatte, dass The Iron Man auf die Leinwand übertragen werden könnte, und das Projekt wurde schließlich von Warner Bros. Entertainment erworben.
Ende 1996, während das Projekt in der Entwicklung war, sah das Studio den Film als perfektes Vehikel für Brad Bird, der zu dieser Zeit für Turner Feature Animation arbeitete und Ray Gunn entwickelte. Turner Broadcasting hatte gerade mit der Muttergesellschaft von Warner Bros., Time Warner, fusioniert, und Bird durfte zum Animationsstudio von Warner Bros. wechseln, um bei The Iron Giant Regie zu führen. Nach der Lektüre des Originalbuchs Iron Man von Hughes war Bird von der Mythologie der Geschichte beeindruckt und erhielt darüber hinaus von Warner Bros. ein ungewöhnliches Maß an kreativer Kontrolle. Diese kreative Kontrolle beinhaltete die Einführung von zwei neuen Charakteren, die im Originalbuch nicht vorkommen, Dean und Kent, die Verortung des Films in Amerika und die Aufgabe von Townshends musikalischen Ambitionen (der sich so oder so nicht darum kümmerte und Berichten zufolge bemerkte: „Na ja, was soll’s, ich wurde bezahlt“). In einem späteren Interview erläuterte Bird seinen Wunsch, den Film im Amerika der 1950er Jahre anzusiedeln:
Die Kulisse in Maine sieht von außen wie eine Norman-Rockwell-Idylle aus, aber im Inneren ist alles kurz vor dem Überkochen; jeder hatte Angst vor der Bombe, den Russen, dem Sputnik – sogar vor Rock ’n‘ Roll. Dieses geballte Ward-Cleaver-Lächeln, das die Angst überspielt (und genau das ist es, was die Figur des Kent ausmacht). Es war die perfekte Umgebung, um einen 50 Fuß hohen Roboter hineinzuwerfen.
Ted Hughes, der Autor der Originalgeschichte, starb vor der Veröffentlichung des Films. Seine Tochter, Frieda Hughes, hat den fertigen Film in seinem Namen gesehen und war begeistert. Auch Pete Townshend, mit dem das Projekt ursprünglich begonnen hatte und der als ausführender Produzent des Films blieb, war von dem fertigen Film begeistert.
DrehbuchBearbeiten
Tim McCanlies wurde mit dem Schreiben des Drehbuchs beauftragt, obwohl Bird mit der Beteiligung eines anderen Autors nicht ganz einverstanden war, da er das Drehbuch selbst schreiben wollte. Später änderte er seine Meinung, nachdem er McCanlies‘ damals noch unproduziertes Drehbuch für Secondhand Lions gelesen hatte. In Birds ursprünglichem Drehbuch befanden sich Amerika und die UdSSR am Ende im Krieg, und der Riese starb. McCanlies entschied sich für eine kurze Szene, in der sein Überleben gezeigt wird: „Man kann E.T. nicht töten und ihn dann nicht zurückbringen.“ McCanlies stellte das Drehbuch innerhalb von zwei Monaten fertig. McCanlies hatte drei Monate Zeit, um ein Drehbuch fertig zu stellen, und aufgrund des engen Zeitplans des Films hatte Warner Bros. Die Frage nach der Hintergrundgeschichte des Riesen wurde absichtlich ignoriert, um die Geschichte auf seine Beziehung zu Hogarth zu konzentrieren. Bird hielt es für schwierig, die Geschichte zu entwickeln, da sie ungewöhnliche Elemente wie „paranoide Sci-Fi-Filme aus den Fünfzigern mit der Unschuld von etwas wie The Yearling“ verband. Hughes selbst erhielt eine Kopie des Drehbuchs von McCanlies und schickte einen Brief zurück, in dem er seine Zufriedenheit mit der Fassung zum Ausdruck brachte. In dem Brief erklärte Hughes: „Ich möchte Ihnen sagen, wie sehr mir gefällt, was Brad Bird gemacht hat. Er hat etwas aus einem Guss geschaffen, mit einer grandiosen, unheimlichen Eigendynamik, und das Ende war für mich ein glorreiches Stück Verblüffung. Er hat aus der Art und Weise, wie er The Iron Giant entwickelt hat, eine großartige dramatische Situation gemacht. Ich kann nicht aufhören, darüber nachzudenken.“
Bird kombinierte sein Wissen aus seinen Jahren beim Fernsehen, um seinen ersten Spielfilm zu drehen. Er bezeichnete seine Arbeit an Family Dog als wesentlich für die Teambildung und seine Zeit bei den Simpsons als ein Beispiel für die Arbeit unter strengen Fristen. Er war offen dafür, dass andere Mitarbeiter bei der Entwicklung des Films mithelfen konnten; er fragte oft Crewmitglieder nach ihrer Meinung zu Szenen und änderte die Dinge entsprechend. Eine seiner Prioritäten war es, ruhigere, charakterbezogene Momente zu betonen, im Gegensatz zu hektischen Szenen – etwas, das Bird für ein Problem des modernen Filmemachens hielt. „Es muss immer etwas los sein, es muss Soundeffekte geben oder Schnitte oder laute Musik. Es ist fast so, als hätte das Publikum die Fernbedienung und würde den Kanal wechseln“, kommentierte er damals. Storyboard-Künstler Teddy Newton spielte eine wichtige Rolle bei der Gestaltung der Filmgeschichte. Newtons erster Auftrag im Team bestand darin, dass er von Bird gebeten wurde, einen Film im Film zu kreieren, um die „Hygiene-Filme, die jeder gesehen hat, als die Bombenangst losging“, zu reflektieren. Newton kam zu dem Schluss, dass eine Musiknummer die eingängigste Alternative sein würde, und die „Duck and Cover“-Sequenz wurde zu einem der Lieblingsfilme der Crewmitglieder. Von Jeffery Lynch, dem Leiter der Story-Abteilung, erhielt er den Spitznamen „The X-Factor“ und die Produzenten gaben ihm künstlerische Freiheit bei verschiedenen Teilen des Drehbuchs.
AnimationEdit
Der finanzielle Misserfolg von Warners vorherigem Animationsfilm Quest for Camelot, der das Studio dazu veranlasste, Animationsfilme neu zu überdenken, trug wesentlich zur Produktion von The Iron Giant bei. „Drei Viertel“ des damaligen Animationsteams haben an The Iron Giant mitgewirkt. Als der Film in Produktion ging, teilte Warner Bros. den Mitarbeitern mit, dass sowohl das Budget als auch der Zeitrahmen für die Fertigstellung des Films kleiner sein würden. Obwohl die Produktion genau beobachtet wurde, kommentierte Bird: „Sie ließen uns in Ruhe, wenn wir die Kontrolle behielten und ihnen zeigten, dass wir den Film verantwortungsvoll produzierten, ihn rechtzeitig fertigstellten und gute Sachen machten.“ Bird sah den Kompromiss darin, „ein Drittel des Geldes eines Disney- oder DreamWorks-Films und die Hälfte des Produktionszeitplans“ zu haben, aber der Lohn war eine größere kreative Freiheit, und er beschrieb den Film als „vollständig vom Animationsteam gemacht; ich glaube nicht, dass irgendein anderes Studio das in dem Maße sagen kann wie wir.“ Ein kleiner Teil des Teams unternahm eine einwöchige Recherchereise nach Maine, wo sie fünf kleine Städte fotografierten und auf Video aufnahmen. Sie hofften, die Kultur bis ins kleinste Detail wiedergeben zu können: „Wir haben Ladenfronten, Scheunen, Wälder, Häuser, Innenräume, Restaurants, jedes Detail, das wir finden konnten, gefilmt, einschließlich der Baumrinde“, so Produktionsdesigner Mark Whiting.
Bird hielt sich an eine ausgefeilte Szenenplanung, wie z. B. detaillierte Animatics, um sicherzustellen, dass es keine Budgetprobleme gab. Das Team arbeitete zunächst mit der Software Director von Macromedia, bevor es ganz auf Adobe After Effects umstieg. Bird war begeistert von der damals noch jungen Software, da sie es ermöglichte, im Storyboard Hinweise auf Kamerabewegungen zu geben. Die Software wurde für das Team, das schon früh als „Macro“ bezeichnet wurde, unverzichtbar, um dem Studio zu helfen, die Storyreels für den Film zu erfassen. Dadurch konnte Bird auch besser verstehen, was der Film aus Sicht des Schnitts erforderte. Am Ende war er stolz auf die Art und Weise, wie der Film entwickelt wurde, und stellte fest: „Wir konnten uns das Tempo und die Entfaltung unseres Films mit einem relativ geringen Aufwand an Ressourcen genau vorstellen.“ Die Gruppe versammelte sich in einem Vorführraum, um die fertigen Sequenzen zu betrachten, wobei Bird Vorschläge machte, indem er mit einem Marker auf die Leinwand zeichnete. Der leitende Animator Bazley meinte, dass dies zu einem Gefühl der Kameradschaft unter der Crew führte, die in ihrer Mission, einen guten Film zu schaffen, geeint war. Bird nannte als seinen Lieblingsmoment bei der Produktion des Films den Moment im Schneideraum, als die Crew zusammenkam, um eine Sequenz zu testen, in der der Riese erfährt, was eine Seele ist. „Die Leute im Raum haben spontan geweint. Es war ein entscheidender Moment; es gab ein unbestreitbares Gefühl, dass wir wirklich etwas erreicht hatten“, erinnert er sich.
Er entschied sich dafür, den Animatoren des Films Portionen zu geben, die sie komplett animieren konnten, anstatt wie üblich nur eine Figur zu animieren – eine Rückbesinnung auf die Art und Weise, wie Disneys erste Filme entstanden. Eine Ausnahme bildete der Riese selbst, der aufgrund der Schwierigkeit, ein Metallobjekt „flüssig“ zu gestalten, mit computergenerierten Bildern erstellt wurde. Außerdem hatten sie Schwierigkeiten, mit dem Computermodell Gefühle auszudrücken. Der Riese wurde von Filmemacher Joe Johnston entworfen und von Produktionsdesigner Mark Whiting und Steve Markowski, dem Chefanimateur des Riesen, verfeinert. Mithilfe einer Software animierte das Team den Riesen „in Zweierschritten“ (jedes zweite Bild, d. h. zwölf Bilder pro Sekunde), wenn er mit anderen Figuren interagierte, damit es weniger offensichtlich war, dass es sich um ein Computermodell handelte. Aufgrund des engen Zeitplans für den Film holte Bird Studenten des CalArts zur Unterstützung bei kleineren Animationsarbeiten hinzu. Er achtete darauf, die Arbeit an den Szenen zwischen erfahrenen und jüngeren Animatoren aufzuteilen: „Man überlastet seine stärksten Leute und unterlastet die anderen.“ Hiroki Itokazu entwarf alle CGI-Requisiten und Fahrzeuge des Films, die mit einer Vielzahl von Software erstellt wurden, darunter Maya von Alias Systems Corporation, PowerAnimator von Alias, eine modifizierte Version von RenderMan von Pixar, Softimage Creative Environment, Animo von Cambridge Animation (jetzt Teil von Toon Boom Technologies), Avid Elastic Reality und Adobe Photoshop.
Die Kunst von Norman Rockwell, Edward Hopper und N.C. Wyeth inspirierte das Design. Whiting bemühte sich um Farben, die sowohl die Zeit, in der der Film spielt, als auch die emotionale Stimmung des Films widerspiegeln; Hogarths Zimmer soll beispielsweise seine „Jugend und seinen Sinn für Wunder“ widerspiegeln. Dies wurde mit einem Stil vermischt, der an die Illustrationen der 1950er Jahre erinnert. Die Animatoren ließen sich bei der Animation des Films von Chuck Jones, Hank Ketcham, Al Hirschfeld und Disney-Filmen aus dieser Zeit wie 101 Dalmatiner inspirieren.
MusicEdit
Die Filmmusik wurde von Michael Kamen komponiert und dirigiert und ist damit der einzige Film von Bird, der nicht von seinem späteren Mitarbeiter Michael Giacchino vertont wurde. Birds ursprüngliche Filmmusik, „eine Sammlung von Bernard Herrmann-Musikstücken aus Filmen der 50er und 60er Jahre“, erschreckte Kamen zunächst. Da er der Meinung war, dass der Klang des Orchesters für das Gefühl des Films wichtig ist, beschloss Kamen, Osteuropa nach einem „altmodisch“ klingenden Orchester zu durchkämmen, und fuhr nach Prag, um Vladimir Ashkenazy die Tschechische Philharmonie in Strauss‘ Alpensinfonie dirigieren zu hören. Die Tschechische Philharmonie war schließlich das Orchester, das für die Filmmusik verwendet wurde, und Bird beschrieb das Sinfonieorchester als „eine erstaunliche Sammlung von Musikern“. Die Filmmusik für Der eiserne Riese wurde auf eine im Vergleich zu den meisten Filmen eher unkonventionelle Art und Weise aufgenommen: Die Musik wurde eine Woche lang im Prager Rudolfinum aufgenommen, ohne dass die Musik auf herkömmliche Weise synchronisiert wurde, was Kamen 1999 in einem Interview mit den Worten beschrieb: „Wir spielen die Musik, als wäre sie ein klassisches Repertoire.“ Kamens Filmmusik für Der eiserne Riese wurde am 6. November 1999 mit dem Annie Award für Musik in einer animierten Spielfilmproduktion ausgezeichnet.
PostproduktionBearbeiten
Bird entschied sich dafür, Der eiserne Riese im Breitbildformat zu produzieren – genauer gesagt im breiten CinemaScope-Seitenverhältnis von 2,39:1 -, wurde aber von seinen Beratern davor gewarnt, dies zu tun. Er hielt das Format für angemessen, da viele Filme aus den späten 1950er Jahren in solchen Breitbildformaten produziert wurden. Er hoffte, das CinemaScope-Logo auf einem Plakat anzubringen, teilweise als Scherz, aber 20th Century Fox, der Inhaber der Marke, lehnte ab.
Bird erinnerte sich später daran, dass er mit den Verantwortlichen aneinandergeriet, die Charaktere wie einen Hund als Sidekick hinzufügen, den Film in der Gegenwart ansiedeln und einen Hip-Hop-Soundtrack einbauen wollten. Bird antwortete darauf: „Wenn sie daran interessiert sind, die Geschichte zu erzählen, sollten sie sie so sein lassen, wie sie sein will. Ursprünglich sollte der Film auch unter dem Banner von Warner Bros. Family Entertainment veröffentlicht werden, dessen Logo das Maskottchen Bugs Bunny im Smoking zeigte, wie im Teaser-Trailer des Films zu sehen. Bird war aus einer Vielzahl von Gründen dagegen und bekam schließlich die Bestätigung, dass die Geschäftsführer Bob Daley und Terry Semel einverstanden waren. Stattdessen entwickelten Bird und sein Team eine andere Version des Logos, die dem klassischen Studio-Logo in einem Kreis ähnelte, das bekanntlich in den Looney Tunes-Kurzfilmen verwendet wurde. Er schrieb den Geschäftsführern Lorenzo di Bonaventura und Courtney Vallenti zu, dass sie ihm bei der Verwirklichung seiner Vision geholfen hatten und offen für seine Meinung waren.
Einem Bericht aus der Zeit der Veröffentlichung zufolge kostete The Iron Giant 50 Millionen Dollar für die Produktion und weitere 30 Millionen Dollar für das Marketing, obwohl Box Office Mojo das Budget später mit 70 Millionen Dollar angab. Im Vergleich zu den Filmen, die von Walt Disney Pictures vertrieben wurden, galt der Film als Low-Budget-Film.
