DesarrolloEditar
El origen de la película se encuentra en el libro El hombre de hierro (1968), del poeta Ted Hughes, que escribió la novela para que sus hijos se reconfortaran tras el suicidio de su madre Sylvia Plath. En la década de 1980, el músico de rock Pete Townshend decidió adaptar el libro para un álbum conceptual; se publicó como The Iron Man: A Musical en 1989. En 1991, Richard Bazley, que más tarde se convertiría en el principal animador de la película, propuso una versión de El hombre de hierro a Don Bluth mientras trabajaba en su estudio en Irlanda. Creó un esquema de la historia y los diseños de los personajes, pero Bluth rechazó el proyecto. Después de que se montara un musical en Londres, Des McAnuff, que había adaptado Tommy con Townshend para el escenario, creyó que El hombre de hierro podría trasladarse a la pantalla, y el proyecto fue finalmente adquirido por Warner Bros. Entertainment.
A finales de 1996, mientras se desarrollaba el proyecto, el estudio vio la película como un vehículo perfecto para Brad Bird, que en ese momento estaba trabajando para Turner Feature Animation desarrollando a Ray Gunn. Turner Broadcasting se había fusionado recientemente con la empresa matriz de Warner Bros., Time Warner, y a Bird se le permitió trasladarse al estudio Warner Bros. Animation para dirigir El gigante de hierro. Tras leer el libro original del Hombre de Hierro de Hughes, Bird quedó impresionado con la mitología de la historia y, además, Warner Bros le concedió una cantidad inusual de control creativo, que incluía la introducción de dos nuevos personajes que no estaban presentes en el libro original, Dean y Kent, la ambientación de la película en Estados Unidos y el descarte de las ambiciones musicales de Townshend (a quien no le importaba en absoluto, según se dice, «Bueno, da igual, me han pagado»). En una entrevista posterior, Bird explicó su deseo de ambientar la película en los Estados Unidos en la década de 1950:
El escenario de Maine parece idílico como el de Norman Rockwell por fuera, pero por dentro todo está a punto de estallar; todo el mundo tenía miedo de la bomba, de los rusos, del Sputnik, incluso del rock and roll. Esa sonrisa apretada de Ward Cleaver que enmascara el miedo (que es en realidad lo que el personaje de Kent tenía). Era el entorno perfecto para dejar caer un robot de 15 metros de altura.
Ted Hughes, el autor de la historia original, murió antes del estreno de la película. Su hija, Frieda Hughes, sí vio la película terminada en su nombre y le encantó. Pete Townshend, con el que se inició este proyecto y que permaneció como productor ejecutivo de la película, también disfrutó de la película final.
EscrituraEdición
Tim McCanlies fue contratado para escribir el guión, aunque a Bird le disgustó un poco tener otro escritor a bordo, ya que quería escribir el guión él mismo. Más tarde cambió de opinión después de leer el guión de McCanlies, entonces no producido, de Secondhand Lions. En el tratamiento original de la historia de Bird, Estados Unidos y la URSS estaban en guerra al final, con el Gigante muriendo. McCanlies decidió tener una breve escena en la que se mostrara su supervivencia, afirmando: «No puedes matar a E.T. y luego no traerlo de vuelta». McCanlies terminó el guión en dos meses. A McCanlies se le dio un plazo de tres meses para completar el guión, y fue gracias al apretado calendario de la película que Warner Bros. «no tuvo tiempo de meterse con nosotros», como dijo McCanlies. La cuestión de la historia de fondo del Gigante se ignoró a propósito para mantener la historia centrada en su relación con Hogarth. Bird consideraba que la historia era difícil de desarrollar debido a su combinación de elementos inusuales, como «las paranoicas películas de ciencia ficción de los años cincuenta con la inocencia de algo como The Yearling». El propio Hughes recibió una copia del guión de McCanlies y le devolvió una carta en la que manifestaba su satisfacción por la versión. En la carta, Hughes afirmaba: «Quiero decirle lo mucho que me gusta lo que ha hecho Brad Bird. Ha hecho algo de una sola pieza, con un tremendo impulso siniestro y el final me pareció una gloriosa pieza de asombro. Ha creado una situación dramática increíble con la forma en que ha desarrollado El gigante de hierro. No puedo dejar de pensar en ella».
Bird combinó sus conocimientos de sus años en la televisión para dirigir su primer largometraje. Atribuyó su tiempo de trabajo en Family Dog como esencial para la creación de equipos, y su permanencia en Los Simpsons como ejemplo de trabajo con plazos estrictos. Estaba abierto a que otros miembros de su equipo ayudaran a desarrollar la película; a menudo pedía a los miembros del equipo su opinión sobre las escenas y cambiaba las cosas en consecuencia. Una de sus prioridades era enfatizar los momentos más suaves, basados en los personajes, frente a las escenas más frenéticas, algo que Bird consideraba un problema del cine moderno. «Tiene que haber actividad o efectos de sonido o cortes o música a todo volumen. Es casi como si el público tuviera el mando a distancia y fuera a cambiar de canal», comentó en su momento. El dibujante de guiones gráficos Teddy Newton desempeñó un papel importante a la hora de dar forma a la historia de la película. El primer encargo de Newton en el equipo consistió en que Bird le pidiera que creara una película dentro de otra para reflejar las «películas de tipo higiénico que todo el mundo veía cuando se producía la alarma de la bomba». Newton llegó a la conclusión de que un número musical sería la alternativa más pegadiza, y la secuencia «Agáchate y cúbrete» llegó a convertirse en una de las favoritas de los miembros del equipo de la película. Apodado «The X-Factor» por el jefe del departamento de historias Jeffery Lynch, los productores le dieron libertad artística en varias partes del guión de la película.
AnimaciónEditar
El fracaso financiero del anterior esfuerzo animado de Warner, Quest for Camelot, que hizo que el estudio reconsiderara las películas de animación, ayudó a dar forma a la producción de El gigante de hierro considerablemente. «Tres cuartas partes» del equipo de animación de ese equipo ayudaron a elaborar El gigante de hierro. Cuando entró en producción, Warner Bros. informó al personal de que habría un presupuesto más reducido, así como un plazo de tiempo para completar la película. Aunque la producción fue vigilada de cerca, Bird comentó: «Nos dejaron tranquilos si manteníamos el control y les mostrábamos que estábamos produciendo la película de forma responsable y haciéndola a tiempo y haciendo cosas buenas». Bird consideraba que la contrapartida era tener «un tercio del dinero de una película de Disney o DreamWorks, y la mitad del calendario de producción», pero la recompensa era tener más libertad creativa, describiendo la película como «totalmente hecha por el equipo de animación; no creo que ningún otro estudio pueda decir eso al nivel que nosotros». Una pequeña parte del equipo realizó un viaje de investigación de una semana a Maine, donde fotografiaron y grabaron en vídeo cinco pequeñas ciudades. Esperaban reflejar con exactitud su cultura hasta en los más mínimos detalles; «rodamos fachadas de tiendas, graneros, bosques, casas, interiores de viviendas, comedores, todos los detalles que pudimos, incluso la corteza de los árboles», dijo el diseñador de producción Mark Whiting.
Bird se ciñó a una elaborada planificación de escenas, como animatics detalladas, para asegurarse de que no hubiera problemas de presupuesto. El equipo trabajó inicialmente con el software Director de Macromedia, antes de cambiar a Adobe After Effects a tiempo completo. Bird estaba ansioso por utilizar el entonces incipiente software, ya que permitía que el storyboard contuviera indicaciones de los movimientos de cámara. El software se convirtió en algo esencial para ese equipo -apodado «Macro» al principio- para ayudar al estudio a elaborar los story reels de la película. También permitió a Bird comprender mejor lo que la película requería desde el punto de vista del montaje. Al final, se sintió orgulloso de la forma en que se desarrolló la película, señalando que «pudimos imaginar el ritmo y el desarrollo de nuestra película con precisión con un gasto relativamente pequeño de recursos». El grupo se reunía en una sala de proyección para ver las secuencias terminadas, y Bird ofrecía sugerencias dibujando en la pantalla con un rotulador. El animador principal, Bazley, sugirió que esto condujo a un sentimiento de camaradería entre el equipo, que estaba unido en su misión de crear una buena película. Bird dijo que su momento favorito de la producción de la película se produjo en la sala de montaje, cuando el equipo se reunió para probar una secuencia en la que el Gigante aprende lo que es un alma. «La gente en la sala lloraba espontáneamente. Fue fundamental; había una sensación innegable de que realmente estábamos tocando algo», recuerda.
Optó por dar a los animadores de la película porciones para animar por completo, en lugar del proceso estándar de animar un personaje, en un retroceso a la forma en que se crearon los primeros largometrajes de Disney. La excepción fueron los responsables de la creación del propio Gigante, que se creó utilizando imágenes generadas por ordenador debido a la dificultad de crear un objeto metálico «de forma fluida». Además, tuvieron problemas para utilizar el modelo informático para expresar emociones. El Gigante fue diseñado por el cineasta Joe Johnston, que fue perfeccionado por el diseñador de producción Mark Whiting y Steve Markowski, animador principal del Gigante. Mediante un programa informático, el equipo animaba al Gigante «de dos en dos» (cada dos fotogramas, o doce fotogramas por segundo) cuando interactuaba con otros personajes, para que fuera menos evidente que se trataba de un modelo informático. Bird contrató a estudiantes de CalArts para que le ayudaran en trabajos menores de animación, debido a la apretada agenda de la película. Se aseguró de repartir el trabajo de las escenas entre los animadores experimentados y los más jóvenes, señalando: «Sobrecargas a los más fuertes y subestimas a los demás». Hiroki Itokazu diseñó todo el atrezzo y los vehículos CGI de la película, que se crearon con diversos programas informáticos, como Maya de Alias Systems Corporation, PowerAnimator de Alias, una versión modificada de RenderMan de Pixar, Softimage Creative Environment, Animo de Cambridge Animation (ahora parte de Toon Boom Technologies), Avid Elastic Reality y Adobe Photoshop.
El arte de Norman Rockwell, Edward Hopper y N.C. Wyeth inspiró el diseño. Whiting se esforzó por conseguir colores que evocaran el período de tiempo en el que se desarrolla la película y que también representaran su tono emocional; por ejemplo, la habitación de Hogarth está diseñada para reflejar su «juventud y sentido de la maravilla». Eso se mezcló con un estilo que recuerda a la ilustración de los años 50. Los animadores estudiaron a Chuck Jones, Hank Ketcham, Al Hirschfeld y las películas de Disney de esa época, como 101 Dálmatas, para inspirarse en la animación de la película.
MúsicaEditar
La partitura de la película fue compuesta y dirigida por Michael Kamen, lo que la convierte en la única película dirigida por Bird que no contó con la partitura de su futuro colaborador, Michael Giacchino. La partitura original de Bird, «una colección de pistas de Bernard Herrmann de películas de ciencia ficción de los años 50 y 60», asustó inicialmente a Kamen. Creyendo que el sonido de la orquesta es importante para la sensación de la película, Kamen «decidió peinar Europa del Este en busca de una orquesta que sonara «a la antigua» y fue a Praga para escuchar a Vladimir Ashkenazy dirigir la Filarmónica Checa en la Sinfonía Alpina de Strauss». Finalmente, la Filarmónica Checa fue la orquesta utilizada para la partitura de la película, y Bird describió la orquesta sinfónica como «una increíble colección de músicos». La partitura de El gigante de hierro se grabó de una manera poco convencional, en comparación con la mayoría de las películas: grabada durante una semana en el Rudolfinum de Praga, la música se grabó sin usos convencionales de sincronización de la música, en un método que Kamen describió en una entrevista de 1999 como «tocar la música como si fuera una pieza de repertorio clásico.» La partitura de Kamen para El gigante de hierro ganó el premio Annie a la música en una producción de animación el 6 de noviembre de 1999.
PostproducciónEditar
Bird optó por producir El gigante de hierro en pantalla ancha -específicamente en la relación de aspecto CinemaScope de 2,39:1- pero sus asesores le advirtieron que no lo hiciera. Sin embargo, pensó que era apropiado utilizar este formato, ya que muchas películas de finales de los años 50 se produjeron en este formato de pantalla ancha. Esperaba incluir el logotipo de CinemaScope en un póster, en parte como broma, pero 20th Century Fox, propietaria de la marca, se negó.
Bird recordó más tarde que se enfrentó a los ejecutivos que querían añadir personajes, como un perro compinche, situar la película en la actualidad e incluir una banda sonora de hip hop. Esto se debió a la preocupación de que la película no fuera comercializable, a lo que Bird respondió: «Si estaban interesados en contar la historia, deberían dejarla ser lo que quiera ser». La película también se iba a estrenar inicialmente bajo la marca Warner Bros. Family Entertainment, en cuyo logotipo aparecía la mascota Bugs Bunny con esmoquin, como se ve en el teaser tráiler de la película. Bird se oponía a esto por una multitud de razones, y finalmente obtuvo la confirmación de que los ejecutivos Bob Daley y Terry Semel estaban de acuerdo. En su lugar, Bird y su equipo desarrollaron otra versión del logotipo para que se pareciera al clásico logotipo del estudio en un círculo, famoso por los cortos de los Looney Tunes. Bird atribuyó a los ejecutivos Lorenzo di Bonaventura y Courtney Vallenti el mérito de haberle ayudado a lograr su visión, señalando que estaban abiertos a su opinión.
Según un informe de la época de su estreno, la producción de El gigante de hierro costó 50 millones de dólares y otros 30 millones se destinaron a la comercialización, aunque Box Office Mojo informó posteriormente de que su presupuesto fue de 70 millones de dólares. Se consideraba una película de bajo presupuesto, en comparación con las películas distribuidas por Walt Disney Pictures.
