Una introducción al jazz latino en 20 discos

Desde el feroz cubop hasta la fusión afro-puertorriqueña.

Pocas influencias musicales han jugado un papel tan importante y consistente en el jazz como las de América Latina.

El cubop fue la primera revelación. Fue el sonido de moda en el Nueva York de los años 50, cuando los músicos emigrantes de Cuba y Puerto Rico empezaron a tocar con los creadores del bebop. A continuación, los sonidos de la samba y la bossa nova entraron en escena, y se produjo una nueva moda de bossa jazz.

Con un flujo continuo de músicos del Caribe y Brasil, así como de Argentina y Uruguay, Estados Unidos siguió siendo un semillero de jazz latino en los años 70, y aunque las cosas empezaron a decaer en la década siguiente, el género ha seguido encontrando nuevas formas de reinventarse.

Aunque hay una gran cantidad de jazz hecho por músicos latinos que también podría incluirse aquí, esta lista ha sido elegida para celebrar los abrazos que tuvieron lugar entre el jazz estadounidense y América Latina desde los años 40 hasta los 70, y la música influenciada por esos encuentros.

Machito
Afro Cuban Jazz
(Clef Records, 1951)

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La canción reconocida como la primera en la que los músicos de jazz de Nueva York utilizaron la clave cubana (y su ritmo 3/2 o 2/3) es ‘Tanga’, arreglada por Mario Bauzá en 1943 para Machito y sus afrocubanos. Fue un éxito local en Nueva York, donde Machito tocaba regularmente, pero no se grabó hasta finales de los años cuarenta. Incluso entonces estaba en una compilación de swing y bop. Con Chico O’Farrill tomando el relevo en los arreglos -y manteniendo muchas de las innovaciones de Bauzá, incluyendo el protagonismo de la percusión afrocubana-, en esta suite Machito se apoya en los fundamentos del jazz latino de ‘Tanga’ con un sofisticado conjunto que presenta unos increíbles duelos de saxofón entre Charlie Parker y Fred Skerritt (‘Mambo’), con Buddy Rich aportando calidad a las baquetas (‘Rhumba Finale’).

Dizzy Gillespie
Dizzy Gillespie And His Orchestra Featuring Chano Pozo
(Gene Norman Presents, 1954)

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Si Mario Bauzá inventó el jazz latino, Dizzy Gillespie ayudó a popularizarlo. Gillespie había tocado con Bauzá en la orquesta de Cab Calloway y fue Bauzá quien le presentó al percusionista afrocubano Chano Pozo, al que contrató inmediatamente en 1947. Esto marcó el comienzo de lo que se conoció como Cubop. Al igual que el primer material de Machito, la música que Gillespie hizo con Pozo no se publicó en su momento. En su lugar, la música que hicieron juntos en sólo un año -Pozo murió de un disparo en la calle en 1948- se publicaría más tarde. Manteca» es una de las pocas oportunidades grabadas para escuchar la emoción de la combinación del dúo, utilizando una clave de 2/3 con el bajo y la percusión sosteniendo las cosas, mientras los cuernos luchan con las congas de Pozo.

Kenny Dorham
Afro-Cubano
(Blue Note, 1955/57)

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Dorham aportó nuevos niveles de detalle al sonido Cubop. Destaca la fusión de mambo y hard bop de ‘Basheer’s Dream’ con la expresiva batería de Art Blakey y las dulces florituras de Horace Silver al piano, las trompas de llamada y respuesta de ‘Afrodisia’ y la lenta, pero no menos impactante, ‘Lotus Flower’. Blue Note reeditó el álbum en 1957 con pistas adicionales, y estas adiciones, que omiten en gran medida la percusión afrocubana, incluyen algunos momentos hermosos, la enérgica ‘La Villa’ un buen escaparate para la sorprendente forma de tocar la trompeta de Dorham.

Cachao Y Su Combo
Descargas Cubanas
(Panart, 1956)

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Las sesiones nocturnas al estilo de La Habana se convirtieron en algo habitual en Nueva York en los años 50, y nadie estaba más enamorado de estas sesiones que el contrabajista Israel «Cachao» López. Estas sesiones, a las que Cachao llamaba descargas, podían durar horas, pero en este álbum esencial de jazz-dance se reducen a pequeñas ráfagas de ritmos cubanos. Temas como ‘Descarga Cubana’ y ‘Malanga Amarilla’ recuperaron la pasión desenfrenada, los ritmos sincopados y los solos de percusión del cada vez más sofisticado sonido Cubop.

Cal Tjader Sextet
A Night at the Black Hawk
(Fantasy, 1959)

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El más grande director de banda de jazz latino no latino, Cal Tjader fue el maestro del vibráfono que ayudó a poner el cool de la Costa Oeste en las listas de jazz, al tiempo que produjo una extensa serie de grabaciones de jazz latino. Aunque Soul Sauce (1965) recibe a menudo muchos elogios, este LP, grabado en directo en el Black Hawk, cuenta con una sección rítmica increíble formada por Willie Bobo (timbales) y Mongo Santamaría (percusión), con el impulso adicional del saxofonista tenor cubano José «Chombo» Silva. Temas como ‘A Night in Tunisia’ y ‘Blue and Sentimental’ les sitúan en lo más alto de su carrera.

Sabu Martinez
Jazz Espagnole
(Alegre Records, 1960)

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Como sustituto de Chano Pozo en la orquesta de Dizzy Gillespie, Martinez no se quedaba atrás con la conga. Aunque figura como director de lo que en realidad era un conjunto totalmente americano, se pavonea sobre una afilada selección de ritmos latinos. Delilah» es un tema afrocubano que se pasea, «Flamenco Ain’t Bad» es un animado paseo por el flamenco, y «Nica’s Dream» (escrito originalmente por Horace Silver), un mini-épico feroz que es uno de los mejores temas de Cubop.

Luiz Bonfá
Plays and Sings Bossa Nova
(Verve, 1963)

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La influencia brasileña en el jazz estadounidense comenzó en 1961, cuando Charlie Byrd fue enviado a una gira diplomática por Sudamérica. Volvió cautivado por la bossa nova y la samba, y publicó Jazz Samba en 1962, una colaboración con Stan Getz, que luego daría un paso más, asociándose con los brasileños João Gilberto y Tom Jobim para el millonario Getz/Gilberto (1964). Ese disco es, en muchos sentidos, el álbum definitivo de bossa jazz, a pesar de su exceso de similitud. Sin embargo, Luiz Bonfá Plays and Sings Bossa Nova es una gran alternativa. La interpretación de la guitarra de Bonfá es excepcional, llena de inventiva, y tiene una voz magistral; basta con escuchar su canturreo en «Sambalamento». Los sutiles adornos de Oscar Castro-Neves al piano, los arreglos de cuerda de Lalo Schifrin y los hermosos coros de Maria Helena Toledo, hacen de este disco de bossa jazz algo esencial.

Mongo Santamaria
Mongo Santamaria Explodes At The Village Gate
(Columbia, 1964)

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Una gran parte del amor por la música latina en el jazz vino de las posibilidades de la percusión y Mongo Santamaria fue uno de los percusionistas más solicitados. Fue Mongo quien apareció en el popularísimo single de Herbie Hancock «Watermelon Man». Prolífico artista en solitario, además de frecuente colaborador, éste es el mejor de sus álbumes Live at Village Gate, con un ritmo constante y la mejor puntuación de la sección de vientos que le da espacio para improvisar. Incluye una brillante versión del tema emblemático de Santamaría, ‘Afro Blue’.

Willie Colón
The Hustler
(Fania Records, 1968)

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Las descargas y las jams latinas de Cachao, Machito y compañía. fueron seguidas por el surgimiento de la salsa en Nueva York, y la primera y segunda generación de cubanos, dominicanos y puertorriqueños que formaron parte de la lista de Fania Records. Las jams mantuvieron su lugar en los espectáculos en directo en el Village Gate de Nueva York, en los que artistas de jazz como Dizzy Gillespie se enfrentaban a los mejores improvisadores de salsa. La salsa pronto se convertiría en algo propio, pero hubo un momento en el que álbumes como éste del trombonista Willie Colón -con sus congas machaconas, sus florituras de piano y su clave hipnótica- demostraron que la salsa y el jazz eran dos caras de la misma moneda. La ardiente canción que da título al disco o la vampiresa ‘Eso Se Baile Así’, dirigida por Héctor Lavoe, confirman la condición de leyenda de The Hustler.

Eddie Palmieri
Justicia
(Tico, 1969)

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Desde 1962, Eddie Palmieri impulsaba la música latina con su grupo La Perfecta, antes de actuar con una banda más grande y llena de trompetas para lanzar álbumes que incluían Superimposition (1970), Vámonos Pa’l Monte (1971) y Harlem River Drive (1971). Este álbum, Justicia, tiene un poco de todo, con un funky extendido mezclado con un piano estremecedor (‘Verdict on Judge Street’), comentario social (‘Everything is Everything’), salsa (‘Justicia’) y batucada pesada (‘My Spiritual Indian’).

Gato Barbieri
Fénix
(Flying Dutchman, 1971)

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Barbieri era un saxofonista tenor argentino salido de la escuela del free jazz de Coltrane, Ayler y Sanders. Sin embargo, a mediados de los 70 fichó por A&M Records y subió el tono de la música con Herb Alpert a los mandos. Antes, sin embargo, grabó una sorprendente serie de álbumes, entre ellos Fénix, en el sello independiente Flying Dutchman. Aunque es el saxo de Barbieri el que vuela en cada canción, es el control rítmico y las sutiles texturas del grupo, lo que hace que Fénix sea tan emocionante. El piano de Lonnie Liston Smith es insistente en todo momento, con Naná Vasconcelos añadiendo interesantes tonos brasileños, mientras que el bajo de Ron Carter permite a Barbieri aventurarse tan lejos como quiera.

Moacir Santos
Maestro
(Blue Note, 1972)

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Aunque no cabe duda de que Coisas (1965) es la obra maestra de Moacir Santos, es también un álbum increíblemente difícil de clasificar: una colección de hermosas y ornamentadas obras orquestales inspiradas en melodías afrobrasileñas y cantos gregorianos. En otras palabras, no es realmente jazz en un sentido tradicional, aunque Santos se involucraría más en ese lado del universo musical cuando se trasladó a Los Ángeles en 1967 para publicar varios álbumes en Blue Note. Este primer álbum, en el que aparece con fuerza su voz, es un lanzamiento relajante y conmovedor que sólo parece mejorar con la edad.

Ray Barretto
Que Viva La Música
(Fania Records, 1972)

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Que Viva La Música es un pequeño tesoro escondido en la discografía de Barretto. Barretto era conocido por tener una de las bandas de salsa más feroces que hay, con un asalto de triple cuerno, así como por sacar algunos buenos cruces de jazz/salsa – La Cuna, Carnaval y Acid son todos dignos de ser revisados. Que Viva se encuentra en un punto intermedio entre todos ellos. Si a veces suena relajado, es porque siempre hay una sorpresa a la vuelta de la esquina. El disco comienza con la canción que da título al disco y una voz serpenteante respaldada por un piano que revolotea y la embriagadora forma de tocar la conga de Barretto. Luego entran las trompetas, la voz se agudiza y las cosas empiezan a agitarse. Alafia Cumaye» tiene una fuerte influencia afro-puertorriqueña, mientras que «Cocinando», de más de 10 minutos, es simplemente puro fuego.

Flora Purim
Sueños de mariposa
(Milestone, 1973)

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Recién salida de su etapa en Return to Forever, la cantante brasileña Flora Purim grabó este disco, uno de los mejores álbumes de jazz fusión brasileño que existen, con temas de alto ritmo como ‘Dr Jive’ y el más sereno ‘Dindi’. El extraordinario bajista Stanley Clarke está a su lado todo el tiempo, así como George Duke en las teclas y Airto Moreira en la percusión, formando un grupo formidable. El punto culminante del álbum es probablemente ‘Moon Dreams’, una canción que suena al principio como bossa jazz sin pretensiones antes de romper con nuevas texturas y ritmos.

Elis Regina &Antonio Carlos Jobim
Elis &Tom
(Philips, 1974)

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Elis fue, sin duda, una de las mejores voces de Brasil, su estilo conmovedor, muy influenciado por el jazz, hizo que su obra nunca quedara en segundo plano. El pionero de la bossa nova, Tom Jobim, participa en este disco, pero también lo hace una banda increíble con el guitarrista Oscar Castro-Neves, el pianista César Mariano y el baterista Paulinho Braga. Aunque algunas bossa no han resistido el paso del tiempo, esta grabación sigue sonando fresca.

Irakere
Grupo Irakere
(Areito, 1976)

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Uno de los grupos de jazz más vanguardistas de la década de los 70 procedía de Cuba, cada vez más aislada de la escena estadounidense como consecuencia de las relaciones políticas entre ambos países. Su debut de 1974 fue un éxito, con guitarras wah-wah y vientos ardientes que a veces se acercaban al psych rock. La continuación de este disco les convirtió en un grupo de jazz latino a tener en cuenta, en parte debido a la incorporación de Arturo Sandoval y Roberto Plá al grupo, que ya contaba con Paquito D’ Rivera y Chucho Valdés. Nombres que dominarían la escena del jazz latino en los 80, sus primeras incursiones en el Grupo Irakere escuchan a la banda estirarse en ‘En Nosotros’ e ‘Iyá’, aportando un poco de fuego de guitarra en ’38 ½’ y experimentando salvajemente con la percusión y las trompetas en la apertura del álbum ‘Chequere Son’.

Charlie Palmieri
Un paso de gigante
(Tropical Budda Records, 1984)

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En la década de 1980 la burbuja del jazz latino había explotado en gran medida. Mientras otros luchaban por la invención, Charlie Palmieri seguía haciendo música excelente, incluyendo esta maravilla, que ofrece un escaparate para su rítmica forma de tocar el piano que nunca se siente exagerada. El insistente ritmo de ‘Rhumba Rhapsody’ ofrece mucho espacio para que Palmieri improvise. Aunque el exceso de virtuosismo puede ser un problema, Palmieri muestra aquí cómo hacerlo bien.

Perujazz
Perujazz
(Vampisoul, 1987/2016)

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A pesar de su falta de material grabado, Perujazz tuvo un gran impacto en la música peruana y ahora finalmente están recibiendo un mayor reconocimiento. Perujazz se formó en 1984 con la intención de combinar el jazz con los ritmos e instrumentos afroperuanos y andinos. Su percusionista, Chocolate, utilizando el cajón, fue clave para ello, así como el enfoque libre del baterista Manongo Mújica. Combinados con el saxo y el bajo, eran un grupo visionario con pocos pares. Este es su debut oficial, publicado originalmente en Italia en 1987 como Verde Machu Picchu y reeditado en 2016 con nuevas ilustraciones.

Arturo Sandoval
Hot House
(N2K Records, 1998)

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Sandoval fue uno de los numerosos músicos cubanos, entre ellos Chucho Valdés Paquito D’Rivera (ambos miembros de Irakere), y Gonazalo Rubalcaba, que ayudaron a revitalizar el jazz latino en los años 80 y 90, a menudo a través de su virtuosismo, así como su constante cambio de forma (de baladas a espirituales a hard bop). En este disco, Sandoval baja la intensidad del espectáculo para rendir homenaje a los cha-cha-cha y los mambos de los años 50 y 60. Funky Cha-Cha-Cha’ es un tema muy interesante, con Sandoval en el flugelhorn, hay un homenaje a Tito Puente en ‘Tito’ y la interpretación de la sección de vientos en ‘Sandunga’ es espectacular.

Daymé Arocena
Cubafonia
(Brownswood Recordings, 2017)

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Daymé Arocena es una de las mejores nuevas voces del jazz latino que han surgido en los últimos años. Con una voz que puede ir desde el scat de Etta Fitzgerald hasta el contundente holler neo-soul, en este segundo álbum Arocena demostró que también es una gran compositora con una emocionante actitud ante el potencial del jazz para superar los límites. Eleggua’ es una apertura lastimera con palabras habladas ahogadas por cantos ominosos que recuerdan a Kamasi Washington, antes de que el swing jazz de ‘La Rumba Me Llamo Yo’ y la más funky ‘Lo Que Fue’ cambien las cosas muy bien. Con un guiño al jazz latino clásico, así como su compromiso con la religión de la santería, Arocena está llevando la forma a nuevos territorios.