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Soul

Disney+ a connu une excellente année 2020 et Soul a été de loin notre film Disney+ préféré de l’année. Initialement prévu pour une sortie en salle (après un début fracassant au Festival de Cannes), le dernier chef-d’œuvre de Pixar a plutôt débuté discrètement sur la plateforme de streaming le jour de Noël. C’était en fait très logique, car le film aborde les thèmes universels de la vie, de la mort et de ce que cela signifie vraiment de trouver son étincelle. Joe Gardner (Jamie Foxx), professeur de musique dans un collège de New York, adore le jazz et rêve de jouer avec son groupe préféré. Cette opportunité se présente le jour où il tombe accidentellement dans une bouche d’égout ouverte. Se retrouvant dans le fantaisiste Grand Avant, il fait équipe avec une âme précoce nommée 22 (Tina Fey), et ensemble ils s’embarquent pour réunir son esprit avec son corps. En dire plus serait gâcher les nombreuses surprises du film, mais soyez assurés que Soul est sans doute l’une des plus grandes réussites de Pixar ; c’est un film visuellement époustouflant et profondément philosophique, magnifiquement réalisé par Pete Docter, le plus grand cinéaste de Pixar (le même esprit derrière Inside Out et Up). Et contrairement à la plupart des films Pixar, qui se concentrent sans relâche sur les subtilités de l’histoire, Soul se permet d’errer, de se rendre chez un coiffeur local sans raison apparente, si ce n’est pour entendre des bribes de dialogues du voisinage, ou de passer occasionnellement à des blagues ou des gags qui n’ont apparemment aucun rapport avec ce qui se passe dans la narration – en d’autres termes, c’est un film sur l’engagement avec le désordre de la vie qui permet réellement à une partie de ce désordre de s’infiltrer dans le film. Lancez le film, montez le son (pour mieux entendre l’incroyable partition de Trent Reznor et Atticus Ross et les compositions de jazz de Jon Batiste) et laissez Soul vous envahir. – Drew Taylor

Togo

Si vous avez déjà vu le long métrage d’animation Balto de 1995 (produit par Steven Spielberg par l’intermédiaire de son éphémère entreprise Amblimation), alors il y a de fortes chances que vous ayez au moins une connaissance superficielle de la course au sérum de 1925 à Nome, au cours de laquelle plusieurs groupes de chiens de traîneau ont relayé le précieux médicament à une communauté isolée en proie à la diphtérie. (Il existe d’ailleurs une statue dans Central Park dédiée à cet incroyable exploit). Ce que la plupart des gens ne savent pas, c’est que Balto n’était pas le chien de traîneau vedette ; il était simplement celui qui menait l’arrière sur la dernière étape du voyage. Le chien qui a parcouru la plus grande distance, dans des conditions vraiment horribles, s’appelait Togo. Willem Dafoe incarne Leonard « Sepp » Seppala, un personnage historique extrêmement intéressant qui a introduit le husky de Sibérie dans le monde anglophone et qui, après les événements décrits dans Togo, a participé aux Jeux olympiques de 1932. Structuré autour de ce voyage éprouvant, Togo fait un retour en arrière pour voir la relation entre Sepp et Togo, depuis l’époque où Togo était un chiot précoce jusqu’au relais lui-même, qui a été effectué alors que le chien était très âgé et malade. Plein d’action et de suspense (vous savez qu’ils doivent traverser la glace et vous savez que ça devient poilu), Togo se révèle lentement être un film sur le lien indicible entre l’homme et l’animal, un lien sans paroles et extrêmement émotionnel que peu de films ont dramatisé aussi bien que celui-ci. Assurez-vous de regarder Togo avec quelqu’un devant qui vous êtes à l’aise pour pleurer. – Drew Taylor

Rogue One : A Star Wars Story

Rogue One : A Star Wars Story déchire encore. L’histoire de la production de Rogue One est maintenant légendaire (ou peut-être infâme) ; après avoir terminé la photographie principale, le film a été fortement retravaillé, avec des pans entiers du film réécrits et tournés à nouveau, ce qui a conduit à l’un des déploiements promotionnels les plus bizarres pour un film de grand studio, dans lequel presque aucune des séquences du premier matériel de marketing ne s’est retrouvée dans le film final. Mais malgré tout cela, le film est un triomphe total. Le réalisateur Gareth Edwards apporte un niveau de réalisme tactile qui manquait aux films Star Wars depuis la trilogie originale, ce qui est peut-être approprié, car ce film se déroule juste avant les événements du premier film. Avec des effets visuels éblouissants (la bataille finale sur et au-dessus de la planète Scarif est l’une des meilleures de l’histoire de la franchise) et un casting aux talents merveilleusement diversifiés, Rogue One a clairement prouvé que certaines de ces histoires secondaires avaient une valeur intrinsèque et a ouvert la voie au succès de la série originale Disney+ The Mandalorian, qui se situe également entre les deux. (Il est intéressant de noter que Rogue One sera bientôt ressuscité sous la forme d’une série originale Disney+ de 12 épisodes intitulée Andor, dont la sortie est prévue en 2022). Bien sûr, on peut occasionnellement voir les coutures de Rogue One, mais c’est aussi indéniablement l’un des projets les plus excitants et les plus résonnants émotionnellement à sortir de l’ère Disney Star Wars. – Drew Taylor

Ralph Breaks the Internet

Réalisateurs : Rich Moore et Phil Johnston

Scénaristes : Phil Johnston et Pamela Ribbon

Casting : John C. Reilly, Sarah Silverman, Gal Gadot, Taraji P. Henson, Jack McBrayer, Jane Lynch, Alan Tudyk, Alfred Molina, Ed O’Neill et Bill Hader

Alors que Wreck-It Ralph s’est plongé dans le monde des jeux d’arcade et des jeux classiques avec des résultats formidables, la suite Ralph Breaks the Internet tourne son attention vers un tout autre type de bête : Internet. Dans le moule des suites réussies de Disney, ce film conserve les personnages principaux qui comptent tant pour le public tout en les faisant évoluer et en les mettant au défi pour des résultats convaincants. Ici, nous voyons Ralph et Vanellope prendre des chemins séparés alors qu’ils entrent dans le monde gigantesque d’Internet, et le film explore les thèmes de la masculinité toxique et de la culture en ligne, mais sans jamais prêcher. Il y a aussi beaucoup de temps pour s’amuser, et si l’on peut considérer les références à Star Wars et aux Princesses Disney comme de la promotion croisée éhontée, cela ne veut pas dire qu’elles ne sont pas merveilleusement délicieuses. Heureusement, il s’agit d’une suite avec une histoire qui vaut la peine d’être racontée. – Adam Chitwood

Les Gardiens de la Galaxie

Réalisateur : James Gunn

Scénaristes : James Gunn, Nicole Perlman

Cast : Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Vin Diesel, Bradley Cooper, Lee Pace, Michael Rooker, Karen Gillan, Djimon Hounsou, John C. Reilly, Glenn Close, Benicio del Toro

Sauf parmi les nombreuses blagues du film Les Gardiens de la Galaxie du MCU, Star-Lord (Chris Pratt changeant à jamais la façon dont nous le voyons) fait un commentaire selon lequel l’examen d’une pièce à la lumière noire donnera lieu à une peinture de Jackson Pollock. C’est exact, mes amis. Au milieu d’un blockbuster de super-héros financé par Disney, classé PG-13 et que tous les enfants américains verront en première partie de semaine, se trouve un commentaire sur le sperme. Il faut avoir une connaissance de base de l’art pour le comprendre. Et maintenant, vous pouvez le regarder en streaming quand vous le voulez sur Disney+. Quelle époque pour être en vie ! Pour être juste, les nombreux charmes des Gardiens de la Galaxie ne sont pas exclusivement dans le caniveau. Mais la vision iconoclaste du réalisateur/co-scénariste James Gunn et de la co-scénariste Nicole Perlman s’élève vers les étoiles parce qu’elle est tellement ancrée dans la terre. Nous nous dirigeons vers l’espace, où des extraterrestres aux couleurs vives et rafraîchissantes s’entretuent à coups de lasers. Mais nous sommes centrés par un Humain avec un H majuscule, qui aime la musique rock, la plaisanterie et les poils de visage ringards. C’est une façon tellement intelligente d’introduire un nouveau ton dans le MCU, et c’est une façon tellement intelligente de s’assurer que le film conserve l’un des plaisirs les plus intelligemment autonomes du MCU. – Gregory Lawrence

Newsies

Réalisateur : Kenny Ortega

Scénaristes : Bob Tzudiker et Noni White

Casting : Christian Bale, Bill Pullman, Ann-Margaret et Robert Duvall

Si vous vous demandez pourquoi Christian Bale joue dans une comédie musicale Disney, vous n’êtes pas seul. Lorsque Bale a signé à l’origine pour jouer dans Newsies, il s’agissait d’un drame direct – c’est assez tard dans le jeu que Disney a décidé de Disney-fy le film en faisant appel au musicien légendaire Alan Menken pour écrire des chansons originales pour le film qui se déroule en 1899. L’histoire suit un groupe d’adolescents et de préadolescents qui vendent des journaux à la sauvette à New York et dont le gagne-pain est menacé lorsqu’une rivalité éclate entre éditeurs. Il s’agit d’un film étrangement politique pour Disney, mais bien sûr, tout cela est relégué au second plan par les numéros musicaux et les séquences de danse extrêmement entraînants. Le charme de Newsies demeure, même si Bale lui-même semble encore quelque peu gêné par la marque sur sa filmographie. – Adam Chitwood

Mary Poppins Returns

Réalisateur : Rob Marshall

Scénaristes : David Magee, Rob Marshall, John DeLuca

Casting : Emily Blunt, Lin-Manuel Miranda, Ben Whishaw, Emily Mortimer, Julie Walters, Dick Van Dyke, Angela Lansbury, Colin Firth, Meryl Streep

Le Retour de Mary Poppins est le Force Awakens du Mary Poppins-verse, et je le dis comme un compliment sincère. Emily Blunt reprend le rôle emblématique de Julie Andrews dans la peau de la nounou capable de faire littéralement n’importe quoi, avec un sens de l’humour très sûr, et passe en un clin d’œil de l’amour vache au chant fantaisiste. Les compositions sur grand écran de Rob Marshall nous ramènent à l’âge d’or des extravagances en prises de vue réelles de Disney, et le scénario nous offre pièce musicale après pièce musicale qui, euh, s’avère également correspondre au scénario original et au but de chaque pièce dans l’original. Mais quand l’art est aussi bon, les chansons aussi entraînantes et Lin-Manuel Miranda aussi « rappeur avec un accent cockney », c’est tout simplement trop amusant pour ne pas se laisser emporter par sa gloire sérieuse. De plus, les fondements émotionnels du film, et les conflits familiaux entre Ben Whishaw, Emily Mortimer et les jeunes, vous touchent de plein fouet, donnant à ce film les enjeux dont il a besoin. Je pleure rien qu’en pensant à la chanson solo de Whishaw dans le grenier. – Greg Smith

Tron : Legacy

Réalisé par : Joseph Kosinski

Écrit par : Edward Kitsis et Adam Horowitz

Auteurs : Garrett Hedlund, Olivia Wilde, Jeff Bridges, Michael Sheen

Tron : L’héritage est, incroyablement, sorti il y a un peu plus de 10 ans et semble toujours totalement futuriste. Suite attendue depuis longtemps du film avant-gardiste mais quelque peu inerte sur le plan émotionnel de Disney, Tron, sorti en 1982, ce film suit Sam, le fils (Garrett Hedlund) du protagoniste du film original, Flynn, un concepteur de jeux vidéo de génie qui se perd dans son propre monde informatisé (Jeff Bridges). Lorsque, après des années d’éloignement, Sam se retrouve dans ce monde, il s’engage dans une mission pour sauver son père et les autres habitants du royaume, désormais dirigé par le vicieux doppelgänger/avatar de son père, Clu. Doté du genre d’effets visuels révolutionnaires que l’on attend d’une suite de Tron (y compris des techniques embryonnaires de vieillissement numérique, dix ans avant The Irishman), Tron : Legacy ressemble davantage à une installation d’art numérique qu’à un long métrage narratif, avec de longues étendues d’images magnifiques et hypnotiques sur une musique électronique percutante et scintillante des pionniers français de la musique de danse Daft Punk. Tron : Legacy, comme disent les jeunes, est une vibration. Et elle est restée aussi excitante et hypnotique qu’il y a dix ans, en grande partie grâce à la beauté de l’artisanat et à la réalisation étonnamment assurée du cinéaste Joseph Kosinski, qui en est à sa première expérience. Il aurait déjà dû y avoir cinq autres de ces films. – Drew Taylor

Le trou noir

Alors qu’il était en développement depuis des années avant que Star Wars ne prenne le monde d’assaut, la date de sortie de 1979 du Trou noir donne l’impression d’être une réponse directe à l’aventure intergalactique de George Lucas. Et cela rend le Trou noir encore plus étrange. Prévu à l’origine comme une sorte d’Aventure du Poséidon dans l’espace (ce que l’on peut voir dans l’étrange liste des acteurs du film), Le Trou noir s’est avéré beaucoup plus étrange. Il s’agit d’un vaisseau spatial qui accoste à une station spatiale, située au bord de la fameuse anomalie galactique, et du zélateur responsable de la station spatiale, qui a certainement des projets sinistres. C’est un film qu’il faut voir de ses propres yeux, non seulement pour ses qualités admirablement gonflées et dignes de WTF, mais aussi pour savoir comment Disney a pensé que ce film allait vraiment rivaliser avec le joyeux mastodonte de Lucas. (Heureusement, la présentation Disney+ du Trou noir conserve son ouverture statique avec l’époustouflante suite musicale de John Barry, mais vous devrez chercher en ligne la fin alternative encore plus étrange qui était incluse dans les éditions originales du film en home vidéo. Cela vaut la peine de tomber dans ce trou noir. – Drew Taylor

Le Cauchemar avant Noël de Tim Burton

Réalisé par : Henry Selick

Écrit par : Caroline Thompson

Cast : Danny Elfman, Chris Sarandon, Catherine O’Hara, William Hickey, Glenn Shadix, Paul Reubens, Ken Page et Ed Ivory

Il n’y a pas d’automne/hiver sans Le Cauchemar avant Noël de Tim Burton, qui est techniquement un film Disney (il est sorti à l’origine sous la bannière Touchstone Pictures de Disney). Film idéal pour faire la transition entre l’esprit d’Halloween et l’effervescence de la saison de Noël, le film d’animation en stop-motion macabre et charmant du réalisateur Henry Selick, sorti en 1993, est toujours un classique aujourd’hui. Effrayant mais pas effrayant, lunatique mais pas lugubre. Le ton est parfait, et les chansons sont carrément addictives, car Nightmare Before Christmas raconte l’histoire d’un étranger qui cherche à s’intégrer, mais qui s’y prend de toutes les mauvaises manières. Et si Jack Skellington est peut-être la star du film, Sally en est le cœur battant. – Adam Chitwood