Le Géant de fer

DéveloppementEdit

Les origines du film se trouvent dans le livre L’Homme de fer (1968), du poète Ted Hughes, qui a écrit le roman pour ses enfants afin de les réconforter à la suite du suicide de leur mère Sylvia Plath. Dans les années 1980, le musicien rock Pete Townshend a choisi d’adapter le livre pour en faire un album conceptuel, qui est sorti sous le titre The Iron Man : A Musical en 1989. En 1991, Richard Bazley, qui deviendra plus tard le principal animateur du film, propose une version de The Iron Man à Don Bluth alors qu’il travaille dans son studio en Irlande. Il a créé une ébauche d’histoire et des dessins de personnages, mais Bluth a refusé le projet. Après qu’une comédie musicale ait été montée à Londres, Des McAnuff, qui avait adapté Tommy avec Townshend pour la scène, a estimé que The Iron Man pourrait se transposer à l’écran, et le projet a finalement été acquis par Warner Bros. Entertainment.

À la fin de 1996, alors qu’il développait le projet en cours de route, le studio a vu dans le film un véhicule parfait pour Brad Bird, qui travaillait alors pour Turner Feature Animation en développant Ray Gunn. Turner Broadcasting avait récemment fusionné avec Time Warner, la société mère de Warner Bros., et Bird a été autorisé à être transféré au studio Warner Bros. Animation pour réaliser Le Géant de fer. Après avoir lu le livre original de Hughes sur l’homme de fer, Bird est impressionné par la mythologie de l’histoire et, de plus, Warner Bros lui accorde un contrôle créatif inhabituel. Ce contrôle créatif implique l’introduction de deux nouveaux personnages absents du livre original, Dean et Kent, le tournage du film en Amérique et l’abandon des ambitions musicales de Townshend (qui ne s’est pas soucié de l’une ou l’autre façon, ayant déclaré :  » Peu importe, je suis payé « ). Bird s’étendra sur son désir de situer le film dans l’Amérique des années 1950 dans une interview ultérieure :

Le décor du Maine a l’air Norman Rockwell idyllique à l’extérieur, mais à l’intérieur tout est sur le point de bouillir ; tout le monde avait peur de la bombe, des Russes, de Spoutnik – même du rock and roll. Ce sourire crispé de Ward Cleaver masquant la peur (ce qui est en fait l’essence même du personnage de Kent). C’était l’environnement parfait pour lâcher un robot de 50 pieds de haut.

Ted Hughes, l’auteur de l’histoire originale, est mort avant la sortie du film. Sa fille, Frieda Hughes, a toutefois vu le film terminé en son nom et l’a adoré. Pete Townshend, avec qui ce projet a commencé à l’origine et qui est resté en tant que producteur exécutif du film, a également apprécié le film final.

ÉcritureEdit

Tim McCanlies a été engagé pour écrire le scénario, bien que Bird ait été quelque peu mécontent d’avoir un autre écrivain à bord, car il voulait écrire le scénario lui-même. Il changea plus tard d’avis après avoir lu le scénario de McCanlies, alors non produit, pour Secondhand Lions. Dans le scénario original de Bird, l’Amérique et l’URSS étaient en guerre à la fin, et le Géant mourait. McCanlies décide d’avoir une brève scène montrant sa survie, déclarant : « On ne peut pas tuer E.T. et ne pas le ramener. » McCanlies termine le scénario en deux mois. McCanlies a reçu un calendrier de trois mois pour terminer un scénario, et c’est grâce au calendrier serré du film que Warner Bros. « n’a pas eu le temps de nous embêter », comme le dit McCanlies. La question de l’histoire du Géant a été volontairement ignorée afin que l’histoire reste centrée sur sa relation avec Hogarth. Bird considérait que l’histoire était difficile à développer en raison de sa combinaison d’éléments inhabituels, comme « les films de science-fiction paranoïaques des années 50 avec l’innocence de quelque chose comme The Yearling ». Hughes lui-même a reçu une copie du scénario de McCanlies et a renvoyé une lettre disant combien il était satisfait de la version. Dans cette lettre, Hughes déclare : « Je veux vous dire à quel point j’aime ce que Brad Bird a fait. Il a créé quelque chose d’un seul tenant, avec un formidable élan sinistre et la fin m’est apparue comme un glorieux moment d’émerveillement. La façon dont il a développé Le Géant de fer a créé une situation dramatique formidable. Je n’arrête pas d’y penser. »

Bird a combiné ses connaissances acquises pendant ses années à la télévision pour réaliser son premier long métrage. Il a crédité son temps de travail sur Family Dog comme essentiel à la constitution d’une équipe, et son mandat sur Les Simpsons comme un exemple de travail dans des délais stricts. Il était ouvert aux autres membres de son équipe pour l’aider à développer le film ; il demandait souvent aux membres de l’équipe leur avis sur les scènes et changeait les choses en conséquence. L’une de ses priorités était de mettre l’accent sur des moments plus doux, axés sur les personnages, par opposition à des scènes plus frénétiques, ce que Bird considérait comme un problème dans le cinéma moderne. « Il faut qu’il y ait de l’activité, des effets sonores, des coupures ou de la musique à fond. C’est presque comme si le public avait la télécommande et qu’il allait changer de chaîne », avait-il commenté à l’époque. Le storyboarder Teddy Newton a joué un rôle important dans l’élaboration de l’histoire du film. Pour sa première mission au sein de l’équipe, Bird lui a demandé de créer un film dans un film pour refléter « les films de type hygiénique que tout le monde a vus au moment de l’alerte à la bombe ». Newton est arrivé à la conclusion qu’un numéro musical serait la meilleure alternative, et la séquence « Duck and Cover » est devenue l’une des préférées de l’équipe du film. Surnommé « The X-Factor » par le chef du département des histoires Jeffery Lynch, les producteurs lui ont donné une liberté artistique sur divers morceaux du scénario du film.

AnimationEdit

L’échec financier du précédent effort d’animation de Warner, Quest for Camelot, qui a poussé le studio à reconsidérer les films d’animation, a considérablement contribué à façonner la production du Géant de fer. « Les trois quarts » de l’équipe d’animation de cette dernière ont participé à l’élaboration de The Iron Giant. Au moment où le film est entré en production, Warner Bros. a informé l’équipe qu’elle disposerait d’un budget plus réduit et d’un délai plus court pour terminer le film. Bien que la production ait été surveillée de près, Bird commente : « Ils nous ont laissés tranquilles si nous gardions le contrôle et si nous leur montrions que nous produisions le film de manière responsable, que nous le faisions dans les temps et que nous faisions des choses bien. » Bird considérait que le compromis était d’avoir « un tiers de l’argent d’un film de Disney ou de DreamWorks, et la moitié du calendrier de production », mais que le gain était d’avoir une plus grande liberté de création, décrivant le film comme « entièrement fait par l’équipe d’animation ; je ne pense pas qu’un autre studio puisse dire cela au même niveau que nous ». Une petite partie de l’équipe a fait un voyage de recherche d’une semaine dans le Maine, où elle a photographié et filmé cinq petites villes. Ils espéraient refléter fidèlement sa culture jusque dans les moindres détails ; « nous avons filmé les devantures de magasins, les granges, les forêts, les maisons, les intérieurs de maisons, les dîners, tous les détails que nous pouvions, y compris l’écorce des arbres », a déclaré le concepteur de production Mark Whiting.

Bird s’en est tenu à une planification élaborée des scènes, comme des animatiques détaillées, pour s’assurer qu’il n’y avait pas de problèmes budgétaires. L’équipe a d’abord travaillé avec le logiciel Director de Macromedia, avant de passer à Adobe After Effects à plein temps. Bird était impatient d’utiliser ce logiciel alors naissant, car il permettait d’intégrer au storyboard des indications sur les mouvements de caméra. Le logiciel est devenu essentiel pour cette équipe – surnommée « Macro » au début – pour aider le studio à saisir les story-boards du film. Celles-ci ont également permis à Bird de mieux comprendre ce que le film exigeait du point de vue du montage. Au final, il était fier de la façon dont le film a été développé, notant que « nous avons pu imaginer le rythme et le déroulement de notre film de façon précise avec une dépense de ressources relativement faible. » Le groupe se réunissait dans une salle de projection pour visionner les séquences terminées, Bird offrant des suggestions en dessinant sur l’écran avec un marqueur. Selon Bazley, animateur principal, cette façon de faire a créé un sentiment de camaraderie au sein de l’équipe, qui était unie dans sa mission de créer un bon film. Bird a cité son moment préféré de la production du film comme se produisant dans la salle de montage, lorsque l’équipe s’est réunie pour tester une séquence dans laquelle le Géant apprend ce qu’est une âme. « Les gens dans la pièce pleuraient spontanément. C’était crucial ; on avait le sentiment indéniable que nous étions vraiment en train de puiser dans quelque chose », se souvient-il.

Il a choisi de donner aux animateurs du film des portions à animer entièrement, plutôt que le processus standard d’animation d’un personnage, dans un retour à la manière dont les premiers longs métrages de Disney étaient créés. L’exception est constituée par les responsables de la création du Géant lui-même, qui a été créé à l’aide d’images de synthèse en raison de la difficulté de créer un objet métallique « de manière fluide ». Ils ont eu des difficultés supplémentaires à utiliser le modèle informatique pour exprimer des émotions. Le Géant a été conçu par le cinéaste Joe Johnston, puis affiné par le concepteur de production Mark Whiting et Steve Markowski, animateur en chef du Géant. À l’aide d’un logiciel, l’équipe animait le Géant « à deux » (une image sur deux, soit douze images par seconde) lorsqu’il interagissait avec d’autres personnages, afin qu’il soit moins évident qu’il s’agissait d’un modèle informatique. En raison du calendrier chargé du film, Bird a fait appel à des étudiants de CalArts pour l’assister dans les petits travaux d’animation. Il a veillé à répartir le travail sur les scènes entre les animateurs expérimentés et les plus jeunes, en faisant remarquer : « Vous surchargez vos personnes les plus fortes et sous-chargez les autres. » Hiroki Itokazu a conçu tous les accessoires et véhicules CGI du film, qui ont été créés dans une variété de logiciels, notamment Maya d’Alias Systems Corporation, PowerAnimator d’Alias, une version modifiée de RenderMan de Pixar, Softimage Creative Environment, Animo de Cambridge Animation (qui fait maintenant partie de Toon Boom Technologies), Avid Elastic Reality et Adobe Photoshop.

L’art de Norman Rockwell, Edward Hopper et N.C. Wyeth a inspiré le design. Whiting s’est efforcé de trouver des couleurs à la fois évocatrices de l’époque à laquelle se déroule le film et également représentatives de son ton émotionnel ; par exemple, la chambre de Hogarth est conçue pour refléter sa  » jeunesse et son sens de l’émerveillement.  » Cela a été mêlé à un style rappelant l’illustration des années 1950. Les animateurs ont étudié Chuck Jones, Hank Ketcham, Al Hirschfeld et les films Disney de cette époque, comme 101 Dalmatiens, pour s’inspirer de l’animation du film.

MusicEdit

La partition du film a été composée et dirigée par Michael Kamen, ce qui en fait le seul film réalisé par Bird à ne pas être mis en musique par son futur collaborateur, Michael Giacchino. La partition temporelle originale de Bird, « une collection de morceaux de Bernard Herrmann tirés de films de science-fiction des années 50 et 60 », a d’abord effrayé Kamen. Convaincu que le son de l’orchestre est important pour l’ambiance du film, Kamen « a décidé de passer l’Europe de l’Est au peigne fin pour trouver un orchestre à la sonorité « ancienne » et s’est rendu à Prague pour entendre Vladimir Ashkenazy diriger l’Orchestre philharmonique tchèque dans la Symphonie alpine de Strauss ». C’est finalement l’Orchestre philharmonique tchèque qui a été utilisé pour la musique du film, Bird décrivant l’orchestre symphonique comme « une incroyable collection de musiciens ». La musique du Géant de fer a été enregistrée d’une manière peu conventionnelle par rapport à la plupart des films : enregistrée pendant une semaine au Rudolfinum de Prague, la musique a été enregistrée sans utilisation conventionnelle de la synchronisation de la musique, selon une méthode décrite par Kamen dans une interview de 1999 comme  » jouer la musique comme s’il s’agissait d’un morceau du répertoire classique « . La partition de Kamen pour Le Géant de fer a remporté le 6 novembre 1999 le Annie Award de la musique dans une production de long métrage d’animation.

Post-productionEdit

Bird a opté pour la production du Géant de fer en écran large – plus précisément le format large 2,39:1 CinemaScope – mais a été mis en garde contre cette décision par ses conseillers. Il a estimé qu’il était approprié d’utiliser ce format, car de nombreux films de la fin des années 50 étaient produits dans ce type de format. Il espérait inclure le logo CinemaScope sur une affiche, en partie pour plaisanter, mais la 20th Century Fox, propriétaire de la marque, refusa.

Bird se rappela plus tard qu’il s’était heurté à des cadres qui souhaitaient ajouter des personnages, comme un chien acolyte, situer le film dans le présent et inclure une bande sonore de hip hop. Bird leur a répondu : « S’ils voulaient raconter l’histoire, ils devaient la laisser être ce qu’elle voulait être. » Le film devait également initialement sortir sous la bannière Warner Bros. Family Entertainment, dont le logo mettait en scène la mascotte Bugs Bunny dans un smoking, comme on peut le voir dans la bande-annonce du film. Bird s’y oppose pour une multitude de raisons, et finit par obtenir la confirmation de l’accord des dirigeants Bob Daley et Terry Semel. Au lieu de cela, Bird et son équipe ont développé une autre version du logo pour ressembler au logo classique du studio dans un cercle, célèbre dans les courts métrages Looney Tunes. Il a crédité les cadres Lorenzo di Bonaventura et Courtney Vallenti de l’avoir aidé à réaliser sa vision, notant qu’ils étaient ouverts à son opinion.

Selon un rapport de l’époque de sa sortie, Le Géant de fer a coûté 50 millions de dollars à produire, avec 30 millions de dollars supplémentaires pour le marketing, bien que Box Office Mojo ait plus tard rapporté que son budget était de 70 millions de dollars. Il était considéré comme un film à petit budget, en comparaison avec les films distribués par Walt Disney Pictures.