Biographie de Louis Daguerre
Enfance et éducation
Né en 1787, à Cormeilles-en-Parisis, en France, Louis-Jacques-Mandé Daguerre est élevé dans une famille bourgeoise aisée. Le père de Louis était un royaliste convaincu et, malgré le début de la Révolution française, il a même donné à l’une de ses filles le nom de la dernière reine condamnée de France, Marie-Antoinette. Les bouleversements politiques du pays font que la scolarité de Daguerre est parsemée d’interruptions. Il réussit cependant à développer son talent pour le dessin et, à l’âge de 13 ans, Daguerre devient l’apprenti d’un architecte (on pense également qu’il a travaillé dans une certaine mesure comme fonctionnaire des recettes intérieures à la même époque).
À l’âge de 16 ans, Daguerre s’installe à Paris où il étudie et pratique la peinture panoramique pour les productions d’opéra sous la direction de I. E. M. Degotti à l’Opéra de Paris. En peu de temps, Daguerre est devenu directeur de l’éclairage de plusieurs théâtres parisiens. Daguerre est également remarqué pour ses talents de danseur et travaille comme figurant à l’Opéra. Mais c’est en tant que créateur de décors de théâtre qu’il a véritablement excellé. Il acquit une réputation pour ses paysages atmosphériques et ses effets nocturnes qu’il démontra de manière inédite dans des productions de prestige telles qu’Aladin et la lampe merveilleuse.
Au printemps 1821, Daguerre et le peintre panoramique français Charles Marie Bouton s’étaient réunis pour inventer le théâtre de diorama. Le diorama était présenté comme un « divertissement scénographique » qui se déroulait dans un théâtre spécialement conçu. Pouvant accueillir jusqu’à 350 spectateurs à la fois, le public pouvait admirer des paysages et des vues architecturales translucides, peints à la main sur du lin, et animés par des effets de perspective profonde et d’éclairage crépusculaire. Des filtres de couleur étaient utilisés de manière à simuler le mouvement. Le spectacle était également animé par des effets sonores, des accessoires de scène et parfois même par le placement de figures humaines. Le diorama a été un succès public et critique, le public acceptant l’illusion de voir un décor vivant. Bien que certains commentateurs aient cité le diorama comme un précurseur du cinéma, les productions de diorama manquaient de toute sorte d’impulsion narrative, ce qui permettait plutôt des sentiments de contemplation romantique parmi ses spectateurs.
La plupart des clients restaient debout (bien qu’il y ait eu des places limitées) pour un spectacle qui durait entre 10 et 15 minutes avant que l’image ne tourne, sur un énorme plateau tournant au sol, pour révéler une deuxième peinture de dimensions similaires (certains dioramas ultérieurs comportaient même une troisième peinture). Daguerre a ouvert le théâtre de dioramas à Paris en 1822 et son deuxième théâtre a ouvert dans le Regent’s Park de Londres à l’automne 1823. Après une dizaine d’années de succès, Daguerre rencontre des difficultés financières. Les dioramas sont coûteux à produire, leur nouveauté est en déclin et une épidémie de choléra à Paris paralyse la vente de billets dans la capitale française. Au milieu des années 1830, Daguerre était confronté à la ruine commerciale.
Daguerre suivait de près les développements scientifiques de la photographie depuis la fin des années 1820. Il cherchait un moyen d’incorporer des images produites mécaniquement dans son système de diorama (Bouton avait abandonné sa participation au diorama et Daguerre voyait dans la photographie un moyen potentiel de le remplacer). Il avait fait la connaissance personnelle et professionnelle de Joseph Nicéphore Niépce qui, en 1826, avait créé la première photographie au monde grâce à son procédé héliographique. La technique héliographique utilisait une méthode de plaque photogravée pour fixer une image (par le biais d’une chambre obscure) et à partir de laquelle on pouvait ensuite prendre plusieurs tirages. Le procédé héliographique primitif nécessitait des expositions et un temps de développement excessivement longs et n’offrait pas une image de qualité. Cela a conduit les deux hommes à développer une méthode plus avancée qu’ils ont appelée le physautotype. Le physautotype, qu’ils ont dévoilé en 1832, consistait à recouvrir une plaque polie d’une solution de résine d’alcool et d’huile de lavande, qui était ensuite exposée à la lumière du soleil et développée dans les vapeurs de térébenthine. Les résultats finaux se sont avérés quelque peu erratiques, cependant ; produisant souvent des effets positifs/négatifs distrayants.
Période de maturité
Niépce est mort en 1833, mais Daguerre a poursuivi leurs expériences précédentes et en 1835, Daguerre a fait sa percée. Après avoir placé une plaque de cuivre argentée, polie comme un miroir (exposée à l’aide d’une caméra obscura) dans une armoire chimique étanche à la lumière, il retire la plaque 20 à 30 minutes plus tard et constate que l’image s’est développée. Après avoir examiné l’armoire, il a remarqué qu’elle contenait un thermomètre cassé et que la vapeur de mercure avait dû permettre à l’image de se développer. Cependant, Daguerre n’avait toujours pas résolu l’énigme de la fixation d’une image permanente. Le processus de fixation n’a été réalisé que lorsqu’il s’est rendu compte qu’il pouvait éliminer l’iodure d’argent de la plaque de cuivre avec une simple solution de thiosulfate de sodium (à base de sel). Daguerre avait perfectionné le procédé initial de Niépce – pour justifier l’appellation de nouveau procédé, le daguerréotype (il a réduit le temps d’exposition de quinze à trois minutes et le temps de développement à trente minutes). Il s’avérera être la première forme de photographie commercialement viable.
Bien que les daguerréotypes aient précédé la feuille négative, ils pouvaient être copiés par un procédé de « redaguerréotypie » de la plaque originale. Des copies des originaux ont également été produites par lithographie et gravure, tandis que des portraits peints basés sur des daguerréotypes ont commencé à apparaître dans des publications populaires. Les premiers appareils photo daguerréotypes, quant à eux, étaient fabriqués sur mesure par des opticiens, des fabricants d’instruments et même par les photographes eux-mêmes. Le style d’appareil le plus populaire était une boîte coulissante avec l’objectif placé à l’avant de la boîte. Une deuxième boîte, plus petite, était placée à l’arrière de la grande boîte, et la mise au point s’effectuait en faisant glisser la boîte arrière vers l’avant ou l’arrière. Ce procédé produisait une image inversée (bien que certains appareils plus sophistiqués soient équipés d’un miroir pour corriger l’inversion). Ce n’est que lorsque la plaque sensibilisée – dont la taille pouvait varier : entière, moitié, quart, sixième, neuvième, seizième – était placée dans l’appareil que le bouchon de l’objectif était retiré et l’exposition réalisée.
Daguerre présenta officiellement son invention à l’Académie des sciences le 9 janvier 1839. Son travail a fait une telle impression que de nombreux scientifiques éminents de l’époque se sont rendus dans l’atelier de Daguerre pour assister à des démonstrations. L’inventeur américain du télégraphe, Samuel F. B. Morse, s’est ému des détails de l’image du daguerréotype : sa « minutie exquise de la délimitation », selon ses propres termes. Le 9 janvier 1839, un exposé complet sur le daguerréotype est présenté à l’Académie par l’éminent astrologue et physicien François Arago. Le brevet de Daguerre est acquis par l’État et, le 19 août 1839, le gouvernement français annonce que le daguerréotype sera offert « gratuitement au monde ». Daguerre lui-même avait déposé le brevet pour l’Angleterre une semaine plus tôt (le 12 août), bloquant ainsi le développement de la photographie par daguerréotype dans ce pays (Antoine Claudet, un élève de Daguerre, était parmi les très rares personnes autorisées à prendre des daguerréotypes dans ce pays).
Une fois le daguerréotype autorisé en Grande-Bretagne, un nouveau genre, quelque peu macabre, a émergé. Le daguerréotype dit « post-mortem » est devenu populaire en Grande-Bretagne (et en Amérique) et a été considéré par de nombreux Victoriens comme un moyen de combler une aspiration à la commémoration, au souvenir et à la spiritualité. Le daguerréotype permettait aux parents et aux proches de posséder des photographies « spectrales », ou « post-mortem », abordables, qui capturaient des images intimes d’êtres chers décédés (généralement des enfants parmi lesquels les taux de mortalité étaient les plus élevés). Les daguerréotypistes avaient parfois même pour instruction de s’assurer que les yeux des corps étaient ouverts, ou bien, des yeux pouvaient être peints sur des paupières fermées, pour donner l’illusion que le cadavre était encore vivant.
Période tardive
En l’honneur de son invention, le gouvernement français versait à Daguerre une allocation annuelle de 6 000 francs qu’il vivait avec l’indemnité d’assurance qu’il avait reçue suite à un incendie qui avait détruit son théâtre en 1839. L’héritier de la succession de Niépce, Isidore Niépce, se voit également accorder une rente de 4 000 francs par l’État. Daguerre a reçu la Légion d’honneur française en reconnaissance de son exploit et a été nommé académicien honoraire à la National Academy of Design la même année. Daguerre est décrit comme un orateur timide et modeste, mais il propose des démonstrations et des cours, et publie même une brochure sur les mécanismes de son invention. Une société a été créée pour fabriquer le matériel nécessaire à la réalisation des daguerréotypes, une part des bénéfices revenant à Daguerre et à Isidore Niépce. Mais alors que le daguerréotype gagnait en popularité dans le monde, il revenait à d’autres de faire progresser le concept original de Daguerre.
Ayant effectivement pris sa retraite, Daguerre est revenu à sa première passion et a passé la dernière décennie de sa vie à peindre des tableaux ressemblant à des dioramas pour les églises locales de Bry-sur-Marne, en banlieue parisienne, et de ses environs. Il y meurt d’une crise cardiaque le 10 juillet 1851, à l’âge de 63 ans.
L’héritage de Louis Daguerre
Bien que des millions de daguerréotypes aient été produits dans le monde, le système de Daguerre était devenu pratiquement obsolète au milieu des années 1850. Le procédé de calotypie de William Fox-Talbot, basé sur le « papier sensible », était devenu son principal rival au cours des années 1840 et la faculté de duplication de ce dernier l’a finalement emporté sur la qualité d’image largement supérieure de l’invention de Daguerre. Mais à cette époque, le Français avait déjà marqué de son empreinte indélébile l’ère de la modernité. À l’aube du vingtième siècle, la photographie était devenue si courante que presque tout le monde pouvait faire ses propres photos et créer son histoire personnelle. Parallèlement, l’invention du Français a fourni le modèle d’un aspect sous-jacent de l’ère moderne : la documentation et l’enregistrement des choses et des gens dans le cadre d’un projet social plus vaste de classification et d’ordonnancement.
Daguerre considérait son invention avant tout comme un développement scientifique. En effet, lorsque la Tour Eiffel a été construite à la fin des années 1880, son nom a été inscrit sur sa base à côté de ceux de 71 autres scientifiques et inventeurs français influents. Le daguerréotype a permis des avancées en médecine, en astronomie, en anthropologie et en archéologie. Mais son impact sur le développement des arts visuels s’est avéré plus profond. Libérés de la nécessité d’enregistrer le monde littéralement, les artistes sont entrés dans une période moderne définie par un niveau sans précédent d’expérimentation formelle. En ce qui concerne l’histoire de la photographie d’art, il suffit de regarder la Straight Photography de Paul Strand, les efforts collectifs du Group f/64, le portrait d’August Sander et les enregistrements industriels de Bernd et Hilla Becher, pour trouver une filiation directe avec le modèle du daguerréotype.
