Robert Plant parle de l’anthologie solo ‘Digging Deep’, de son moment ‘Golden God’, du manque de John Bonham

Le chanteur a passé son temps à lire beaucoup mais jusqu’à présent, il ne s’est pas senti poussé à écrire une nouvelle musique. « Il est très difficile d’envisager d’écrire sous quelque forme que ce soit pour moi, du moins dans le langage de la chanson, parce qu’il y a tellement d’événements et de circonstances qui nous entourent, auxquels nous faisons face et qui nous affectent, que l’idée même de contenu est si vaste, et la chanson populaire est un tout autre monde », dit-il. « Nous n’avons jamais été aussi assaillis de tant de côtés différents, à mon avis – au moins pour les cent dernières années, depuis le moment où la grippe espagnole a frappé. »

Plutôt que de sortir de la nouvelle musique, il fait quelque chose d’inhabituel – regarder en arrière. L’année dernière, Plant a commencé à raconter les histoires derrière les chansons de toute sa carrière sur son podcast Digging Deep, et maintenant il a compilé une anthologie de deux disques de son matériel post-Led Zeppelin, Digging Deep : Subterranea. Les chansons, qui comprennent trois titres inédits, ne sont pas dans l’ordre chronologique, et les entendre côte à côte montre les fils profonds qui ont relié le travail solo de Plant depuis 1982.

Qu’il s’agisse de trouver de nouveaux pieds dans la musique rock sur « In the Mood », de mélanger des styles musicaux du monde entier avec son groupe Sensational Space Shifters sur « Embrace Another Fall », ou de retravailler le blues avec sa formation Band of Joy sur le nouveau « Charlie Patton Highway (Turn It Up) », on retrouve des ombres et des inflexions familières sur chacune des chansons. Plant a toujours été un artiste difficile à tracer puisqu’il passe fréquemment tout droit à sa prochaine aventure musicale, laissant un disque parler de lui-même, il est donc significatif qu’il s’arrête pour faire le point sur le passé.

« Quand je l’écoute, je me demande si le gars qui chantait et écrivait les paroles s’est jamais reposé », plaisante-t-il à propos du compil. « Je veux dire, est-ce qu’il a déjà pris des vacances ? Que diable se passait-il ? Et pourquoi n’a-t-il pas fermé sa gueule pendant un moment et appris quelque chose de nouveau, comme les mathématiques appliquées ou l’astronomie ? Mais oui, ça roule avec tellement d’enthousiasme. C’est assez confiant, sauf que, vraiment, au fond, peut-être que ça n’a jamais été confiant ; je jetais juste une autre clé dans le travail, pour voir où les éclats me mèneraient. Aucune de ces chansons ne va correspondre à « Masters of War », ou quelque chose comme ça. Ce sont des chansons à partir du moment où elles sont nées dans une salle de répétition aux frontières du Pays de Galles, je suppose. »

C’est en début de soirée un samedi au Royaume-Uni, où Plant réside, qu’il parle avec Rolling Stone pendant la majeure partie d’une heure – jusqu’à ce que son équipe de football préférée commence un match à la télévision – en se plongeant dans les nombreux chapitres de sa carrière. Lorsqu’il parle, le chanteur, aujourd’hui âgé de 72 ans, est réfléchi et enclin à de longues ruminations sur la façon dont il a trouvé son chemin jusqu’au présent.

« Il y a beaucoup d’incertitude ici, et il y a aussi beaucoup d’esprit d’équipe », dit-il de la façon dont les choses se présentent au Royaume-Uni. « Mais malheureusement, personne n’a le livre des règles, pas depuis que les Heptones l’ont enregistré en 1973. »

A quoi avez-vous puisé pour traverser chaque jour depuis que les fermetures ont eu lieu ?
J’ai de bons amis, une famille solide, des amis proches et lointains, mais je vis autour de gens que je connais depuis longtemps, alors il y a un air de camaraderie et d’optimisme. Pour moi, pour surmonter tout cela, je suis forte autour des gens que je connais, et nous travaillons en tant que communautés et nous sommes consciencieux et réfléchis pour prendre soin des personnes qui ne sont pas aussi fortes que les autres. Donc il y a une conscience qui me donne le sens de l’être, ce qui est cool.

Et je chante, ce qui est bien. J’ai besoin de chanter. Ce ne sont pas toutes des chansons d’Elvis, parce que vous ne pouvez pas vraiment chanter dans un pub maintenant. J’ai fait un peu de distanciation sociale avec quelques autres jolies voix autour de moi, ce qui est génial. Il n’y a rien d’insignifiant dans cette merde.

Puisque vous ne pouvez pas faire de tournée, vous sortez cette anthologie Digging Deep, qui contient des chansons remontant au début de votre carrière solo. Votre musique solo était si différente de celle de Led Zeppelin. Quand vous y repensez, comment avez-vous procédé pour aller de l’avant après la fin de ce groupe ?
Eh bien, j’avais 32 ans. A cette époque, les médias ont décidé que les gens, à juste titre, à 32 ans feraient mieux de s’écarter et de laisser passer la prochaine vague. Et évidemment, Zep était plus puissant que n’importe quel individu, donc il était difficile de voir l’affaire pour ce qu’elle est vraiment, c’est-à-dire qu’il y a une sorte d’addiction au bout d’un moment – les combinaisons de personnes, et ce qu’elles ont, ce qu’elles posent – donc quand vous changez cela, tout un déséquilibre chimique se produit. Donc, vraiment, je pouvais faire tout ce que je voulais faire. Il fallait juste que je mette en place quelque chose, qui changerait constamment, pour ne pas finir en institution.

J’étais très conscient de dire au revoir aux années 70. Il y avait beaucoup de dynamiques étonnantes et énormes dans cette décennie particulière. Il y avait beaucoup de douleur, et pas mal de plaisir, mais vous devez passer à autre chose.

Comment vos collaborateurs de l’époque ont-ils influencé le son de vos premiers travaux en solo ?
Je suppose qu’avec les deux premiers, deux albums et demi, peut-être jusqu’à Shaken ‘n’ Stirred, nous avons commencé à changer les choses en rond. Richie Hayward est arrivé après le décès de Lowell George, puis je suis parti avec Ahmet Ertegun et je suis allé à New York et j’ai commencé à faire ce truc des Honeydrippers – encore une fois, en faisant appel à d’autres personnes. Et pour moi, c’était un énorme kaléidoscope de musique et le don de tous ces différents musiciens, parce que j’avais été dans une sorte de relation magnifique pendant 11 ans avec quatre personnes, donc je ne savais pas vraiment comment faire autrement. J’avais fait partie d’une société secrète et cloîtrée, et je suppose que j’étais éloigné de la coupe et de la poussée d’entrer en contact avec beaucoup de musiciens différents.

J’ai surtout eu d’assez bonnes alliances avec des musiciens, et pour cette raison, je trouve de plus en plus stimulant de simplement continuer à changer. Les gens entrent, ils sortent, d’autres personnes se joignent, quelqu’un revient. Et cela devient beaucoup plus fluide. Cela signifie que vous pouvez travailler sur des projets, et personne ne pense vraiment à ce qu’il soit là pour le long terme. Parfois, vous pouvez vraiment frapper sur de grandes idées et de grandes choses.

L’un de vos premiers succès en solo était « Big Log ». Vous avez récemment dit que lorsque vous l’avez écrit, vous vouliez qu’il soit grand mais pas lourd. Pourquoi était-ce le cas ?
Je pense que « Big Log » était intense, mais en quelque sorte très beau. Il y avait beaucoup d’air dedans. Et je pense que j’étais trop sensible au fait d’essayer de m’éloigner de ce que j’avais fait auparavant. C’était un concept ridicule, l’idée d’essayer de s’éloigner de quelque chose qui était si englobant dans les années 70, vous savez, d’essayer d’arriver en 1982 et de dire, « Oh ,non, non, non. Je ne suis pas exactement Andy Williams, mais… »

Alors j’ai essayé de faire tout ce que je pouvais pour que ce soit lourd sans que ce soit ce genre de… juste pour essayer de passer un peu plus les vitesses. Et j’ai fait beaucoup de tentatives audacieuses et effrontées pour essayer de le retourner, de le mettre à l’envers. Même si ce n’était peut-être pas, à l’époque, ce que tout le monde recherchait, c’était les blocs de construction qui m’ont mené jusqu’au dernier concert que j’ai fait avec les Space Shifters à cette époque l’année dernière à Hardly Strictly Bluegrass à San Francisco. Le voyage était toujours changeant, toujours intense, et parfois un peu brutal. Juste se lancer dans le courant de tout ça, ce qui était bien.

L’anthologie n’est pas dans l’ordre chronologique, mais il y a un fil musical qui relie les chansons au-delà de votre voix. Est-ce que vous l’entendez ?
Oui, il y a beaucoup d’énergie. C’est assez puissant. Plus tôt, j’embrassais tout ce qui me touchait vraiment à ce moment-là, donc la révolution techno des années 80 est… nous regardons maintenant avec horreur. Ou peut-être que nous ne regardons pas en arrière avec horreur. Maintenant, nous regardons en arrière et nous nous disons, « Bon sang, comment as-tu réussi à te faire à ce genre de merde, Robert ? » Et la réponse est : « Avec beaucoup de zeste et une quantité considérable de bruit. » Je veux dire, c’est très drôle. Mais une partie a vraiment bien fonctionné. Ça m’a gêné pendant longtemps. Surtout après 1993 et Fate of Nations, qui a été un grand tournant pour moi. Le truc, c’est que vous n’avez aucune perspective à ce moment-là, vous vous contentez de caréner joyeusement à travers un autre tas d’idées et une autre combinaison de bons esprits.

Vous avez atteint un tournant lorsque vous avez fait Dreamland en 2002, en chantant des reprises de chansons comme « Song to the Siren » de Tim Buckley et « Darkness, Darkness » des Youngbloods, mais avec une grande profondeur et une portée musicale plus large. Qu’est-ce qui a changé pour vous à ce moment-là ?
Dans le milieu ou la fin des années 90, j’avais fait quelques voyages avec le projet UnLedded, puis Walking into Clarksdale avec Jimmy Page, et il était très évident que le gros son – le commerce de ce gros truc, peu importe l’originalité qu’on voudrait lui donner – avait probablement fait son temps pour moi pendant cette période. Je cherchais donc une porte de sortie. J’avais formé un petit groupe appelé le Prieuré de Brion, qui était une sorte d’échappatoire pour ne pas jouer dans des unités industrielles allemandes où 15 000 personnes attendaient Godot. Mon manager de l’époque m’a dit : « C’est trop nul. Je ne pourrais même pas rêver de prendre une commission pour ça. » Et j’ai dit : « Eh bien, c’est plutôt chouette, parce que de toute façon, nous ne jouons que pour 200 personnes par soir. »

Alors que Strange Sensation était né, Charlie Jones m’a présenté Clive Deamer, qui venait de travailler avec Roni Size, et sur Dummy, l’album de Portishead. Il avait une façon complètement différente de jouer les rythmes, et j’ai pensé que je devais essayer de l’introduire dans la musique. Son jeu de batterie était très, très important, comme celui de tous les autres musiciens. Et je voulais revenir en arrière et visiter toute l’ambiance de certaines des chansons que j’aime vraiment, et la voix de Jesse Colin Young et beaucoup de ses chansons n’étaient pas seulement des hymnes pour nous, à la fin des années 60, mais elles avaient aussi encore de la brièveté et du poids. Je pourrais donc essayer de m’impliquer dans une chanson comme « Darkness Darkness ». Et avec le travail de Tim Buckley, This Mortal Coil était sorti des Cocteau Twins sur le label 4AD et ils ont pris une de ses chansons, « Song to the Siren », et c’était juste un enregistrement tellement évocateur.

Ces morceaux de musique étaient des choses que je n’aurais pas pu faire avant ça, parce que l’environnement et le climat de la musicalité et des musiciens ne se seraient pas prêtés à ces chansons. Cela m’a donc permis de commencer non seulement à renouer avec la musique que j’aimais à cette époque trippante, à la fin des années 60, mais aussi de l’appliquer, car j’étais entouré de ce paysage de musiciens post-trip-hop au Royaume-Uni, qui était assez éloigné. Cela m’a permis de me retrouver au milieu de tout ça et de présenter ces chansons. Strange Sensation, ce sont les Space Shifters, mais avec quelques changements, des gens qui se sont enfuis. La flexibilité du jeu nous a amené à traduire, à revisiter cette musique.

Quelque chose que j’ai remarqué, c’est la façon dont vous lancez des références aux paroles de Led Zeppelin dans les chansons. Vous chantez des « jours de danse » dans « Dance With You Tonight ». Et vous utilisez la phrase « chanter en célébrant » et « l’accident reste le même » dans « Great Spirit ». Vous avez même écrit une chanson intitulée « The May Queen », qui fait référence à « Stairway to Heaven » sur votre dernier album. Est-ce que vous faites exprès de faire un clin d’oeil à votre passé ?
Oh, absolument, oui. Mais la Reine de Mai a toujours été importante pour moi dans notre histoire, dans notre art populaire et notre folklore. Je pense que la plus mignonne était sur « Charlie Patton Highway » : « Cette voiture tourne en rond, la route reste la même. »

J’ai remarqué ça.
Chever bastard. Oui, j’ai pensé, « C’est très drôle. » Et en fait, c’est aussi très vrai pour ce jour-là. J’étais à Como, Mississippi, et je me dirigeais vers Clarksdale, et j’ai pris cette route. C’était comme, « ‘Round and ’round and ’round and ’round. Dieu merci, le soleil est là. » Et j’étais tout seul à écouter le réseau radio là-bas…

Mais oui, j’aime l’idée de faire ça. J’aime l’idée qu’il y ait une continuité – enfin, pas une continuité, mais une référence à une époque différente. Il y en a beaucoup. Ils sont partout sur les disques.

Votre chanson « New World » m’a frappé comme une sorte de mise à jour de « Immigrant Song ». Est-ce que vous la voyez comme ça ?
Eh bien, oui, en quelque sorte. C’est vrai, Page et moi avons écrit suite à un spectacle que nous avons fait en Islande et, bien sûr, encore une fois, parce qu’en tant qu’enfant et tout au long de ma vie, j’ai été vraiment intéressé par le nombre de fois que ces îles ont été différentes et la sorte de mouvement de tribu et de culture à travers ces îles … L’ensemble du nord de l’Angleterre était une province viking entière. En fait, l’île de Man, au nord-ouest de Liverpool, je pense que les derniers rois danois sont partis vers 14 et quelques. Donc oui, j’aime cette idée.

Au moment où j’ai écrit « Nouveau Monde », toutes ces années plus tard, j’avais voyagé dans le Dakota du Sud. J’ai rencontré cet écrivain appelé Kent Nerburn, qui a écrit une trilogie ; le premier livre s’appelle Ni loup ni chien. Et j’étais absolument rivé à son œuvre. C’est l’histoire d’un Amérindien et de certaines cultures anglo-saxonnes. Depuis toutes les années que je viens aux États-Unis, je pensais avoir une idée de la complexité de ce pays. Mais chaque État est en fait un ensemble de villes et de centres ruraux, avec des gens venant d’absolument partout sur la planète, alors je n’ai pas vraiment tout intégré et je n’ai pas commencé à voir la brièveté et l’intensité des circonstances qui prévalent, en particulier dans les Dakotas et le Wyoming, jusqu’à ce que je passe deux ans, principalement hors de la route, avec un centre à Austin. J’ai donc pu devenir beaucoup plus conscient des réalités et du paysage réel.

Quelle musique vous a allumé dernièrement ?
C’est très difficile maintenant avec la radio britannique ; je ne dirais pas qu’elle a complètement disparu, mais la radio est presque obsolète. Il y a quelques grandes stations de radio de la Nouvelle-Orléans où vous pouvez télécharger l’application et passer du temps à écouter les différentes couleurs de la Louisiane. Je suppose que je continue à écouter Low Anthem, et j’aime vraiment cette zone de mélodie forte et élevée. Et je garde mes oreilles sur le terrain. J’étais à Nashville il n’y a pas longtemps, et j’ai entendu beaucoup de nouveaux chanteurs et écrivains. Dans l’ensemble, c’est plus ou moins un kaléidoscope complet de musique ancienne et nouvelle. Je veux dire que le dernier album de Dylan avait d’énormes points forts, et le morceau d’ouverture m’a sidéré. C’est fantastique. C’est comme une épitaphe et un baptême en même temps, vraiment. C’est vraiment bon.

Un artiste avec lequel je sais que vous avez passé du temps pendant la pandémie, mais avec lequel vous n’avez pas enregistré, est Tony Iommi de Black Sabbath. Vous avez vendu une guitare aux enchères ensemble et avez posé pour une photo avec des masques. Comment était-ce de le revoir ?
J’étais à Nashville en janvier ou février, et il se trouve que j’étais à l’aéroport en même temps que lui. Il avait fait des trucs en rapport avec les guitares, et j’avais fait des trucs en rapport avec le chant. Et un type est venu nous voir pendant qu’on attendait de prendre l’avion pour rentrer en Angleterre, et il a dit, « Ouais, mec. Vous vous êtes reformés. » Je me suis dit : « Peut-être que j’ai tourné la page, ou qu’il pense que Led Zeppelin s’est reformé, ou que Black Sabbath s’est reformé », comme le type de Guns N’ Roses qui a rejoint AC/DC. On aurait dit qu’il y avait une sorte de jeu de Cluedo étrange où les antiquaires peuvent passer d’un groupe à l’autre, et le public fait : « Oh, ouais, c’est bon. Ouais, ouais, ouais. Pas besoin d’histoire là. » J’ai trouvé ça très drôle, et je lui ai dit : « On pourrait vraiment s’amuser ici. Tu pourrais jouer ‘Kashmir’ et je pourrais chanter ‘Paranoid’. » Et de toute façon, la blague a continué, et nous avons eu l’occasion de faire ce truc de collecte de fonds, ce qui est génial.

, il est très sérieux sur le fait de devoir sa santé et sa renaissance à l’artisan de santé particulier de l’hôpital pas trop loin de là où il vit. Donc il fait beaucoup de choses de charité comme ça. Et j’ai participé aux activités de notre service national de santé local, car nous avons été tellement surpris de constater que la plupart des équipements que nous avions mis en place pour faire face à une situation nationale, comme celle que nous connaissons aujourd’hui, n’étaient pas très nombreux pour ce genre d’urgences. Il y a une énorme, énorme vague de remerciements et de gratitude ici au Royaume-Uni pour le National Health Service et tous les travailleurs qui, pendant longtemps, ont travaillé sans équipement de protection individuelle dans des circonstances assez dangereuses. Donc entre nous, c’est ce que nous avons vu comme une raison de faire la vente aux enchères. Et, oui. C’est un bon gars, Tony. Je pense que c’est peut-être lui qui s’est échappé.

Nous avons récemment interviewé Cameron Crowe à propos d’Almost Famous, et il a parlé de vous avoir montré le film à vous et Jimmy Page. Il s’est souvenu de la scène « Je suis un dieu doré », et il a dit que lorsque Billy Crudup a dit : « Je n’ai pas dit ça, ou si ? », vous vous êtes exclamé : « Je l’ai dit ». Pourquoi avez-vous dit « Je suis un dieu doré » ?
Ce qui était dit de minute en minute n’était qu’un pur divertissement comique la plupart du temps dans ces premiers jours de Led Zeppelin. Et je pense que c’était au milieu d’un moment ridicule, peut-être même la fête d’anniversaire de Bonzo quelque part en haut de Beverly Hills, où quelqu’un avait fait à John un gâteau d’anniversaire à trois étages. Nous étions à un événement et John le montrait dans la salle, et il l’a montré à quelqu’un, je pense que c’était George Harrison qui a découpé le gâteau en karaté. Bonzo a décidé qu’il y avait quelque chose à faire à ce sujet, et il y a eu toutes sortes de sabotage, et c’était juste une autre de ces farces de garçons. Et il semblait que la seule chose qui manquait était quelqu’un pour compléter le tout avec encore plus de bêtises. Alors j’ai ouvert les bras et je l’ai proclamé. Et puis je pense qu’un morceau de gâteau s’est tristement logé quelque part sur le bout de mon nez ou quelque chose comme ça.

La semaine dernière a marqué le 40e anniversaire de la mort de John Bonham. Comment vous êtes-vous souvenu de lui ce jour-là ?
Eh bien, c’est énorme. Il y a pas mal de gens qui ont été proches de moi qui ne sont plus avec nous, mais il est omniprésent à mon époque parce qu’on s’est lancé dans cette aventure ensemble. Nous avions suivi deux ou trois trajectoires différentes avant Zeppelin, qui avaient toujours été chaotiques et s’étaient toujours terminées dans les larmes d’une manière ou d’une autre. Mais avec Zeppelin, nous sommes toujours revenus, nous avons partagé un véhicule, nous sommes revenus de l’aéroport, nous sommes retournés à l’endroit où nous vivons, plus ou moins aux frontières du Pays de Galles, donc nous étions toujours soudés, dans une large mesure, jusqu’à la fin. Nous étions définitivement du même sac, du même nid.

Je vis toujours dans la région d’où nous venions tous les deux, donc il est présent et avec moi assez souvent. Beaucoup de gens le connaissaient, comme ils me connaissent. Nous ne sommes pas allés très loin, à part quelques tristes aventures. Il est donc toujours très présent ici, et c’est ironiquement avec les gens du coin. On ne se souvient que de sa présence physique et de sa personnalité, mais quand on commence à écouter ce qu’il a fait et sa contribution au monde du rythme et de la batterie, il a transcendé tous les autres musiciens, parce que Jonesy et lui ont donné à l’ensemble tellement de classe, tellement d’émotion, que cela a vraiment permis de séparer Led Zeppelin de beaucoup d’autres groupes de l’époque, parce que ces deux gars avaient une façon cruciale de travailler. Alors oui, cela fait 40 ans, et il est toujours très loin de nous, très loin. Mais je regarde le ciel nuageux de la nuit ici. Je suis sûr qu’il se tient à l’extérieur d’un pub quelque part, métaphoriquement, en train de faire une blague.

Il était un batteur si magnifique.
Oh, oui. Une si grande sensation. Je veux dire que son feeling était tout. Nous sommes allés au Burning Spear un soir dans le South Side de Chicago pour voir Bobby « Blue » Bland et son orchestre jouer dans ce club noir pittoresque, et nous sommes entrés, et John s’est levé et a joué « Further on Up the Road » et « Turn on Your Love Light » et des trucs comme ça, et c’était fou. Et tous les musiciens se penchaient vers lui, parce qu’il avait un tel feeling. Il était tout aussi à l’aise en jouant avec Bobby « Blue » Bland qu’en jouant « Fool in the Rain » toutes ces années plus tard. C’était quelque chose d’autre.