Une introduction au latin jazz en 20 disques

Du Cubop féroce à la fusion afro-portoricaine.

Rares sont les influences musicales qui ont joué un rôle aussi important et constant dans le jazz que celles de l’Amérique latine.

Le Cubop a été la première révélation. C’était le son branché du New York des années 1950, lorsque les musiciens migrants de Cuba et de Porto Rico ont commencé à jouer avec les initiateurs du bebop. Puis, les sons de la samba et de la bossa nova sont entrés en scène, et un nouvel engouement pour le jazz bossa a pris le dessus.

Avec un flux continu de musiciens des Caraïbes et du Brésil, ainsi que de l’Argentine et de l’Uruguay, les États-Unis ont continué à être un foyer de latin jazz dans les années 70, et bien que les choses aient commencé à se tasser dans la décennie suivante, le genre a continué à trouver de nouvelles façons de se réinventer.

Bien qu’il y ait une quantité considérable de jazz fait par des musiciens latins qui pourrait également être inclus ici, cette liste a été choisie pour célébrer les embrassades qui ont eu lieu entre le jazz américain et l’Amérique latine des années 1940 aux années 1970, et la musique influencée par ces rencontres.

Machito
Afro Cuban Jazz
(Clef Records, 1951)

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La chanson reconnue comme la première à voir les musiciens de jazz de New York utiliser la clave cubaine (et son rythme 3/2 ou 2/3) est « Tanga », arrangée par Mario Bauzá en 1943 pour Machito et ses Afro-Cubains. Cette chanson a connu un succès local à New York, où Machito jouait régulièrement, mais elle n’a pas été enregistrée avant la fin des années 40. Même à cette époque, elle figurait sur une compilation de swing et de bop. Avec Chico O’Farrill prenant le relais aux arrangements – et conservant de nombreuses innovations de Bauzá, notamment la proéminence des percussions afro-cubaines – cette suite voit Machito s’appuyer sur les fondations latin-jazz de ‘Tanga’ avec un ensemble sophistiqué qui présente d’incroyables duels de saxophones entre Charlie Parker et Fred Skerritt (‘Mambo’), Buddy Rich apportant la qualité aux baguettes (‘Rhumba Finale’).

Dizzy Gillespie
Dizzy Gillespie And His Orchestra Featuring Chano Pozo
(Gene Norman Presents, 1954)

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Si Mario Bauzá a inventé le latin jazz, Dizzy Gillespie a contribué à le populariser. Gillespie avait joué avec Bauzá dans l’orchestre de Cab Calloway et c’est Bauzá qui lui a présenté le percussionniste afro-cubain Chano Pozo, qu’il a immédiatement engagé en 1947. C’est le début de ce qui sera connu sous le nom de Cubop. Comme pour les premiers enregistrements de Machito, la musique que Gillespie a faite avec Pozo n’a pas été publiée à l’époque. Au lieu de cela, la musique qu’ils ont faite ensemble en un an seulement – Pozo a été abattu dans la rue en 1948 – sera publiée plus tard. ‘Manteca’ est l’une des rares occasions enregistrées d’entendre le frisson de la combinaison du duo, utilisant une clavette 2/3 avec une basse et des percussions qui maintiennent les choses, tandis que les cuivres se battent avec les congas de Pozo.

Kenny Dorham
Afro-Cuban
(Blue Note, 1955/57)

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Dorham a apporté de nouveaux niveaux de détails au son Cubop. Les points forts sont la fusion mambo/hard bop de ‘Basheer’s Dream’ avec les tambours expressifs d’Art Blakey et les douces fioritures d’Horace Silver au piano, les cors d’appel et de réponse de ‘Afrodisia’ et le lent, mais non moins percutant, ‘Lotus Flower’. Blue Note a réédité l’album en 1957 avec des pistes supplémentaires, et ces ajouts, qui omettent largement les percussions afro-cubaines, comprennent de beaux moments, l’énergique ‘La Villa’ étant une belle vitrine pour le jeu de trompette saisissant de Dorham.

Cachao Y Su Combo
Descargas Cubanas
(Panart, 1956)

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Les sessions d’after-hours de style havane sont devenues une chose à New York dans les années 50, et personne n’était plus amoureux de ces sessions que le contrebassiste Israel « Cachao » López. Ces jams, que Cachao appelait descargas, pouvaient durer des heures, mais sur cet album essentiel de jazz-danse, elles sont distillées en éclats miniatures de rythmes cubains. Des morceaux comme ‘Descarga Cubana’ et ‘Malanga Amarilla’ ont ramené la passion débridée, les rythmes syncopés et les solos de percussion du son Cubop, toujours plus sophistiqué.

Cal Tjader Sextet
A Night at the Black Hawk
(Fantasy, 1959)

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Le plus grand bandleader de jazz latin non-latin, Cal Tjader était le maître des vibes qui a contribué à mettre le cool de la côte ouest sur les charts de jazz, tout en produisant une vaste série d’enregistrements de jazz latin également. Bien que Soul Sauce (1965) reçoive souvent beaucoup d’éloges, ce LP, enregistré en direct au Black Hawk, présente une section rythmique d’enfer composée de Willie Bobo (timbales) et Mongo Santamaria (percussions), avec le renfort du saxophoniste ténor cubain Jose « Chombo » Silva. Des morceaux comme  » A Night in Tunisia  » et  » Blue and Sentimental  » les capturent au sommet de leur art.

Sabu Martinez
Jazz Espagnole
(Alegre Records, 1960)

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En tant que remplaçant de Chano Pozo dans l’orchestre de Dizzy Gillespie, Martinez n’était définitivement pas avare de congas. Bien qu’il soit considéré comme le chef d’orchestre de ce qui était en réalité un ensemble entièrement américain, il se pavane sur une sélection très pointue de rythmes latins. ‘Delilah’ est une mélodie afro-cubaine sautillante, ‘Flamenco Ain’t Bad’ une rompue vivante dans le flamenco, et ‘Nica’s Dream’ (écrit à l’origine par Horace Silver), une mini-épopée féroce qui est l’un des meilleurs morceaux de Cubop qui existe.

Luiz Bonfá
Plays and Sings Bossa Nova
(Verve, 1963)

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L’influence brésilienne sur le jazz américain commence en 1961 lorsque Charlie Byrd est envoyé en tournée diplomatique en Amérique du Sud. Il revient enthousiasmé par la bossa nova et la samba, et sort Jazz Samba en 1962, une collaboration avec Stan Getz, qui ira plus loin en s’associant aux Brésiliens João Gilberto et Tom Jobim pour le millionnaire Getz/Gilberto (1964). Ce disque est, à bien des égards, l’album définitif de bossa jazz, malgré sa trop grande ressemblance. Cependant, Luiz Bonfá Plays and Sings Bossa Nova constitue une excellente alternative. Le jeu de guitare de Bonfá est exceptionnel tout au long de l’album, plein d’invention, et il a une voix magistrale – il suffit d’écouter son croon sur « Sambalamento ». Tout au long, les embellissements subtils d’Oscar Castro-Neves au piano, les arrangements de cordes de Lalo Schifrin et les magnifiques chœurs de Maria Helena Toledo, tout concourt à un disque de bossa jazz essentiel.

Mongo Santamaria
Mongo Santamaria Explodes At The Village Gate
(Columbia, 1964)

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Une énorme partie de l’amour pour la musique latine dans le jazz est venue des possibilités de la percussion et Mongo Santamaria était l’un des percussionnistes les plus recherchés. C’est Mongo qui est apparu sur le single extrêmement populaire de Herbie Hancock, ‘Watermelon Man’. Artiste solo prolifique et collaborateur fréquent, ce disque est le meilleur de ses albums Live at Village Gate, avec un tempo régulier et une ponctuation optimale de la section des cuivres qui lui laisse de la place pour improviser. Il comprend une version scintillante de l’air signature de Santamaria, ‘Afro Blue’.

Willie Colón
The Hustler
(Fania Records, 1968)

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Les descargas et les jams latines de Cachao, Machito et cie. ont été suivies par l’émergence de la salsa à New York, et par les Cubains, Dominicains et Portoricains de première et deuxième générations qui faisaient partie du roster de Fania Records. Les jams ont gardé leur place dans les spectacles en direct au Village Gate de New York, où des artistes de jazz comme Dizzy Gillespie affrontaient les meilleurs improvisateurs de salsa. La salsa allait bientôt devenir une discipline à part entière, mais à un moment donné, des albums comme celui du tromboniste Willie Colón – avec ses congas qui martèlent, ses touches de piano et sa clave hypnotique – ont montré que la salsa et le jazz étaient les deux faces d’une même pièce. La fougueuse chanson titre ou la vamp ‘Eso Se Baile Así’ dirigée par Hector Lavoe confirment le statut légendaire de The Hustler.

Eddie Palmieri
Justicia
(Tico, 1969)

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Dès 1962, Eddie Palmieri pousse la musique latine avec son groupe La Perfecta, avant de se produire avec un groupe plus important, composé de cuivres, pour sortir des albums tels que Superimposition (1970), Vámonos Pa’l Monte (1971) et Harlem River Drive (1971). Cet album, Justicia, a un peu de tout, avec une jam étendue funky lacée de piano fracassant (‘Verdict on Judge Street’), de commentaires sociaux (‘Everything is Everything’), de salsa (‘Justicia’) et de batucada lourde (‘My Spiritual Indian’).

Gato Barbieri
Fénix
(Flying Dutchman, 1971)

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Barbieri était un saxophoniste ténor argentin tout droit sorti de l’école free jazz de Coltrane, Ayler et Sanders. Cependant, au milieu des années 70, il a signé avec A&M Records et a augmenté le niveau de schmaltz avec Herb Alpert aux commandes. Avant cela, il avait enregistré un nombre impressionnant d’albums, dont Fénix, sur le label indépendant Flying Dutchman. Bien que ce soit le saxophone de Barbieri qui s’envole sur chaque chanson, c’est le contrôle rythmique et les textures subtiles du groupe qui rendent Fénix si passionnant. Le piano de Lonnie Liston Smith est insistant tout au long de l’album, Naná Vasconcelos ajoutant d’intéressantes tonalités brésiliennes, tandis que le jeu de basse de Ron Carter permet à Barbieri de s’aventurer aussi loin qu’il le souhaite.

Moacir Santos
Maestro
(Blue Note, 1972)

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Bien qu’il ne fasse aucun doute que Coisas (1965) est l’œuvre maîtresse de Moacir Santos, c’est aussi un album incroyablement difficile à catégoriser – une collection de magnifiques œuvres orchestrales ornées, inspirées par des mélodies afro-brésiliennes et des chants grégoriens. En d’autres termes, ce n’est pas vraiment du jazz au sens traditionnel du terme, bien que Santos s’intéresse de plus près à cette facette de l’univers musical lorsqu’il s’installe à Los Angeles en 1967 pour sortir un certain nombre d’albums sur Blue Note. Ce premier album, mettant fortement en avant sa voix, est une sortie apaisante et soul qui ne semble que s’améliorer avec l’âge.

Ray Barretto
Que Viva La Musica
(Fania Records, 1972)

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Que Viva La Musica est un peu un trésor caché dans la discographie de Barretto. Barretto était connu pour avoir l’un des groupes de salsa les plus féroces qui soient, avec un triple assaut de cuivres, et pour avoir sorti quelques excellents crossovers jazz/salsa – La Cuna, Carnaval et Acid sont tous à découvrir. Que Viva se situe quelque part entre tous ces groupes. S’il semble parfois détendu, c’est parce qu’il y a toujours une surprise au coin de la rue. L’alumni commence par la chanson-titre et une voix sinueuse soutenue par un piano flottant et le jeu de conga entêtant de Barretto. Puis les cuivres entrent en scène, le chant s’aiguise et les choses se mettent à trembler. ‘Alafia Cumaye’ a une forte influence afro-portoricaine, tandis que le morceau de plus de 10 minutes ‘Cocinando’ est tout simplement du feu pur.

Flora Purim
Butterfly Dreams
(Milestone, 1973)

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Fraîche de son passage chez Return to Forever, La chanteuse brésilienne Flora Purim a enregistré cet album, l’un des meilleurs albums de jazz fusion brésilien, avec des morceaux très rythmés comme « Dr Jive » et le plus serein « Dindi ». L’extraordinaire bassiste Stanley Clarke est à ses côtés tout au long de l’album, tout comme George Duke au clavier et Airto Moreira aux percussions, formant ainsi un groupe formidable. Le point culminant de l’album est probablement ‘Moon Dreams’, une chanson qui ressemble d’abord à une bossa jazz sans prétention avant d’éclater dans des textures et des rythmes nouveaux.

Elis Regina & Antonio Carlos Jobim
Elis & Tom
(Philips, 1974)

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Elis était sans aucun doute l’une des plus grandes voix du Brésil, son style soul, fortement influencé par le jazz, garantissant que son travail ne pourrait jamais simplement se fondre dans le décor. Le pionnier de la bossa nova Tom Jobim est co-crédité sur cet album, mais ils sont également rejoints par un groupe incroyable avec le guitariste Oscar Castro-Neves, le pianiste César Mariano et le batteur Paulinho Braga. Bien que certaines bossa n’aient pas résisté à l’épreuve du temps, cet enregistrement sonne encore frais.

Irakere
Grupo Irakere
(Areito, 1976)

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L’un des groupes de jazz les plus avant-gardistes des années 1970 venait de Cuba, qui était de plus en plus coupé de la scène américaine en raison des relations politiques entre les deux pays. Leur premier album de 1974 était un véritable succès, avec des guitares wah-wah et des cuivres enflammés qui frôlaient parfois le psycho-rock. Cette suite les a vus s’imposer comme un groupe de latin-jazz avec lequel il fallait compter, en partie grâce aux ajouts d’Arturo Sandoval et de Roberto Plá au groupe, qui comprenait déjà Paquito D’Rivera et Chucho Valdes. Des noms qui allaient dominer la scène du latin jazz dans les années 80, leurs premières incursions sur Grupo Irakere entendent le groupe s’étirer sur ‘En Nosotros’ et ‘Iyá’, apporter un peu de feu de guitare sur ’38 ½’ et expérimenter sauvagement avec des percussions up-tempo et des cornes sur l’ouverture de l’album ‘Chequere Son’.

Charlie Palmieri
A Giant Step
(Tropical Budda Records, 1984)

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Dans les années 1980, la bulle du latin jazz avait largement éclaté. Alors que d’autres luttaient pour l’invention, Charlie Palmieri continuait à faire de l’excellente musique, y compris ce belter, offrant une vitrine pour son jeu de piano rythmique qui ne semble jamais exagéré. Le rythme insistant de « Rhumba Rhapsody » laisse beaucoup de place à l’improvisation de Palmieri. Alors que la dépendance excessive à la virtuosité peut être un problème, Palmieri montre ici comment le faire correctement.

Perujazz
Perujazz
(Vampisoul, 1987/2016)

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Malgré leur manque de matériel enregistré, Perujazz a eu un grand impact sur la musique péruvienne et reçoit enfin une plus grande reconnaissance. Composé de musiciens expérimentés issus de la scène psych rock péruvienne des années 60 et du début des années 70, Perujazz s’est formé en 1984 avec l’intention de combiner le jazz avec des rythmes et des instruments afro-péruviens et andins. Leur percussionniste, Chocolate, qui utilise le cajón, en est la clé, tout comme l’approche libre du batteur Manongo Mújica. Associés au saxophone et à la basse, ils formaient un groupe visionnaire qui avait peu de pairs. Il s’agit de leur premier album officiel, initialement publié en Italie en 1987 sous le nom de Verde Machu Picchu et réédité en 2016 avec une nouvelle pochette.

Arturo Sandoval
Hot House
(N2K Records, 1998)

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Sandoval est l’un des nombreux musiciens cubains, dont Chucho Valdes, Paquito D’Rivera (qui étaient également membres d’Irakere) et Gonazalo Rubalcaba qui ont contribué à revigorer le latin jazz dans les années 80 et 90, souvent grâce à leur virtuosité ainsi qu’à leur changement constant de forme (des ballades aux spirituals en passant par le hard bop). Sur ce disque, Sandoval réduit la mise en scène pour rendre hommage aux cha-cha-cha et aux mambos des années 50 et 60. ‘Funky Cha-Cha-Cha’ est fumant, avec Sandoval au bugle, il y a un hommage swinguant à Tito Puente sur ‘Tito’ et la performance de la section des cuivres sur ‘Sandunga’ est bombastique.

Daymé Arocena
Cubafonia
(Brownswood Recordings, 2017)

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Daymé Arocena est l’une des meilleures nouvelles voix du latin jazz à émerger ces dernières années. Avec des voix qui peuvent aller du scat d’Etta Fitzgerald au braillement néo-soul énergique, Arocena a montré sur ce deuxième album qu’elle est aussi une grande compositrice avec une attitude excitante sur le potentiel du jazz à repousser les limites. Eleggua » est un début plaintif avec des paroles noyées dans des chants sinistres qui rappellent Kamasi Washington, avant que le jazz swinguant de « La Rumba Me Llamo Yo » et le plus funky « Lo Que Fue » ne changent la donne. Avec un clin d’œil au jazz latin classique, ainsi que son engagement envers la religion Santería, Arocena amène la forme vers de nouveaux territoires.