Il gigante di ferro

SviluppoModifica

Le origini del film si trovano nel libro The Iron Man (1968), del poeta Ted Hughes, che ha scritto il romanzo per i suoi figli per confortarli dopo il suicidio della madre Sylvia Plath. Negli anni 1980, il musicista rock Pete Townshend scelse di adattare il libro per un concept album; fu pubblicato come The Iron Man: A Musical nel 1989. Nel 1991, Richard Bazley, che in seguito divenne l’animatore principale del film, propose una versione di The Iron Man a Don Bluth mentre lavorava nel suo studio in Irlanda. Creò un abbozzo di storia e i disegni dei personaggi, ma Bluth passò il progetto. Dopo che un musical teatrale fu montato a Londra, Des McAnuff, che aveva adattato Tommy con Townshend per il palcoscenico, credette che The Iron Man potesse essere trasposto sullo schermo, e il progetto fu infine acquisito dalla Warner Bros. Entertainment.

Alla fine del 1996, durante lo sviluppo del progetto, lo studio vide il film come un veicolo perfetto per Brad Bird, che all’epoca stava lavorando per la Turner Feature Animation sviluppando Ray Gunn. La Turner Broadcasting si era da poco fusa con la Time Warner, società madre della Warner Bros. e Bird ha avuto il permesso di trasferirsi allo studio Warner Bros. Animation per dirigere Il gigante di ferro. Dopo aver letto il libro originale di Iron Man di Hughes, Bird rimase colpito dalla mitologia della storia e, inoltre, gli fu data un’insolita quantità di controllo creativo dalla Warner Bros. Questo controllo creativo comportava l’introduzione di due nuovi personaggi non presenti nel libro originale, Dean e Kent, l’ambientazione del film in America e l’abbandono delle ambizioni musicali di Townshend (al quale non importava in ogni caso, si dice che abbia detto: “Beh, comunque, sono stato pagato”). Bird spiegherà il suo desiderio di ambientare il film nell’America degli anni ’50 in un’intervista successiva:

L’ambientazione nel Maine sembra idilliaca alla Norman Rockwell all’esterno, ma dentro tutto sta per ribollire; tutti avevano paura della bomba, dei russi, dello Sputnik – persino del rock and roll. Questo sorriso di Ward Cleaver che maschera la paura (che è davvero ciò che il personaggio di Kent rappresentava). Era l’ambiente perfetto in cui far cadere un robot alto 50 piedi.

Ted Hughes, l’autore della storia originale, morì prima dell’uscita del film. Sua figlia, Frieda Hughes, ha visto il film finito per suo conto e lo ha amato. Pete Townshend, con cui il progetto era iniziato originariamente e che rimase come produttore esecutivo del film, apprezzò anche il film finale.

ScritturaMcCanlies fu assunto per scrivere la sceneggiatura, anche se Bird era un po’ scontento di avere un altro scrittore a bordo, dato che voleva scrivere lui stesso la sceneggiatura. In seguito cambiò idea dopo aver letto la sceneggiatura di McCanlies, allora non ancora prodotta, per Secondhand Lions. Nel trattamento originale della storia di Bird, l’America e l’URSS erano in guerra alla fine, con il Gigante che moriva. McCanlies decise di avere una breve scena che mostrasse la sua sopravvivenza, affermando: “Non puoi uccidere E.T. e poi non riportarlo indietro”. McCanlies finì la sceneggiatura in due mesi. A McCanlies è stato dato un programma di tre mesi per completare una sceneggiatura, ed è stato grazie ai tempi stretti del film che la Warner Bros. “non ha avuto il tempo di incasinarci” come ha detto McCanlies. La questione della backstory del Gigante è stata volutamente ignorata per mantenere la storia concentrata sulla sua relazione con Hogarth. Bird considerava la storia difficile da sviluppare a causa della sua combinazione di elementi insoliti, come “i paranoici film di fantascienza degli anni cinquanta con l’innocenza di qualcosa come The Yearling”. Lo stesso Hughes ricevette una copia della sceneggiatura di McCanlies e inviò una lettera di risposta, dicendo quanto fosse soddisfatto della versione. Nella lettera, Hughes ha dichiarato: “Voglio dirvi quanto mi piace quello che ha fatto Brad Bird. Ha fatto qualcosa tutto d’un pezzo, con uno slancio sinistro formidabile e il finale mi è arrivato come un pezzo glorioso di stupore. Ha creato una situazione drammatica formidabile nel modo in cui ha sviluppato Il gigante di ferro. Non riesco a smettere di pensarci”

Bird ha unito le sue conoscenze degli anni passati in televisione per dirigere il suo primo film. Ha attribuito il suo tempo di lavoro su Family Dog come essenziale per la costruzione della squadra, e la sua permanenza nei Simpson come un esempio di lavoro con scadenze rigide. Era aperto ad altri nel suo staff per aiutare a sviluppare il film; spesso chiedeva ai membri della troupe le loro opinioni sulle scene e cambiava le cose di conseguenza. Una delle sue priorità era quella di enfatizzare i momenti più morbidi e basati sui personaggi, al contrario delle scene più frenetiche, cosa che Bird pensava fosse un problema del cinema moderno. “Ci deve essere attività o effetti sonori o tagli o musica a tutto volume. È quasi come se il pubblico avesse il telecomando e dovesse cambiare canale”, commentò all’epoca. Lo storyboard artist Teddy Newton ha avuto un ruolo importante nel dare forma alla storia del film. Il primo incarico di Newton nello staff prevedeva che Bird gli chiedesse di creare un film nel film per riflettere i “film sull’igiene che tutti vedevano quando c’era l’allarme bomba”. Newton giunse alla conclusione che un numero musicale sarebbe stata l’alternativa più accattivante, e la sequenza “Duck and Cover” divenne una delle preferite della troupe. Soprannominato “The X-Factor” dal capo del dipartimento storia Jeffery Lynch, i produttori gli diedero libertà artistica su vari pezzi della sceneggiatura del film.

AnimazioneModifica

Il fallimento finanziario del precedente sforzo animato della Warner, Quest for Camelot, che fece riconsiderare allo studio i film d’animazione, contribuì a plasmare considerevolmente la produzione di The Iron Giant. I “tre quarti” del team di animazione di quel team hanno aiutato a realizzare Il gigante di ferro. Al momento dell’entrata in produzione, la Warner Bros. ha informato lo staff che ci sarebbe stato un budget più piccolo e un tempo più breve per completare il film. Anche se la produzione è stata osservata da vicino, Bird ha commentato: “Ci hanno lasciato in pace se abbiamo mantenuto il controllo e mostrato loro che stavamo producendo il film in modo responsabile e che lo stavamo portando a termine in tempo e facendo cose buone”. Bird ha considerato il compromesso come avere “un terzo dei soldi di un film Disney o DreamWorks, e la metà del programma di produzione”, ma la ricompensa è stata avere più libertà creativa, descrivendo il film come “completamente realizzato dal team di animazione; non credo che nessun altro studio possa dirlo al livello che possiamo avere noi”. Una piccola parte del team ha fatto un viaggio di ricerca di una settimana nel Maine, dove hanno fotografato e ripreso cinque piccole città. Speravano di riflettere accuratamente la sua cultura fino alle minuzie; “abbiamo ripreso le facciate dei negozi, i fienili, le foreste, le case, gli interni delle case, i ristoranti, ogni dettaglio possibile, compresa la corteccia degli alberi”, ha detto il production designer Mark Whiting.

Bird si è attenuto ad un’elaborata pianificazione delle scene, come l’animazione dettagliata, per assicurarsi che non ci fossero problemi di budget. Il team ha inizialmente lavorato con il software Director di Macromedia, prima di passare a tempo pieno ad Adobe After Effects. Bird era ansioso di usare il software, allora nascente, perché permetteva allo storyboard di contenere le indicazioni dei movimenti della telecamera. Il software è diventato essenziale per quel team – soprannominato presto “Macro” – per aiutare lo studio a realizzare gli story reel del film. Questi permettevano anche a Bird di capire meglio ciò che il film richiedeva dal punto di vista del montaggio. Alla fine, era orgoglioso del modo in cui il film era stato sviluppato, notando che “Potevamo immaginare il ritmo e lo svolgimento del nostro film in modo accurato con un dispendio di risorse relativamente piccolo”. Il gruppo si riuniva in una sala di proiezione per vedere le sequenze completate, con Bird che offriva suggerimenti disegnando sullo schermo con un pennarello. Il capo animatore Bazley ha suggerito che questo ha portato a un senso di cameratismo tra la troupe, che era unita nella loro missione di creare un buon film. Bird ha citato il suo momento preferito della produzione del film come quello avvenuto in sala di montaggio, quando la troupe si è riunita per testare una sequenza in cui il Gigante impara cos’è un’anima. “La gente nella stanza piangeva spontaneamente. È stato fondamentale; c’era un’innegabile sensazione che stavamo davvero toccando qualcosa”, ha ricordato.

Ha scelto di dare agli animatori del film porzioni da animare interamente, piuttosto che il processo standard di animazione di un personaggio, in un ritorno al modo in cui venivano creati i primi lungometraggi della Disney. L’eccezione era rappresentata dai responsabili della creazione del Gigante stesso, che è stato creato con immagini generate al computer a causa della difficoltà di creare un oggetto di metallo “in modo fluido”. Hanno avuto ulteriori problemi con l’utilizzo del modello al computer per esprimere le emozioni. Il gigante è stato progettato dal regista Joe Johnston, che è stato perfezionato dal production designer Mark Whiting e da Steve Markowski, capo animatore del gigante. Usando un software, il team animava il Gigante “a due” (ogni due fotogrammi, o dodici fotogrammi al secondo) quando interagiva con altri personaggi, per rendere meno ovvio che fosse un modello del computer. Bird ha portato degli studenti del CalArts per assistere nel lavoro di animazione minore a causa della fitta agenda del film. Ha fatto in modo di distribuire il lavoro sulle scene tra gli animatori più esperti e quelli più giovani, notando: “Sovraccarichi le persone più forti e sottoccarichi gli altri”. Hiroki Itokazu ha progettato tutti gli oggetti di scena e i veicoli in CGI del film, che sono stati creati con una varietà di software, tra cui Maya di Alias Systems Corporation, PowerAnimator di Alias, una versione modificata di RenderMan della Pixar, Softimage Creative Environment, Animo di Cambridge Animation (ora parte di Toon Boom Technologies), Avid Elastic Reality e Adobe Photoshop.

L’arte di Norman Rockwell, Edward Hopper e N.C. Wyeth ha ispirato il design. Whiting ha cercato di ottenere dei colori evocativi del periodo in cui il film è ambientato e anche rappresentativi del suo tono emotivo; per esempio, la stanza di Hogarth è stata progettata per riflettere la sua “giovinezza e il senso di meraviglia”. Questo è stato mescolato con uno stile che ricorda l’illustrazione degli anni ’50. Gli animatori hanno studiato Chuck Jones, Hank Ketcham, Al Hirschfeld e i film Disney di quell’epoca, come 101 Dalmati, per ispirarsi all’animazione del film.

MusicaEdit

La colonna sonora del film è stata composta e diretta da Michael Kamen, rendendolo l’unico film diretto da Bird a non essere segnato dal suo futuro collaboratore, Michael Giacchino. La partitura originale di Bird, “una collezione di spunti di Bernard Herrmann da film di fantascienza degli anni ’50 e ’60”, inizialmente spaventava Kamen. Credendo che il suono dell’orchestra sia importante per la sensazione del film, Kamen “ha deciso di setacciare l’Europa dell’Est per trovare un’orchestra dal suono “vecchio stile” e si è recato a Praga per ascoltare Vladimir Ashkenazy dirigere la Filarmonica Ceca in An Alpine Symphony di Strauss”. Alla fine, la Filarmonica Ceca fu l’orchestra usata per la colonna sonora del film, e Bird descrisse l’orchestra sinfonica come “una straordinaria collezione di musicisti”. La colonna sonora de Il gigante di ferro è stata registrata in un modo piuttosto non convenzionale, rispetto alla maggior parte dei film: registrata nel corso di una settimana al Rudolfinum di Praga, la musica è stata registrata senza usi convenzionali di sincronizzazione della musica, in un metodo che Kamen ha descritto in un’intervista del 1999 come “suonare la musica come se fosse un pezzo di repertorio classico.” La colonna sonora di Kamen per Il gigante di ferro ha vinto l’Annie Award per la musica in una produzione animata il 6 novembre 1999.

Post-produzioneModifica

Bird scelse di produrre Il gigante di ferro in widescreen – in particolare il formato CinemaScope 2.39:1 – ma fu messo in guardia dai suoi consiglieri. Sentiva che era appropriato usare questo formato, dato che molti film della fine degli anni ’50 erano prodotti in questi formati widescreen. Sperava di includere il logo CinemaScope su un poster, in parte per scherzo, ma la 20th Century Fox, proprietaria del marchio, rifiutò.

Bird ricordò in seguito di essersi scontrato con i dirigenti che volevano aggiungere dei personaggi, come un cane che fa da spalla, ambientare il film ai giorni nostri e includere una colonna sonora hip hop. Questo era dovuto alle preoccupazioni che il film non fosse merchandising, alle quali Bird rispose: “Se erano interessati a raccontare la storia, avrebbero dovuto lasciarla essere ciò che voleva essere”. Il film doveva anche essere inizialmente distribuito sotto la bandiera della Warner Bros. Family Entertainment, il cui logo mostrava la mascotte Bugs Bunny in smoking, come si vede nel teaser trailer del film. Bird era contrario per una moltitudine di ragioni, e alla fine ottenne la conferma che i dirigenti Bob Daley e Terry Semel erano d’accordo. Invece, Bird e il suo team svilupparono un’altra versione del logo per assomigliare al classico logo dello studio in un cerchio, notoriamente impiegato nei corti dei Looney Tunes. Ha accreditato i dirigenti Lorenzo di Bonaventura e Courtney Vallenti di averlo aiutato a realizzare la sua visione, notando che erano aperti alla sua opinione.

Secondo un rapporto dell’epoca della sua uscita, Il gigante di ferro è costato 50 milioni di dollari per la produzione con altri 30 milioni di dollari destinati al marketing, anche se Box Office Mojo ha successivamente riportato il suo budget di 70 milioni di dollari. È stato considerato un film a basso budget, in confronto ai film distribuiti dalla Walt Disney Pictures.