Scritto da:Russ Slater
Pubblicato il:3 gennaio 2020
Dal feroce Cubop alla fusion afro-portoghese.
Poche influenze musicali che hanno giocato un ruolo così significativo e costante nel jazz come quelle dell’America Latina.
Il Cubop fu la prima rivelazione. Era il suono alla moda della New York degli anni ’50, quando i musicisti immigrati da Cuba e Porto Rico iniziarono a suonare con i creatori del bebop. Poi, i suoni del samba e della bossa nova entrarono in scena, e una nuova mania per il bossa jazz prese il sopravvento.
Con un flusso continuo di musicisti dai Caraibi e dal Brasile, così come dall’Argentina e dall’Uruguay, gli Stati Uniti continuarono ad essere un focolaio di latin jazz negli anni ’70, e anche se le cose cominciarono a diminuire nel decennio successivo, il genere ha continuato a trovare nuovi modi per reinventarsi.
Anche se c’è una grande quantità di jazz fatto da musicisti latini che potrebbe essere incluso qui, questa lista è stata scelta per celebrare gli abbracci che hanno avuto luogo tra il jazz statunitense e l’America Latina dagli anni ’40 agli anni ’70, e la musica influenzata da questi incontri.
Machito
Afro Cuban Jazz
(Clef Records, 1951)
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La canzone riconosciuta come la prima a vedere i musicisti jazz di New York usare la clave cubana (e il suo ritmo 3/2 o 2/3) è ‘Tanga’, arrangiata da Mario Bauzá nel 1943 per Machito e i suoi afro-cubani. Fu un successo locale a New York, dove Machito suonava regolarmente, ma non fu registrato fino alla fine degli anni ’40. Anche allora era su una compilation di swing e bop. Con Chico O’Farrill che subentra agli arrangiamenti – e mantenendo molte delle innovazioni di Bauzá, inclusa la prominenza delle percussioni afro-cubane – questa suite vede Machito costruire sulle basi di latin jazz di ‘Tanga’ con un set sofisticato che presenta alcuni incredibili duelli di sassofono tra Charlie Parker e Fred Skerritt (‘Mambo’), con Buddy Rich che fornisce qualità ai bastoni (‘Rhumba Finale’).
Dizzy Gillespie
Dizzy Gillespie And His Orchestra Featuring Chano Pozo
(Gene Norman Presents, 1954)
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Se Mario Bauzá ha inventato il Latin jazz, allora Dizzy Gillespie lo ha reso popolare. Gillespie aveva suonato con Bauzá nell’orchestra di Cab Calloway e fu Bauzá a presentargli il percussionista afro-cubano Chano Pozo, che assunse immediatamente nel 1947. Questo segnò l’inizio di quello che divenne noto come Cubop. Come per il primo materiale di Machito, la musica che Gillespie fece con Pozo non fu pubblicata all’epoca. Invece, la musica che fecero insieme in un solo anno – Pozo fu ucciso per strada nel 1948 – sarebbe stata pubblicata più tardi. Manteca’ è una delle poche opportunità registrate per sentire il brivido della combinazione del duo, usando una clave a 2/3 con basso e percussioni che tengono le cose basse, mentre i fiati combattono con le congas di Pozo.
Kenny Dorham
Afro-Cubano
(Blue Note, 1955/57)
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Dorham ha portato nuovi livelli di dettaglio al suono Cubop. I punti salienti sono la fusione mambo/hard bop di ‘Basheer’s Dream’ con l’espressiva batteria di Art Blakey e le dolci fioriture di Horace Silver al piano, i corni call-and-response di ‘Afrodisia’ e la lenta, ma non meno d’impatto, ‘Lotus Flower’. La Blue Note ristampò l’album nel 1957 con tracce aggiuntive, e queste aggiunte, che in gran parte omettono le percussioni afro-cubane, includono alcuni bei momenti, l’energica ‘La Villa’ è una bella vetrina per la sorprendente tromba di Dorham.
Cachao Y Su Combo
Descargas Cubanas
(Panart, 1956)
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Sessioni after-hour in stile Havana divennero una cosa a New York negli anni ’50, e nessuno era più innamorato di queste sessioni del contrabbassista Israel “Cachao” López. Queste jam, che Cachao chiamava descargas, potevano durare ore, ma in questo essenziale album jazz-dance sono distillate in miniature di ritmi cubani. Tracce come ‘Descarga Cubana’ e ‘Malanga Amarilla’ riportano la passione sfrenata, i ritmi sincopati e gli assoli di percussioni del suono Cubop sempre più sofisticato.
Cal Tjader Sextet
A Night at the Black Hawk
(Fantasy, 1959)
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Il più grande bandleader di jazz latino non latino, Cal Tjader fu il maestro del vibrafono che aiutò a mettere il West Coast cool nelle classifiche jazz, mentre produceva anche una vasta serie di registrazioni di jazz latino. Anche se Soul Sauce (1965) riceve spesso molti complimenti, questo LP, registrato dal vivo al Black Hawk, presenta una sezione ritmica micidiale composta da Willie Bobo (timbales) e Mongo Santamaria (percussioni), con l’extra oomph del sassofonista tenore cubano Jose “Chombo” Silva. Brani come ‘A Night in Tunisia’ e ‘Blue and Sentimental’ li catturano al top del loro gioco.
Sabu Martinez
Jazz Espagnole
(Alegre Records, 1960)
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Come sostituto di Chano Pozo nell’orchestra di Dizzy Gillespie, Martinez non era certo uno scarsone alla conga. Anche se elencato come il bandleader di quello che era veramente un ensemble tutto americano, si pavoneggia su una selezione tagliente di ritmi latini. ‘Delilah’ è un brano afro-cubano saltellante, ‘Flamenco Ain’t Bad’ è un vivace viaggio nel flamenco, e ‘Nica’s Dream’ (originariamente scritta da Horace Silver), una feroce mini-epopea che è uno dei migliori brani cubop in circolazione.
Luiz Bonfá
Plays and Sings Bossa Nova
(Verve, 1963)
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L’influenza brasiliana sul jazz americano iniziò nel 1961 quando Charlie Byrd fu inviato in un tour diplomatico in Sud America. Tornò affascinato dalla bossa nova e dal samba, pubblicando Jazz Samba nel 1962, una collaborazione con Stan Getz, che poi avrebbe fatto un passo avanti, unendosi ai brasiliani João Gilberto e Tom Jobim per il milione di copie vendute di Getz/Gilberto (1964). Quel disco è, per molti versi, l’album di bossa jazz definitivo, nonostante la sua eccessiva somiglianza. Tuttavia, Luiz Bonfá Plays and Sings Bossa Nova è una grande alternativa. La chitarra di Bonfá è eccezionale in tutto, piena di invenzione, e ha una voce magistrale – basta ascoltare il suo croon su “Sambalamento”. In tutto, i sottili abbellimenti di Oscar Castro-Neves al piano, gli arrangiamenti d’archi di Lalo Schifrin e i bellissimi cori di Maria Helena Toledo, tutto contribuisce a creare un disco di bossa jazz essenziale.
Mongo Santamaria
Mongo Santamaria Explodes At The Village Gate
(Columbia, 1964)
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Una grande parte dell’amore per la musica latina nel jazz veniva dalle possibilità delle percussioni e Mongo Santamaria era uno dei percussionisti più richiesti. Fu Mongo ad apparire nel popolarissimo singolo di Herbie Hancock ‘Watermelon Man’. Un prolifico artista solista, così come un frequente collaboratore, questo è il migliore dei suoi album Live at Village Gate, con un tempo costante e un’ottima punteggiatura della sezione fiati che gli dà spazio per improvvisare. Include una scintillante versione del brano simbolo di Santamaria, ‘Afro Blue’.
Willie Colón
The Hustler
(Fania Records, 1968)
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Le descargas e le jam latine di Cachao, Machito e co. furono seguite dall’emergere della salsa a New York, e dalla prima e seconda generazione di cubani, dominicani e portoricani che facevano parte del roster della Fania Records. Le jam mantennero il loro posto negli spettacoli dal vivo al Village Gate di New York che presentavano artisti jazz come Dizzy Gillespie che lottavano contro i migliori improvvisatori di salsa. La salsa sarebbe presto diventata una cosa a sé, ma ci fu un momento in cui album come questo del trombonista Willie Colón – con le sue congas martellanti, le fioriture di piano e la clave ipnotica – mostrarono che salsa e jazz erano due facce della stessa medaglia. La focosa title track o la vamp ‘Eso Se Baile Así’, guidata da Hector Lavoe, confermano lo status leggendario di The Hustler.
Eddie Palmieri
Justicia
(Tico, 1969)
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Fin dal 1962, Eddie Palmieri stava spingendo la musica latina con il suo gruppo La Perfecta, prima di esibirsi con un gruppo più numeroso e con molti fiati per pubblicare album che includevano Superimposition (1970), Vámonos Pa’l Monte (1971), e Harlem River Drive (1971). Questo album, Justicia, ha un po’ di tutto, con una jam estesa e funky, con un piano sconvolgente (‘Verdict on Judge Street’), commenti sociali (‘Everything is Everything’), salsa (‘Justicia’) e batucada pesante (‘My Spiritual Indian’).
Gato Barbieri
Fénix
(Flying Dutchman, 1971)
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Barbieri era un sassofonista tenore argentino proveniente dalla scuola free jazz di Coltrane, Ayler e Sanders. Tuttavia, a metà degli anni ’70 aveva firmato con la A&M Records e aveva alzato il livello di schmaltz con Herb Alpert ai comandi. Prima di allora, tuttavia, ha registrato una sorprendente serie di album, tra cui Fénix, sull’etichetta indipendente Flying Dutchman. Anche se è il sax di Barbieri che prende il volo in ogni canzone, è il controllo ritmico e le sottili trame del gruppo che rendono Fénix così emozionante. Il piano di Lonnie Liston Smith è insistente, con Naná Vasconcelos che aggiunge interessanti toni brasiliani, mentre il basso di Ron Carter permette a Barbieri di avventurarsi quanto vuole.
Moacir Santos
Maestro
(Blue Note, 1972)
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Anche se non c’è dubbio che Coisas (1965) è il capolavoro di Moacir Santos, è anche un album incredibilmente difficile da classificare – una collezione di bellissime, ornate opere orchestrali ispirate da melodie afro-brasiliane e canti gregoriani. In altre parole, non è veramente jazz in senso tradizionale, anche se Santos sarebbe stato più coinvolto in quel lato dell’universo musicale quando si trasferì a Los Angeles nel 1967 per pubblicare una serie di album su Blue Note. Questo primo album, fortemente caratterizzato dalla sua voce, è un’uscita rilassante e piena di anima che sembra solo migliorare con l’età.
Ray Barretto
Que Viva La Musica
(Fania Records, 1972)
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Que Viva La Musica è un tesoro nascosto nella discografia di Barretto. Barretto era conosciuto per avere una delle più feroci band di salsa là fuori, con un triplo assalto di corni, così come per aver fatto alcuni bei crossover jazz/salsa – La Cuna, Carnaval e Acid sono tutti da controllare. Que Viva esiste da qualche parte tra tutti questi. Se suona rilassato a volte, è perché c’è sempre una sorpresa dietro l’angolo. L’allume inizia con la title track e una voce serpeggiante sostenuta da un piano svolazzante e dall’inebriante gioco della conga di Barretto. Poi arrivano i fiati, la voce si affina e le cose iniziano a scuotersi. Alafia Cumaye’ ha una forte influenza afro-puerto-ricana, mentre gli oltre 10 minuti di ‘Cocinando’ sono semplicemente fuoco puro.
Flora Purim
Butterfly Dreams
(Milestone, 1973)
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Fresco del suo periodo con i Return to Forever, La cantante brasiliana Flora Purim ha registrato questo set, uno dei migliori album di jazz fusion brasiliano in circolazione, con jam ad alto ritmo come “Dr Jive” e la più serena “Dindi”. Lo straordinario basso Stanley Clarke è al suo fianco per tutto il tempo, così come George Duke alle chiavi e Airto Moreira alle percussioni, formando un gruppo formidabile. Il punto culminante dell’album è probabilmente ‘Moon Dreams’, una canzone che suona all’inizio come una bossa jazz senza pretese prima di irrompere in nuove trame e ritmi.
Elis Regina & Antonio Carlos Jobim
Elis & Tom
(Philips, 1974)
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Elis è stata senza dubbio una delle più grandi voci del Brasile, il suo stile soul e fortemente influenzato dal jazz assicura che il suo lavoro non potrebbe mai semplicemente passare in secondo piano. Il pioniere della bossa nova Tom Jobim è co-credito in questo disco, ma è anche affiancato da una band incredibile con il chitarrista Oscar Castro-Neves, il pianista César Mariano e il batterista Paulinho Braga. Anche se alcune bosse non hanno superato la prova del tempo, questa registrazione suona ancora fresca.
Irakere
Grupo Irakere
(Areito, 1976)
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Uno dei gruppi jazz più lungimiranti degli anni 70 veniva da Cuba, che era sempre più tagliata fuori dalla scena statunitense come conseguenza delle relazioni politiche tra i due paesi. Il loro debutto del 1974 fu un’esplosione, con chitarra wah-wah e fiati infuocati che a volte sconfinavano nello psych rock. Questo seguito li vide affermarsi come un gruppo di latin jazz da tenere in considerazione, in parte grazie alle aggiunte di Arturo Sandoval e Roberto Plá al gruppo, che già includeva Paquito D’ Rivera e Chucho Valdes. Nomi che avrebbero dominato la scena del jazz latino negli anni ’80, le loro prime incursioni su Grupo Irakere sentono la band allungarsi su ‘En Nosotros’ e ‘Iyá’, portando un po’ di fuoco di chitarra su ’38 ½’ e sperimentando selvaggiamente con percussioni up-tempo e fiati sull’apertura dell’album ‘Chequere Son’.
Charlie Palmieri
A Giant Step
(Tropical Budda Records, 1984)
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Negli anni ’80 la bolla del Latin jazz era ampiamente scoppiata. Mentre altri lottavano per l’invenzione, Charlie Palmieri stava ancora facendo musica eccellente, incluso questo belter, che offre una vetrina per il suo piano ritmico che non è mai eccessivo. Il ritmo insistente di “Rhumba Rhapsody” fornisce molto spazio a Palmieri per improvvisare. Mentre l’eccessiva dipendenza dal virtuosismo può essere un problema, Palmieri mostra qui come farlo bene.
Perujazz
Perujazz
(Vampisoul, 1987/2016)
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Nonostante la mancanza di materiale registrato, i Perujazz hanno avuto un grande impatto sulla musica peruviana e ora stanno finalmente ricevendo un maggiore riconoscimento. Con musicisti esperti della scena psych rock peruviana degli anni ’60 e dei primi anni ’70, i Perujazz si sono formati nel 1984 con l’intento di combinare il jazz con i ritmi e la strumentazione afro-peruviana e andina. Il loro percussionista, Chocolate, usando il cajón, era la chiave di tutto ciò, così come l’approccio libero del batterista Manongo Mújica. Combinati con il sax e il basso, erano un gruppo visionario con pochi pari. Questo è il loro debutto ufficiale, originariamente pubblicato in Italia nel 1987 come Verde Machu Picchu e ristampato nel 2016 con un nuovo artwork.
Arturo Sandoval
Hot House
(N2K Records, 1998)
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Sandoval fu uno dei tanti musicisti cubani, tra cui Chucho Valdes, Paquito D’Rivera (entrambi membri di Irakere) e Gonazalo Rubalcaba che hanno contribuito a rinvigorire il jazz latino negli anni ’80 e ’90, spesso attraverso il loro virtuosismo e il loro costante cambiamento di forma (da ballate a spirituals a hard bop). In questa uscita, Sandoval abbassa i toni dello show-stealing per rendere omaggio al cha-cha-cha e ai mambo degli anni ’50 e ’60. ‘Funky Cha-Cha-Cha’ è fumante, con Sandoval al flicorno, c’è uno swingante omaggio a Tito Puente su ‘Tito’ e la performance della sezione fiati su ‘Sandunga’ è roboante.
Daymé Arocena
Cubafonia
(Brownswood Recordings, 2017)
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Daymé Arocena è una delle migliori nuove voci del jazz latino ad emergere negli ultimi anni. Con una voce che può passare dallo scat di Etta Fitzgerald al forte urlo neo-soul, in questo secondo album Arocena ha dimostrato di essere anche una grande autrice di canzoni con un’attitudine entusiasmante verso il potenziale del jazz di superare i limiti. Eleggua’ è un’apertura lamentosa con un parlato annegato da minacciosi canti che ricordano Kamasi Washington, prima che il jazz swingante di ‘La Rumba Me Llamo Yo’ e la più funky ‘Lo Que Fue’ cambino le cose piacevolmente. Con un cenno al classico jazz latino, così come il suo impegno con la religione della Santería, Arocena sta portando la forma in nuovi territori.
