Uma introdução ao jazz latino em 20 discos

Da fusão feroz do Cubop ao Afro-Puerto Rican.

Poucas influências musicais que tenham desempenhado um papel tão significativo e consistente no jazz como as da América Latina.

Cubop foi a primeira revelação. Foi o som da moda dos anos 50 de Nova Iorque, quando músicos migrantes de Cuba e Porto Rico começaram a tocar com os criadores do bebop. Então, os sons do samba e da bossa nova entraram em cena, e uma nova loucura pelo bossa jazz tomou conta.

Com um fluxo contínuo de músicos do Caribe e do Brasil, assim como da Argentina e do Uruguai, os EUA continuaram a ser um foco de jazz latino até os anos 70, e embora as coisas tenham começado a se desenrolar na década seguinte, o gênero continuou a encontrar novas maneiras de se reinventar.

Embora haja uma grande quantidade de jazz feito por músicos latinos que poderiam ser incluídos aqui também, esta lista foi escolhida para celebrar os abraços que aconteceram entre o jazz americano e a América Latina dos anos 40 aos anos 70, e a música influenciada por esses encontros.

Machito
Afro Cuban Jazz
(Clef Records, 1951)

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A canção reconhecida como a primeira a ver músicos de jazz em Nova Iorque usar a clave cubana (e o seu ritmo 3/2 ou 2/3) é ‘Tanga’, arranjada por Mario Bauzá em 1943 para Machito e os seus afro-cubanos. Foi um sucesso local em NYC, onde Machito tocava regularmente, mas só foi gravado no final dos anos 40. Mesmo assim, estava em uma compilação de swing e bop. Com Chico O’Farrill assumindo os arranjos – e mantendo muitas das inovações de Bauzá, incluindo o destaque da percussão afro-cubana – esta suite vê Machito construir sobre as bases do jazz latino de ‘Tanga’ com um conjunto sofisticado que apresenta alguns incríveis duelos de saxofone entre Charlie Parker e Fred Skerritt (‘Mambo’), com Buddy Rich fornecendo qualidade em sticks (‘Rhumba Finale’).

Dizzy Gillespie
Dizzy Gillespie And His Orchestra Feature featuring Chano Pozo
(Gene Norman Presents, 1954)

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Se Mario Bauzá inventou o jazz latino, então Dizzy Gillespie ajudou a popularizá-lo. Gillespie tinha tocado com Bauzá na orquestra de Cab Calloway e foi Bauzá quem o apresentou ao percussionista afro-cubano Chano Pozo, que ele contratou imediatamente em 1947. Isto marcou o início do que ficou conhecido como Cubop. Tal como no material inicial de Machito, a música que Gillespie fez com Pozo não foi lançada na altura. Em vez disso, a música que eles fizeram juntos em apenas um ano – Pozo foi morto a tiro na rua em 1948 – seria lançada mais tarde. ‘Manteca’ é uma das poucas oportunidades gravadas para ouvir a emoção da combinação do duo, usando uma clave de 2/3 com baixo e percussão segurando as coisas, enquanto os chifres lutam com os congas de Pozo.

Kenny Dorham
Afro-Cuban
(Blue Note, 1955/57)

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Dorham trouxe novos níveis de detalhe ao som do Cubop. Os destaques são a fusão do ‘Basheer’s Dream’ com os tambores expressivos de Art Blakey e as flores doces de Horace Silver ao piano, os chifres de chamada e resposta de ‘Afrodisia’ e a lenta, mas não menos impactante, ‘Lotus Flower’. Blue Note relançou o álbum em 1957 com faixas adicionais, e estas adições, que em grande parte omitem a percussão afro-cubana, incluem alguns belos momentos, a energética ‘La Villa’ uma bela vitrine para o impressionante trompete de Dorham’s tocar.

Cachao Y Su Combo
Descargas Cubanas
(Panart, 1956)

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Sessões after-hours estilo Havana tornaram-se uma coisa em Nova York nos anos 50, e ninguém estava mais apaixonado por estas sessões do que o contrabaixista Israel “Cachao” López. Estas compotas, que Cachao chamou de descargas, podiam durar horas, mas neste álbum essencial de dança jazz, elas são destiladas em miniaturas de batidas cubanas. Faixas como ‘Descarga Cubana’ e ‘Malanga Amarilla’ trouxeram a paixão desenfreada, ritmos sincopados e solos de percussão de volta do sempre mais sofisticado som Cubop.

Cal Tjader Sextet
Uma Noite no Black Hawk
(Fantasy, 1959)

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O maior líder de banda de jazz latino não latino, Cal Tjader foi o mestre das vibrações que ajudou a colocar o West Coast cool nas paradas de jazz, enquanto produzia uma extensa série de gravações de jazz latino também. Embora o Soul Sauce (1965) receba frequentemente muitos kudos, este LP, gravado ao vivo no Black Hawk, apresenta uma secção de ritmo matador de Willie Bobo (timbales) e Mongo Santamaria (percussão), com o oomph extra do saxofonista tenor cubano José “Chombo” Silva. Faixas como ‘A Night in Tunisia’ e ‘Blue and Sentimental’ capturam-nos no topo do jogo.

Sabu Martinez
Jazz Espagnole
(Alegre Records, 1960)

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Como o substituto de Chano Pozo na orquestra de Dizzy Gillespie, Martinez não foi definitivamente um descuido na conga. Embora listado como o líder do que era realmente um conjunto americano, ele se pavoneia sobre uma seleção afiada de ritmos latinos. Delilah’ é uma melodia afro-cubana, ‘Flamenco Ain’t Bad’, um animado passeio pelo flamenco, e ‘Nica’s Dream’ (originalmente escrito por Horace Silver), um feroz mini-epic que é uma das melhores faixas de Cubop por aí.

Luiz Bonfá
Plays and Sings Bossa Nova
(Verve, 1963)

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A influência brasileira no jazz americano começou em 1961, quando Charlie Byrd foi enviado em uma turnê diplomática pela América do Sul. Ele voltou encantado pela bossa nova e pelo samba, lançando o Jazz Samba em 1962, uma colaboração com Stan Getz, que então iria um passo adiante, juntando-se aos brasileiros João Gilberto e Tom Jobim para o milionário Getz/Gilberto (1964). Esse disco é, em muitos aspectos, o álbum definitivo de bossa jazz, apesar de seu excesso de familiaridade. No entanto, Luiz Bonfá Toca e Canta Bossa Nova, é uma ótima alternativa. O violão de Bonfá é excepcional, cheio de invenção, e ele tem uma voz magistral – basta ouvir seu croon no ‘Sambalamento’. Ao longo de todo, sutis adornos de Oscar Castro-Neves ao piano, arranjos de cordas de Lalo Schifrin e belos backing vocals de Maria Helena Toledo, tudo somado a um disco de bossa jazz essencial.

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Mongo Santamaria
Mongo Santamaria Explode At The Village Gate
(Columbia, 1964)

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Uma grande parte do amor pela música latina no jazz veio das possibilidades da percussão e Mongo Santamaria foi um dos percussionistas mais procurados. Foi Mongo que apareceu no single de Herbie Hancock, o “Homem Melancia”, extremamente popular. Um prolífico solista, assim como colaborador frequente, esta é a escolha dos seus álbuns Live at Village Gate, com um ritmo constante e pontuação máxima da secção das buzinas, dando-lhe espaço para improvisar. Inclui uma versão cintilante da canção de Santamaria, ‘Afro Blue’.

Willie Colón
The Hustler
(Fania Records, 1968)

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As descargas e compotas latinas de Cachao, Machito e co. foram seguidos pelo surgimento da salsa em Nova York, e dos cubanos de primeira e segunda geração, dominicanos e porto-riquenhos que faziam parte da lista da Fania Records. As geléias mantiveram seu lugar em shows ao vivo no Village Gate de NYC, que apresentou artistas de jazz como Dizzy Gillespie lutando contra os melhores improvisadores de salsa. A salsa logo se tornaria algo próprio, mas houve um momento em que álbuns como este do trombonista Willie Colón – com suas congas palpitantes, flores de piano e clave hipnótica – mostraram que a salsa e o jazz eram duas faces da mesma moeda. A faixa de título ardente ou o vampiro Hector Lavoe-led ‘Eso Se Baile Así’ confirmam o status lendário de The Hustler.

Eddie Palmieri
Justicia
(Tico, 1969)

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Desde 1962, Eddie Palmieri empurrava a música latina com o seu grupo La Perfecta, antes de se apresentar com uma banda maior, de corneta, para lançar álbuns que incluíam Superimposition (1970), Vámonos Pa’l Monte (1971), e Harlem River Drive (1971). Este álbum, Justicia, tem um pouco de tudo, com uma improvisação funky estendida, com um piano que quebra a terra (“Verdict on Judge Street”), comentário social (“Everything is Everything”), salsa (“Justicia”) e batucada pesada (“My Spiritual Indian”).

Gato Barbieri
Fénix
(Flying Dutchman, 1971)

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Barbieri era um saxofonista argentino tenor direto da escola de jazz livre de Coltrane, Ayler e Sanders. No entanto, em meados dos anos 70 ele tinha assinado a A&M Records e discado o schmaltz com Herb Alpert nos controles. Antes disso, no entanto, ele gravou um conjunto surpreendente de álbuns, incluindo Fénix, na gravadora independente Flying Dutchman. Apesar de ser o saxofone de Barbieri que faz voar em cada música, é o controle rítmico e as texturas sutis do grupo, que torna Fénix tão emocionante. O piano de Lonnie Liston Smith é insistente, com Naná Vasconcelos adicionando tons brasileiros interessantes, enquanto o baixo de Ron Carter permite que Barbieri se aventure o quanto quiser.

Moacir Santos
Maestro
(Blue Note, 1972)

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Poisas (1965) é a obra-prima de Moacir Santos, é também um álbum incrivelmente difícil de categorizar – uma coleção de belas e ornamentadas obras orquestrais inspiradas em melodias afro-brasileiras e cânticos gregorianos. Em outras palavras, não é realmente jazz no sentido tradicional, embora Santos se envolvesse mais nesse lado do universo musical quando se mudou para L.A. em 1967 para lançar uma série de álbuns no Blue Note. Este primeiro álbum, com uma voz forte, é um lançamento calmante e cheio de alma, que só parece melhorar com a idade.

Ray Barretto
Que Viva La Musica
(Fania Records, 1972)

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Que Viva La Musica é um tesouro escondido na discografia de Barretto. Barretto era conhecido como tendo uma das mais ferozes bandas de salsa por aí, com um triplo assalto de corneta, assim como a colocação de alguns finos crossovers jazz/salsa – La Cuna, Carnaval e Ácido são todos dignos de ser conferidos. Que Viva existe em algum lugar entre todos eles. Se às vezes parece relaxado, é porque há sempre uma surpresa ao virar da esquina. O ex-aluno começa com a faixa título e um vocal serpenteando apoiado por um piano agitado e a conga de Barretto tocando. Depois chegam as buzinas, os vocais afiam e as coisas começam a tremer. ‘Alafia Cumaye’ tem uma forte influência afro-puerto-riquenha, enquanto o ‘Cocinando’ de mais de 10 minutos é simplesmente fogo puro.

Flora Purim
Sonhos de Borboleta
(Milestone, 1973)

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Fresh from her stint with Return to Forever, A cantora brasileira Flora Purim gravou este set, um dos melhores álbuns brasileiros de fusão de jazz por aí, com jam jampo high-tempo como ‘Dr Jive’ e o mais sereno ‘Dindi’. O extraordinário baixista Stanley Clarke está ao seu lado o tempo todo, assim como George Duke em teclas e Airto Moreira em percussão, fazendo um grupo formidável. O ponto alto do álbum é provavelmente ‘Moon Dreams’, uma música que no início soa como bossa jazz sem pretensões, antes de entrar em novas texturas e ritmos.

Elis Regina & Antonio Carlos Jobim
Elis & Tom
(Philips, 1974)

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Elis foi sem dúvida uma das maiores vozes do Brasil, o seu estilo de alma, altamente influenciado pelo jazz, assegurando que o seu trabalho nunca poderia simplesmente misturar-se ao fundo. O pioneiro da bossa nova Tom Jobim recebe co-crédito nesta, mas a eles também se junta uma banda incrível com o guitarrista Oscar Castro-Neves, o pianista César Mariano e o baterista Paulinho Braga. Embora alguma bossa não tenha resistido ao teste da época, esta gravação ainda soa fresca.

Irakere
Grupo Irakere
(Areito, 1976)

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Um dos grupos de jazz mais progressistas dos anos 70 veio de Cuba, cada vez mais afastado da cena norte-americana, como consequência das relações políticas entre os dois países. A sua estreia em 1974 foi um fervilhante, com guitarra wah-wah e chifres de fogo que, por vezes, se transformaram em rock psicológico. Este seguimento viu-os estabelecerem-se como um grupo de jazz latino a ser considerado, em parte devido às adições de Arturo Sandoval e Roberto Plá ao grupo, que já incluía Paquito D’ Rivera e Chucho Valdés. Nomes que dominariam a cena do jazz latino nos anos 80, suas incursões iniciais no Grupo Irakere ouvem a banda esticando-se em ‘En Nosotros’ e ‘Iyá’, trazendo um pouco de fogo de guitarra em ’38 ½’ e experimentando loucamente com percussão up-tempo e buzinas no álbum de abertura ‘Chequere Son’.

Charlie Palmieri
A Giant Step
(Tropical Budda Records, 1984)

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Nos anos 80, a bolha do jazz latino tinha rebentado em grande parte. Enquanto outros lutavam pela invenção, Charlie Palmieri ainda fazia música excelente, incluindo este cinturão, oferecendo uma vitrine para o seu piano rítmico que nunca se sente exagerado. A batida insistente de ‘Rhumba Rhapsody’ proporciona muito espaço para Palmieri improvisar. Embora o excesso de confiança no virtuosismo possa ser um problema, Palmieri mostra aqui como fazê-lo bem.

Perujazz
Perujazz
(Vampisoul, 1987/2016)

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Apesar da falta de material gravado, Perujazz teve um grande impacto na música peruana e agora finalmente está recebendo um maior reconhecimento. Com músicos experientes da cena do rock peruano dos anos 60 e início dos anos 70, Perujazz se formou em 1984 com a intenção de combinar jazz com ritmos e instrumentação afro-peruana e andina. Seu percussionista, Chocolate, usando o cajón, foi fundamental para isso, assim como a abordagem livre do baterista Manongo Mújica. Combinados com saxofone e baixo, eles eram um grupo visionário com poucos pares. Esta é a sua estreia oficial, originalmente lançada na Itália em 1987 como Verde Machu Picchu e reeditada em 2016 com novas obras de arte.

Arturo Sandoval
Hot House
(N2K Records, 1998)

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Sandoval foi um dos vários músicos cubanos, incluindo Chucho Valdes, Paquito D’Rivera (que eram ambos também membros do Irakere), e Gonazalo Rubalcaba que ajudou a revigorar o jazz latino nos anos 80 e 90, muitas vezes através da sua virtuosidade, bem como a sua constante mudança de forma (das baladas para os espirituais para o bop duro). Neste lançamento, Sandoval disca para baixo o show-stealing para prestar homenagem aos cha-cha-cha’s e mambos dos anos 50 e 60. O ‘Funky Cha-Cha-Cha’ está a arder, com Sandoval no flugelhorn, há um tributo balançante a Tito Puente no ‘Tito’ e a actuação da secção de chifres no ‘Sandunga’ é bombástica.

Daymé Arocena
Cubafonia
(Brownswood Recordings, 2017)

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Daymé Arocena é uma das melhores vozes novas do jazz latino a surgir nos últimos anos. Com vocais que podem ir desde Etta Fitzgerald scat até ao forçado neo-soul holler, neste segundo álbum Arocena mostrou que é também uma grande compositora com uma atitude excitante em relação ao potencial do jazz para empurrar limites. ‘Eleggua’ é um abre-voz simples com a palavra falada afogada por cantos sinistros que lembram Kamasi Washington, antes do jazz swinging de ‘La Rumba Me Llamo Yo’ e o funkier ‘Lo Que Fue’ trocar as coisas muito bem. Com um aceno ao jazz clássico latino, assim como o seu compromisso com a religião Santería, Arocena está tomando a forma em novos territórios.