În urmă cu zece ani, Netflix era o companie inofensivă de DVD-uri prin poștă, tsunami-ul Marvel abia testa apele cu „Iron Man” și „Thor”, iar imperiul „Războiul Stelelor” încă îi aparținea lui George Lucas, nu Disney. Singura celebritate care a devenit președinte al Statelor Unite a fost starul din „Bedtime for Bonzo”, Ronald Reagan, Amazon era un loc în care mergeai să cumperi cărți ieftine, nu cel mai mare cheltuitor de la Festivalul de Film Sundance, iar „norul” era ceva deasupra căruia plutea casa CG a lui Carl Fredricksen, mai degrabă decât modul în care oamenii proiectează filmele Pixar.
Dacă aceste descrieri nu vă fac să vă simțiți nostalgici, rețineți că, în afară de „Twilight”, filmele de la Hollywood erau făcute în mare parte de și despre bărbați albi. Publicul și-a găsit vocea în ultimul deceniu, lăsând industria să știe cum se simte – iar studiourile au ascultat, sau cel puțin au început să o facă, pe măsură ce criticile #OscarsSoWhite și #TimesUp au declanșat schimbări seismice în industrie. S-ar putea să mai dureze încă 10 ani pentru ca impactul acestor mișcări să se simtă pe deplin, în timp ce unii cititori se vor aștepta la paritate în liste ca acestea, în care criticii de film de la Variety, Owen Gleiberman și Peter Debruge, identifică cele mai bune filme din ultimul deceniu.
Click aici pentru a citi lista lui Peter Debruge.
Owen Gleiberman’s 10 Best Movies
1. „The Social Network” (2010)
Este unul dintre acele filme perfecte, precum „All the President’s Men” sau „Dazed and Confused” sau „Sweet Smell of Success”, pe care îl poți viziona din nou și din nou și din nou. Se precipită, fascinează, scânteiază și rezonează; fiecare moment este agil, distractiv și esențial. Pornind de la povestea creării Facebook, această capodoperă a lui David Fincher/Aaron Sorkin atinge povestea interioară a timpului nostru: modul în care noul mod de conectare cu ceilalți prin intermediul internetului a fost inventat de oameni – precum tocilarul vizionar Mark Zuckerberg, interpretat cu o răceală magnetică de fast-break de Jesse Eisenberg – care aveau serioase probleme în a se conecta în orice alt mod. Așa că au inventat o lume nouă și curajoasă, sincronizând-o cu spiritul propriei lor detașări. „The Social Network” (Rețeaua socială) este tonic și amuzant, tragic și antrenant, povestit cu genul de panseu pe sârmă fără efort care te face să crezi în puterea filmelor.
2. „La La Land” (2016)
Cel mai vesel film al deceniului, iar bucuria nu este o calitate pe care ar trebui să o luăm de bună (mai ales în zilele noastre). Dar în marile musicaluri precum „Singin’ in the Rain” sau „Moulin Rouge!” sau „The Umbrellas of Cherbourg”, bucuria este adesea reversul unui fel de melancolie răpitoare, una care ne permite să facem un bilanț al cât de frumoase (și trecătoare) pot fi viața și dragostea. Iar versiunea în stil nou a lui Damien Chazelle a unui musical hollywoodian de modă veche are un miez de tristețe sublimă care îi permite să înflorească într-o simfonie dulce-amăruie. Magia filmului se regăsește în numerele muzicale captivante (gândiți-vă la Jacques Demy pus în scenă cu entuziasmul tânărului Spielberg), în povestea melancolică a doi artiști îndrăgostiți (Ryan Gosling și Emma Stone) care se îndrăgostesc unul de celălalt, dar care se pare că nu reușesc să-și pună pasiunea pe drumul cel bun și în devotamentul lui Chazelle față de minunăția vechiului Hollywood, care face ca fiecare moment din „La La Land” să se simtă ca o altă zi de soare.
3. „Mad Max: Fury Road” (2015)
Un film atât de rapid și de furios încât, pe cât de mult mi-a plăcut prima dată, la vizionările ulterioare am simțit că învățam cum să îl privesc, antrenându-mi ochiul pentru a recepționa fiecare salt brici și fiecare tăietură de o fracțiune de secundă. Nu a existat niciodată un poet al acțiunii ca George Miller, care se întoarce la grandoarea iadului pe roți din „Mad Max” și „Războinicul de pe șosea” pentru a crea un film care se bazează pe entuziasmul lor nihilist, folosindu-se de viteză, încă o dată, nu doar pentru a genera senzații tari (deși Dumnezeu știe că face asta), ci pentru a exprima o viziune a existenței – a bărbaților și a femeilor care se aruncă în gol, agățându-se de viață, întrebându-se ce altceva în afară de puterea vitezei lor îi va salva. (În viziunea lui Miller, viteza = Dumnezeu.) În „Fury Road”, Miller creează un spectacol de demolare-derby pentru secolul XXI, în timp ce Max (Tom Hardy), o coajă tocită, face loc femeilor războinice (în frunte cu Charlize Theron) care conduc acum lupta pentru libertate, în timp ce cauciucul atinge drumul.
4. „Before Midnight” (Înainte de miezul nopții) (2013)
„Poveste de căsnicie” este o dramă grozavă despre divorț, dar cel de-al treilea și cel mai puternic dintre filmele „Before” ale lui Richard Linklater este ceva și mai gol și mai transportator: o călătorie prin labirintul emoțional al unei relații care rezistă chiar dacă a început să derapeze. După ce au împărtășit o noapte mohorâtă de fericire conversațională în „Înainte de răsăritul soarelui”, apoi o reîntâlnire care face bilanțul iubirii în care nu au crezut suficient în „Înainte de apusul soarelui”, Jesse (Ethan Hawke) și Céline (Julie Delpy) sunt acum un cuplu de veterani, cu două fete gemene, cu un cumul de amintiri și cu o iubire atât de marmorată de afecțiune și resentimente încât se pot vedea complet… și, într-un alt fel, deloc. Dialogul lui Linklater funcționează la nivelul lui Bergman și Rohmer și al lui „Cui i-e frică de Virginia Woolf?”, iar actorii transformă coborârea lor de la apus la miezul nopții în ceva miraculos de spontan. Sunt doar doi oameni într-o cameră, dragostea lor pâlpâind ca o lumânare care poate sau nu să se stingă.
5. „Hell or High Water” (2016)
Sheer gen-movie heaven. Este vorba despre doi frați, unul nobil (Chris Pine) și unul deloc bun (Ben Foster), dar și despre furturi, jocuri de noroc, rasism, destinul spinos al familiei și mistica încăpățânată a Texasului de Vest, întruchipată de un Ranger texan îmbătrânit (Jeff Bridges), care poate fi cel mai delicios rezolvator de crime lent de la Columbo încoace. Efectul final este cel al unui film noir clasic povestit în lumina soarelui, cu un pumn de umanitate care te va lăsa fără suflare.
6. „Bridesmaids” (2011)
Confesiune adevărată: Nu râd cu voce tare la foarte multe comedii de pe ecran, pentru că întotdeauna am impresia că am mai văzut glumele înainte. Dar, indiferent de câte ori mă uit la această poveste despre prietenie în era pasiv-agresivității și a dezechilibrului de clasă cu susul în jos, râd incontrolabil. Acest lucru se datorează faptului că Kristen Wiig, care a co-scris scenariul și joacă rolul lui Annie, o domnișoară de onoare a cărei nuntă de lux iminentă a unei vechi prietene pare a fi pusă în scenă ca o conspirație pentru a o face să se simtă ca un eșec, a creat o comedie a ratatului nevrotic pe cât de masochist de ridicolă, pe atât de elementară și romantică. Nu este primul film care a dovedit că femeile pot juca jocul comediei răutăcioase, dar este unul dintre singurele filme care a transformat răutatea în artă de tip screwball.
7. „Amour” (2012)
În majoritatea filmelor sale, regizorul austriac Michael Haneke se folosește de voyeurismul său imperios, rece ca gheața, pentru a face jocuri amuzante cu publicul. Dar în această poveste uluitoare despre un cuplu octogenar din Paris, interpretat de legendarii Emmanuelle Riva și Jean-Louis Trintignant, Haneke își însușește stilul său de cădere – tăcerile iscoditoare, camera de filmat holbată, suspansul construit din teama de ceea ce va urma – pentru a spune o poveste despre mistețile bătrâneții care este condusă de un curent alternativ de groază și durere sufletească. După ce personajul lui Riva suferă un atac cerebral, ea este deopotrivă prezentă și absentă, iar ceea ce se întâmplă sugerează o piesă de teatru onirică a lui Stanley Kubrick despre cum dragostea își găsește expresia supremă în moarte. Este un film care îți va tăia respirația prin empatie.
8. „The Tree of Life” (2011)
După ce și-a luat un concediu sabatic de 20 de ani din cinematografie, Terrence Malick a revenit cu „The Thin Red Line”. Dar în „The Tree of Life”, o poveste magnifică despre maturizarea într-un orășel din Texas în anii 1950, Malick a realizat, în sfârșit, o dramă care s-a ridicat la înălțimea incandescenței întunecate a celor două filme legendare ale sale din anii ’70. Secvența extraordinară de creare a universului – gândiți-vă la Cartea Genezei întâlnită cu „2001”, totul realizat în 17 minute – pregătește terenul pentru ceea ce este, în esență, o viziune transcendentă a experienței cotidiene. Camera de filmat a lui Malick mângâie fiecare moment, transformând viața din anii ’50 într-o dioramă de o pregnanță proustiană, iar interpretările lui Brad Pitt (în rolul tatălui sever și exigent) și Jessica Chastain (în rolul mamei a cărei tandrețe face ca furia lui să fie suportabilă) au efectul de neșters de a declanșa sentimente primare despre proprii noștri părinți atunci când erau suficient de tineri pentru a ne bântui în inocența lor plină de defecte.
9. „Mission: Imposibil – Protocolul fantomă” (2011)
Când Tom Cruise, purtând mănuși cu ventuze electronice de aspirație, se târăște ca un păianjen pe suprafața de sticlă impunătoare a Burj Khalifa din Dubai (și nu vă înșelați, este într-adevăr acolo sus, pe cea mai înaltă clădire din lume), el este ca unul dintre oamenii obișnuiți ai lui Hitchcock în circumstanțe extraordinare; ca un supererou din benzile desenate ale cărui puteri sunt de pe acest pământ; ca o vedetă de cinema care face opusul a ceea ce face de obicei – el trăiește aceste mișcări, transformându-le în măsura starului său. Acea secvență uluitoare de vertij este un clasic instantaneu, dar regizorul Brad Bird, în aventura sa ingenioasă și halucinantă din „M:I”, nu se culcă pe laurii scenografiilor sale. El susține entuziasmul unei capcane construite în jurul unei serii de iluzii grandioase care (ca și cascadoriile lui Cruise) ar putea fi reale. Rezultatul este cel mai antrenant blockbuster al epocii sale.
10. „Lady Bird” (2017)
Câțiva spectatori care nu s-au agățat de splendoarea dramei lui Greta Gerwig despre o liceană din Sacramento care trece printr-un an de liceu agitat au spus lucruri de genul: „Este un film bun de maturitate. Dar nu am mai văzut asta înainte?”. Ba da, dar nu l-am mai văzut făcut așa: ca o serie de instantanee de memorie rafinat puse în scenă, toate săltând înainte pentru a crea un întreg sublim mai mare decât suma părților sale. Christine, alias Lady Bird, interpretată de Saoirse Ronan cu o carismă volubilă care este în egală măsură iubire, confuzie și ferocitate, trece de la un băiat la altul, se confundă cu loialitatea care definește prietenia și poartă un război sfânt împotriva mamei sale (Laurie Metcalf) în legătură cu problema dacă va părăsi cuibul californian atunci când va pleca la facultate. Ceea ce descoperă ea cu adevărat, însă, într-un film care se dovedește a fi la fel de religios pe cât este de înțepător, exuberant și emoționant, este gloria vieții însăși.
Cele mai bune 10 filme ale lui Peter Debruge
1. „The Tree of Life” (2011)
Cinematografi precum Carl Theodor Dreyer și Ingmar Bergman au examinat întrebări legate de spiritualitate și conștiință dezbrăcându-și operele de excesul de stil. Terrence Malick face contrariul, infuzând acest act pătrunzător de autoexaminare cu o tehnică care atrage atenția, în timp ce cineastul încearcă să reconcilieze moartea fratelui său cu înțelegerea sa despre o putere superioară. Având în vedere natura intens personală a filmului, înțeleg de ce atât de mulți spectatori l-au găsit provocator, frustrant de insesizabil în multe dintre detaliile sale (cum ar fi scenele cu dinozauri). Și totuși, dezvăluindu-și preocupările sufletului său, autorul existențialist ne invită să explorăm cele mai universale dintre subiecte: credința, familia și pierderea. Privind retrospectiv, presupun că Malick ar fi putut să arunce în aer o secvență cosmică de origine a vieții în oricare dintre filmele sale pentru un plus de greutate metafizică, dar acesta a fost cel în care a fost suficient de îndrăzneț să o facă – iar filmele cu semnificația vieții nu vor mai fi niciodată la fel.
2. „Secret Sunshine” (2010)
Realizatorul coreean Lee Chang-dong a pătruns la publicul american anul trecut cu „Burning”, dar adevărata sa capodoperă este acest film din 2007 – lansat în SUA abia în 2010, ceea ce explică includerea sa pe această listă. Câștigătoare a premiului pentru cea mai bună actriță la festivalul de film de la Cannes, Joen Do-yeon oferă performanța deceniului în rolul unei văduve zguduite de multiple tragedii. La început, ea găsește alinare în religie, mergând chiar până într-acolo încât îl vizitează pe răpitorul fiului ei în închisoare, dar când acesta îi refuză iertarea, ea cedează din nou, împingând înapoi credința sa nou descoperită. Dintr-un motiv oarecare, filmele se feresc să abordeze subiectul religiei, care joacă un rol central în viețile atâtor oameni. Niciun film al secolului XXI nu oferă o examinare mai complexă a acestei lupte personale decât această călătorie epică a sufletului.
3. „Amour” (2012)
Un model de reținere, maestrul austriac Michael Haneke are atât de multă încredere în publicul său încât prezintă o dilemă umană sfâșietoare cu o interferență stilistică minimă: fără mișcări ample ale camerei de filmat, fără indicii muzicale melodramatice care să provoace simpatie sau să manipuleze emoțiile. Mai degrabă, „Amour” se bazează pe forța situației sale de bază – un soț devotat (Jean-Louis Trintignant) decide cum să o ajute cel mai bine pe soția sa invalidă (Emmanuelle Riva) să își pună capăt zilelor, în timp ce fiica lor adultă (Isabelle Huppert) pledează în mod egoist pentru a-i prelungi suferința – și pe interpretările nuanțate ale trei dintre cei mai puternici actori francezi, forțându-ne să umplem golurile cu detalii din propria experiență personală. Nu toată lumea este pregătită pentru un film care nu-ți spune ce să gândești sau să simți, dar puțini sunt cei care înțeleg puterea ambiguității mai bine decât Haneke, a cărui abordare i-a inspirat și pe alții, printre care „Toni Erdmann”, „Force Majeure” și „Roma.”
4. „Eu sunt dragostea” (2010)
Observat în Italia natală a lui Luca Guadagnino, această poveste de dragoste somptuoasă și subversivă – despre o soție imigrantă (Tilda Swinton) într-o familie de lux care cedează în fața unei aventuri cu cel mai bun prieten al fiului ei – ne stimulează toate simțurile fără a recurge la folosirea unor artificii precum 4DX și D-Box, care îți sugrumă scaunul și îți împrăștie parfum pe față. Așa cum publicul avea să experimenteze mai târziu cu „Call Me by Your Name”, Guadagnino manipulează vederea și sunetul – cele două instrumente gemene pe care le are la dispoziție – pentru a ne extinde în mod vibrant experiența, astfel încât putem, practic, să simțim gustul bucatelor, să le simțim mângâierile și să mirosim câmpurile în care fac dragoste. Între timp, politica radicală a filmului este în contradicție cu valorile culturii occidentale, care este scandalizată de ideea că o mamă și-ar putea abandona familia pentru a-și urma inima, în timp ce personajul lui Swinton alege pasiunea în detrimentul patriarhatului, deși cu un cost emoțional enorm.
5. „The Rider” (2018)
Acesta este cel mai apropiat lucru de un film Marvel pe care îl veți găsi pe lista mea – doar pentru că acest film independent poetic de interes uman a convins studioul de supereroi să o angajeze pe regizoarea sa, Chloe Zhao, pentru a conduce viitorul său „The Eternals”. Mai degrabă decât să vândă fantezii, „The Rider” se ocupă de fragilitatea vieții și de limitele visului american, în timp ce un tânăr și chipeș cowboy de rodeo din Rezervația indiană Pine Ridge refuză să accepte faptul că o leziune cerebrală aproape fatală înseamnă că nu ar trebui să se mai urce niciodată pe un cal. Povestea aproape adevărată a fost inspirată de protagonistul lui Zhao, Brady Jandreau, care joacă o versiune încăpățânată a lui însuși – o practică din ce în ce mai des întâlnită în acest deceniu, pe măsură ce tehnicile de documentare se îmbină cu filmul de ficțiune. (A se vedea, de asemenea, „Poveștile pe care le spunem” al lui Sarah Polley, un al doilea din această listă, pentru mai multe inovații pe acest front.)
6. „Son of Saul” (2015)
În ultimul deceniu, un cuvânt tulburător s-a infiltrat în conversația despre filme, în special pe Twitter: „problematic”. De cele mai multe ori, eufemismul se ridică la înălțimea numelui său, în sensul că este folosit pentru a critica operele de artă fără a preciza de fapt ce anume din ele se găsește reprobabil. Menționez această tendință aici pentru că regizorul maghiar László Nemes și-a abordat debutul în lungmetraj fiind pe deplin conștient că pășește pe un teren minat. În ceea ce privește reprezentarea Holocaustului, regizorul filmului „Shoah”, Claude Lanzmann, a fost foarte clar cu privire la ceea ce consideră a fi o problemă, susținând că nicio reconstituire nu poate face dreptate atrocităților care au stat la baza acestuia. Personal, am o părere foarte bună despre „Lista lui Schindler” al lui Steven Spielberg (pe care Lanzmann l-a numit „melodramă kitsch”), dar am fost la fel de impresionat de soluția hiperintelectuală a lui Nemes, care examinează conștiința torturată a unui Sonderkommando evreu de la Auschwitz, fără a exploata tragedia sau a denatura istoria printr-un final de bun augur.
7. „Inside Llewyn Davis” (2013)
Cel mai bun film al fraților Coen de la „Fargo” încoace nu este tocmai un film care să placă publicului: Llewyn Davis (un rol de vedetă pentru Oscar Isaac) este un ticălos înțepător și egocentric, mai preocupat de propria carieră de muzică folk șubredă decât de sentimentele celor din jur. Cu toate acestea, această calitate dură de a iubi este cea care face ca filmul să fie atât de profund. Deși familia Coen nu spune niciodată ce „încearcă să spună” cu un film, există o lecție de viață vitală îngropată în omagiul lor meticulos adus scenei folk din Greenwich Village de la începutul anilor ’60: Este nevoie de o anumită doză de narcisism pentru ca o persoană cu înclinații creative să închidă toate sursele de distragere a atenției și să creeze artă, ceea ce ar putea fi justificabil pentru cineva atât de talentat ca Bob Dylan, dar pentru un cântăreț mai puțin talentat/nefericit ca Davis (modelat după Dave Van Ronk), la un moment dat, trebuie să se maturizeze și să se implice în responsabilitățile sale din lumea reală.
8. „Beasts of the Southern Wild” (2012)
O piesă extatică de artă populară americană încadrată prin ochii unui copil sălbatic cu coafură de tumbleweed pe nume Hushpuppy, debutul regizoral al lui Benh Zeitlin, ieșit de nicăieri, îmbină stilul indie brut cu ambiția mitică (prin intermediul aurolacilor săi metaforici), rămânând singur pe scena cinematografică americană din ultima vreme în descrierea celor care se simt excluși din mass-media, politică și discursul public. Dezvoltând proiectul cu actori neprofesioniști și locuitori ai comunității rurale din bayou în care au filmat, Zeitlin și co-scenarista Lucy Alibar ne-au îndreptat atenția către o enclavă (imaginară) off-the-grid amenințată de influența industriei și a lumii exterioare. Opt ani mai târziu, încă mai așteptăm cel de-al doilea lungmetraj al lui Zeitlin, deși îmi amintesc cu ușurință entuziasmul meu inițial, încă de la primele izbucniri ale partiturii sale răpitoare de coarde, de a fi plonjat în acest microcosmos necunoscut și de a mă lăsa purtat de val.
9. „12 Years a Slave” (12 ani de sclavie) (2013)
De-a lungul istoriei sale, cinematograful a fost un instrument incredibil de expunere a nedreptății, dar America – și Hollywood-ul în special – a întârziat să se confrunte cu cea mai mare rușine a țării: sclavia. În acest succes popular în stil arthouse, regizorul britanic Steve McQueen oferă o relatare fără ocolișuri a acestei experiențe prin ochii unui bărbat de culoare, Solomon Northup, care s-a născut liber, dar a fost păcălit și vândut unui crud proprietar de plantație din sud. Din fericire, Northup a trăit pentru a-și împărtăși povestea cu alții, ceea ce este esențial: Fanteziile revizioniste precum „Django Unchained” al lui Tarantino pot fi cathartice, dar recunoaștem că sunt în mare parte fictive, în timp ce filmul lui McQueen este bazat pe fapte și reconstituit în detalii sfâșietoare, reale. Vor fi cu siguranță unii care vor citi această listă, numărând numărul de regizoare sau regizori din rândul minorităților pe care i-am ales, iar lor le spun: Pe măsură ce industria îmbrățișează o mai mare diversitate în spatele camerei, așteptați-vă la mai multe tratamente de referință ale subiectelor subreprezentate în deceniile următoare.
10. „Waves” (2019)
Cinefilii au întârziat să descopere portretul electric al lui Trey Edward Shults despre o familie americană din clasa de mijloc superioară – poate că nu o vor face niciodată, deși prezic că „Waves” își va găsi în cele din urmă publicul. Cu narațiunea sa divizată și stilul său ultra-saturat, imersiv, filmul a atras comparații cu „Moonlight” al lui Barry Jenkins (care abia a ratat selecția): Ambele filme sunt plasate în sudul Floridei, ambele se concentrează asupra experienței afro-americanilor, deși la capete diferite ale spectrului economic. Ceea ce m-a uimit la „Waves” este cât de viu surprinde Shults detaliile a ceea ce înseamnă să fii în viață în acest moment precis. Camera neliniștită, dinamică și alegerile muzicale pulsatorii arată că limbajul cinematografic evoluează pentru a reflecta mentalitatea milenialilor. „Waves” abordează presiunile exercitate asupra tinerilor de către rețelele de socializare, toxicitatea narcisismului și, în fața unei tragedii, puterea transcendentă a unei conexiuni umane bune, de modă veche.
.
