DevelopmentEdit
Originea filmului se află în cartea Omul de fier (1968), scrisă de poetul Ted Hughes, care a scris romanul pentru copiii săi pentru a-i consola în urma sinuciderii mamei lor Sylvia Plath. În anii 1980, muzicianul rock Pete Townshend a ales să adapteze cartea pentru un album conceptual; acesta a fost lansat sub numele The Iron Man: A Musical în 1989. În 1991, Richard Bazley, care mai târziu a devenit animatorul principal al filmului, i-a propus o versiune a Omului de fier lui Don Bluth în timp ce lucra la studioul său din Irlanda. El a creat o schiță de poveste și schițe de personaje, dar Bluth a refuzat proiectul. După ce a fost montat un muzical de scenă la Londra, Des McAnuff, care adaptase Tommy împreună cu Townshend pentru scenă, a crezut că Omul de fier ar putea fi transpus pe ecran, iar proiectul a fost achiziționat în cele din urmă de Warner Bros. Entertainment.
La sfârșitul anului 1996, în timp ce dezvolta proiectul pe parcurs, studioul a văzut filmul ca pe un vehicul perfect pentru Brad Bird, care în acel moment lucra pentru Turner Feature Animation dezvoltându-l pe Ray Gunn. Turner Broadcasting fuzionase recent cu Time Warner Bros. compania mamă a Warner Bros. Time Warner, iar lui Bird i s-a permis să se transfere la studioul Warner Bros. Animation pentru a regiza Uriașul de fier. După ce a citit cartea originală Iron Man, scrisă de Hughes, Bird a fost impresionat de mitologia poveștii și, în plus, a primit de la Warner Bros. o cantitate neobișnuită de control creativ. Acest control creativ a implicat introducerea a două personaje noi care nu erau prezente în cartea originală, Dean și Kent, plasarea filmului în America și renunțarea la ambițiile muzicale ale lui Townshend (căruia nu i-a păsat în niciun caz, care ar fi comentat: „Ei bine, mă rog, am fost plătit”). Bird avea să dezvolte dorința sa de a plasa filmul în America anilor ’50 într-un interviu ulterior:
Situația din Maine pare idilică în stil Norman Rockwell la exterior, dar în interior totul este pe cale să dea în clocot; toată lumea era speriată de bombă, de ruși, de Sputnik – chiar și de rock and roll. Acest zâmbet încleștat al lui Ward Cleaver care maschează frica (ceea ce, de fapt, este ceea ce însemna personajul Kent). Era mediul perfect în care să arunci un robot de 15 metri înălțime.
Ted Hughes, autorul poveștii originale, a murit înainte de lansarea filmului. Fiica sa, Frieda Hughes, a văzut totuși filmul finalizat în numele său și i-a plăcut foarte mult. Pete Townshend, cu care acest proiect a început inițial și care a rămas ca producător executiv al filmului, s-a bucurat și el de filmul final.
ScenariuEdit
Tim McCanlies a fost angajat să scrie scenariul, deși Bird a fost oarecum nemulțumit de faptul că a avut un alt scenarist la bord, deoarece dorea să scrie el însuși scenariul. Ulterior, s-a răzgândit după ce a citit scenariul lui McCanlies pentru Secondhand Lions, neprodus la acea vreme. În tratamentul original al poveștii lui Bird, America și URSS se aflau în război la final, iar Uriașul murea. McCanlies a decis să aibă o scurtă scenă în care să prezinte supraviețuirea acestuia, declarând: „Nu-l poți ucide pe E.T. și apoi să nu-l aduci înapoi”. McCanlies a terminat scenariul în două luni. McCanlies a primit un program de trei luni pentru a finaliza un scenariu, iar datorită programului strâns al filmului, Warner Bros. „nu a avut timp să se joace cu noi”, după cum a spus McCanlies. Problema poveștii de fond a Uriașului a fost intenționat ignorată pentru ca povestea să se concentreze pe relația acestuia cu Hogarth. Bird a considerat că povestea a fost dificil de dezvoltat din cauza combinației de elemente neobișnuite, cum ar fi „filmele științifico-fantastice paranoice din anii ’50 cu inocența a ceva precum The Yearling”. Hughes însuși a primit o copie a scenariului lui McCanlies și a trimis o scrisoare înapoi, în care spunea cât de mulțumit era de această versiune. În scrisoare, Hughes a declarat: „Vreau să vă spun cât de mult îmi place ceea ce a făcut Brad Bird. A făcut ceva dintr-o bucată, cu un impuls teribil de sinistru care se adună, iar finalul mi-a venit ca o bucată glorioasă de uimire. A făcut o situație dramatică extraordinară din modul în care a dezvoltat „Uriașul de fier”. Nu pot să nu mă mai gândesc la el.”
Bird și-a combinat cunoștințele din anii petrecuți în televiziune pentru a regiza primul său lungmetraj. El a creditat perioada în care a lucrat la Family Dog ca fiind esențială pentru formarea echipei, iar perioada în care a lucrat la The Simpsons ca fiind un exemplu de lucru în termene stricte. A fost deschis față de alte persoane din echipa sa pentru a ajuta la dezvoltarea filmului; adesea le cerea părerea membrilor echipei cu privire la scene și schimba lucrurile în consecință. Una dintre prioritățile sale a fost să pună accentul pe momentele mai blânde, bazate pe personaje, spre deosebire de scenele mai frenetice – un lucru pe care Bird îl considera o problemă a cinematografiei moderne. „Trebuie să existe activitate sau efecte sonore sau tăieturi sau muzică în vâltoare. Este aproape ca și cum publicul ar avea telecomanda și ar trebui să schimbe canalele”, a comentat el la vremea respectivă. Artistul de storyboard Teddy Newton a jucat un rol important în conturarea poveștii filmului. Prima însărcinare a lui Newton în cadrul echipei a constat în faptul că Bird i-a cerut să creeze un film în cadrul unui film pentru a reflecta „filmele de tip igienic pe care toată lumea le-a văzut atunci când a avut loc alarma cu bombă”. Newton a ajuns la concluzia că un număr muzical ar fi cea mai atractivă alternativă, iar secvența „Duck and Cover” a ajuns să devină una dintre preferatele membrilor echipei din film. Poreclit „The X-Factor” de către șeful departamentului de povești, Jeffery Lynch, producătorii i-au dat libertate artistică pe diferite bucăți din scenariul filmului.
AnimațieEdit
Edit
Eșecul financiar al precedentului efort animat al Warner, Quest for Camelot, care a făcut ca studioul să reconsidere filmele de animație, a ajutat la modelarea considerabilă a producției The Iron Giant. „Trei sferturi” din echipa de animație din acea echipă au ajutat la realizarea The Iron Giant. În momentul în care a intrat în producție, Warner Bros. a informat echipa că va exista un buget mai mic, precum și un interval de timp pentru a finaliza filmul. Deși producția a fost urmărită îndeaproape, Bird a comentat: „Ne-au lăsat în pace dacă am ținut totul sub control și le-am arătat că producem filmul în mod responsabil, că îl terminăm la timp și că facem lucruri care sunt bune”. Bird a considerat că schimbul a fost acela de a avea „o treime din banii unui film Disney sau DreamWorks și jumătate din programul de producție”, dar răsplata a fost aceea de a avea mai multă libertate creativă, descriind filmul ca fiind „realizat în totalitate de echipa de animație; nu cred că niciun alt studio poate spune asta la nivelul la care o putem face noi”. O mică parte a echipei a făcut o călătorie de cercetare de o săptămână în Maine, unde au fotografiat și filmat cinci orașe mici. Au sperat să reflecte cu acuratețe cultura acestuia până la cele mai mici detalii; „am filmat fațadele magazinelor, hambarele, pădurile, casele, interioarele caselor, restaurantele, fiecare detaliu pe care l-am putut, inclusiv scoarța de pe copaci”, a declarat designerul de producție Mark Whiting.
Bird s-a ținut de o planificare elaborată a scenelor, cum ar fi animații detaliate, pentru a se asigura că nu există probleme bugetare. Echipa a lucrat inițial cu software-ul Director de la Macromedia, înainte de a trece cu normă întreagă la Adobe After Effects. Bird era nerăbdător să folosească softul pe atunci născocit, deoarece permitea ca storyboard-ul să conțină indicații privind mișcările camerei. Software-ul a devenit esențial pentru acea echipă – supranumită la început „Macro” – pentru a ajuta studioul să prindă rolele de poveste pentru film. De asemenea, acestea i-au permis lui Bird să înțeleagă mai bine de ce avea nevoie filmul din punct de vedere al montajului. În cele din urmă, el a fost mândru de modul în care a fost dezvoltat filmul, menționând că „Am putut să ne imaginăm cu acuratețe ritmul și desfășurarea filmului nostru cu o cheltuială relativ mică de resurse”. Grupul se aduna într-o sală de proiecție pentru a viziona secvențele finalizate, iar Bird oferea sugestii desenând pe ecran cu un marker. Animatorul principal Bazley a sugerat că acest lucru a dus la un sentiment de camaraderie în rândul echipei, care era unită în misiunea lor de a crea un film bun. Bird a citat momentul său preferat din producția filmului ca fiind cel petrecut în sala de montaj, când echipa s-a adunat pentru a testa o secvență în care Uriașul învață ce este un suflet. „Oamenii din cameră plângeau în mod spontan. A fost esențial; a existat un sentiment de netăgăduit că ne atingeam cu adevărat de ceva”, și-a amintit el.
A optat să le dea animatorilor filmului porțiuni pe care să le anime în întregime, mai degrabă decât procesul standard de animare a unui personaj, într-o revenire la modul în care au fost create primele filme Disney. Excepție au făcut cei responsabili de crearea Uriașului însuși, care a fost creat cu ajutorul imaginilor generate pe calculator din cauza dificultății de a crea un obiect metalic „într-o manieră fluidă”. Aceștia au avut probleme suplimentare cu utilizarea modelului computerizat pentru a exprima emoții. Uriașul a fost proiectat de regizorul Joe Johnston, care a fost rafinat de designerul de producție Mark Whiting și de Steve Markowski, animatorul principal al Uriașului. Cu ajutorul unui software, echipa anima Uriașul „la doi” (la fiecare două cadre, sau douăsprezece cadre pe secundă) atunci când interacționa cu alte personaje, pentru a face mai puțin evident faptul că era un model computerizat. Din cauza programului încărcat al filmului, Bird a adus studenți de la CalArts pentru a ajuta la lucrări minore de animație. El a avut grijă să repartizeze munca pe scene între animatorii experimentați și cei mai tineri, observând: „Îi suprasoliciți pe cei mai puternici oameni și îi subîncarci pe ceilalți .” Hiroki Itokazu a proiectat toate elementele de recuzită și vehiculele CGI ale filmului, care au fost create într-o varietate de software, inclusiv Maya de la Alias Systems Corporation, Alias’ PowerAnimator, o versiune modificată a RenderMan de la Pixar, Softimage Creative Environment, Cambridge Animation’s Animo (acum parte a Toon Boom Technologies), Avid Elastic Reality și Adobe Photoshop.
Arta lui Norman Rockwell, Edward Hopper și N.C. Wyeth au inspirat designul. Whiting s-a străduit să obțină culori care să evoce atât perioada de timp în care este plasat filmul, cât și să fie reprezentative pentru tonul emoțional al acestuia; de exemplu, camera lui Hogarth este concepută pentru a reflecta „tinerețea și simțul de uimire” al acestuia. Aceasta a fost îmbinată cu un stil care amintește de ilustrația anilor 1950. Animatorii i-au studiat pe Chuck Jones, Hank Ketcham, Al Hirschfeld și filmele Disney din acea epocă, cum ar fi 101 Dalmațieni, pentru a se inspira în animația filmului.
MusicEdit
Partitura filmului a fost compusă și dirijată de Michael Kamen, fiind astfel singurul film regizat de Bird care nu a fost acompaniat de viitorul său colaborator, Michael Giacchino. Partitura originală temporară a lui Bird, „o colecție de indicii ale lui Bernard Herrmann din filmele sci-fi din anii ’50 și ’60”, l-a speriat inițial pe Kamen. Considerând că sunetul orchestrei este important pentru sentimentul filmului, Kamen „a decis să scotocească prin Europa de Est în căutarea unei orchestre cu un sunet „de modă veche” și a mers la Praga pentru a-l asculta pe Vladimir Ashkenazy dirijând Filarmonica Cehă în Simfonia Alpină de Strauss”. În cele din urmă, Filarmonica Cehă a fost orchestra folosită pentru coloana sonoră a filmului, Bird descriind orchestra simfonică drept „o colecție uimitoare de muzicieni”. Partitura pentru „Uriașul de fier” a fost înregistrată într-o manieră destul de neconvențională, în comparație cu majoritatea filmelor: înregistrată pe parcursul unei săptămâni la Rudolfinum din Praga, muzica a fost înregistrată fără utilizarea convențională a sincronizării muzicii, printr-o metodă pe care Kamen a descris-o într-un interviu din 1999 ca fiind „redarea muzicii ca și cum ar fi o piesă din repertoriul clasic”. Partitura lui Kamen pentru Uriașul de fier a câștigat premiul Annie Award pentru muzică într-o producție de animație pe 6 noiembrie 1999.
Post-producțieEdit
Bird a optat pentru a produce Uriașul de fier în format widescreen – în special raportul de aspect larg 2.39:1 CinemaScope – dar a fost avertizat să nu facă acest lucru de către consilierii săi. El a considerat că era potrivit să folosească acest format, deoarece multe filme de la sfârșitul anilor 1950 au fost produse în astfel de formate widescreen. El a sperat să includă logo-ul CinemaScope pe un poster, parțial ca o glumă, dar 20th Century Fox, proprietarul mărcii comerciale, a refuzat.
Bird și-a amintit mai târziu că a intrat în conflict cu directorii care doreau să adauge personaje, cum ar fi un câine însoțitor, să plaseze filmul în zilele noastre și să includă o coloană sonoră de hip hop. Acest lucru s-a datorat îngrijorării că filmul nu putea fi comercializat, la care Bird a răspuns: „Dacă erau interesați să spună povestea, ar trebui să o lase să fie ceea ce vrea să fie”. De asemenea, filmul urma inițial să fie lansat sub sigla Warner Bros. Family Entertainment, al cărei logo îl înfățișa pe mascota Bugs Bunny într-un smoching, așa cum se vede în trailerul teaser al filmului. Bird s-a opus din mai multe motive, iar în cele din urmă a primit confirmarea că directorii Bob Daley și Terry Semel au fost de acord. În schimb, Bird și echipa sa au dezvoltat o altă versiune a logo-ului care să semene cu logo-ul clasic al studioului într-un cerc, folosit în mod faimos în scurtmetrajele Looney Tunes. El i-a creditat pe directorii executivi Lorenzo di Bonaventura și Courtney Vallenti pentru că l-au ajutat să își realizeze viziunea, menționând că au fost deschiși la părerea sa.
Potrivit unui raport din momentul lansării, producția filmului The Iron Giant a costat 50 de milioane de dolari, cu încă 30 de milioane de dolari pentru marketing, deși Box Office Mojo a raportat ulterior că bugetul a fost de 70 de milioane de dolari. A fost considerat un film cu un buget mai mic, în comparație cu filmele distribuite de Walt Disney Pictures.
.
