Skrivet av:Russ Slater
Publicerad den:3 januari 2020
Från häftig Cubop till afro-buerto ricansk fusion.
Få musikaliska influenser som har spelat en så betydande och konsekvent roll i jazzen som de från Latinamerika.
Cubop var den första uppenbarelsen. Det var det hippa ljudet i 1950-talets New York, när invandrade musiker från Kuba och Puerto Rico började spela med bebop-grundarna. Sedan kom ljuden av samba och bossa nova in på scenen, och en ny vurm för bossajazz tog över.
Med ett kontinuerligt flöde av musiker från Karibien och Brasilien, liksom Argentina och Uruguay, fortsatte USA att vara en heta plats för latinjazz in på 70-talet, och även om saker och ting började mattas av under det följande decenniet har genren fortsatt att hitta nya sätt att återuppfinna sig själv på.
Det finns en omfattande mängd jazz gjord av latinamerikanska musiker som också skulle kunna inkluderas här, men den här listan har valts för att hylla de omfamningar som ägde rum mellan amerikansk jazz och Latinamerika från 1940-talet till 1970-talet, och den musik som påverkades av dessa möten.
Machito
Afro Cuban Jazz
(Clef Records, 1951)
Köp
Den låt som erkänns som den första där jazzmusiker i New York använde sig av den kubanska klaven (och dess 3/2- eller 2/3-rytm) är ”Tanga”, arrangerad av Mario Bauzá 1943 för Machito och hans afrokubaner. Den blev en lokal hit i New York, där Machito spelade regelbundet, men den spelades inte in förrän i slutet av 40-talet. Även då fanns den med på en sammanställning av swing och bop. Med Chico O’Farrill som tog över arrangemangen – och som behöll många av Bauzás innovationer, inklusive det framträdande afrokubanska slagverket – bygger Machito i denna svit på Latinjazzens grundvalar i ”Tanga” med en sofistikerad uppsättning som innehåller några otroliga saxofondueller mellan Charlie Parker och Fred Skerritt (”Mambo”), med Buddy Rich som ger kvalitet på pinnarna (”Rhumba Finale”).
Dizzy Gillespie
Dizzy Gillespie And His Orchestra Featuring Chano Pozo
(Gene Norman Presents, 1954)
Köp
Om Mario Bauzá uppfann latinjazzen så hjälpte Dizzy Gillespie till att popularisera den. Gillespie hade spelat med Bauzá i Cab Calloways orkester och det var Bauzá som introducerade honom för den afrokubanska slagverkaren Chano Pozo, som han genast anställde 1947. Detta var början på det som blev känt som Cubop. Liksom Machitos tidiga material släpptes den musik som Gillespie gjorde med Pozo inte på den tiden. Istället skulle den musik de gjorde tillsammans på bara ett år – Pozo sköts ihjäl på gatan 1948 – släppas senare. ”Manteca” är ett av de få inspelade tillfällena att höra den spännande kombinationen av duon, där man använder sig av en 2/3-klav med bas och slagverk som håller ner saker och ting, medan blåsarna kämpar med Pozos congas.
Kenny Dorham
Afro-Cuban
(Blue Note, 1955/57)
Köp
Dorham förde med sig nya detaljeringsnivåer till Cuboplattan. Höjdpunkterna är mambo/hard bop-fusionen i ”Basheer’s Dream” med Art Blakeys expressiva trummor och ljuvliga floskler från Horace Silver på piano, call-and-response-hornen i ”Afrodisia” och den långsamma, men inte mindre effektfulla, ”Lotus Flower”. Blue Note återutgav albumet 1957 med ytterligare spår, och dessa tillägg, som i stort sett utelämnar afrokubanskt slagverk, innehåller några vackra stunder, den energiska ”La Villa” är ett fint skyltfönster för Dorhams slående trumpetspel.
Cachao Y Su Combo
Descargas Cubanas
(Panart, 1956)
Köp
Havana-liknande after-hours-sessions blev en grej i New York på 50-talet, och ingen var mer förälskad i dessa sessioner än kontrabasisten Israel ”Cachao” López. Dessa jams, som Cachao kallade descargas, kunde pågå i timmar, men på detta oumbärliga jazz-dansalbum är de destillerade till miniatyrutbrott av kubanska rytmer. Spår som ”Descarga Cubana” och ”Malanga Amarilla” förde tillbaka den ohämmade passionen, de synkoperade rytmerna och slagverkssolona från det alltmer sofistikerade Cubop-soundet.
Cal Tjader Sextet
A Night at the Black Hawk
(Fantasy, 1959)
Köp
Cal Tjader var den störste icke-latinamerikanska latin-jazz-kapellmästaren, Cal Tjader, vibesmästaren som hjälpte till att föra in västkustens kyla på jazzlistan, samtidigt som han producerade en omfattande serie latinjazzinspelningar också. Även om Soul Sauce (1965) ofta får mycket beröm, har den här LP:n, inspelad live på Black Hawk, en fantastisk rytmsektion med Willie Bobo (timbales) och Mongo Santamaria (slagverk), och den kubanska tenorsaxofonisten Jose ”Chombo” Silva som extra förstärkare. På låtar som ”A Night in Tunisia” och ”Blue and Sentimental” är de på topp.
Sabu Martinez
Jazz Espagnole
(Alegre Records, 1960)
Köp
Som ersättare för Chano Pozo i Dizzy Gillespies orkester var Martinez definitivt ingen höjdare på conga. Även om han anges som kapellmästare för vad som egentligen var en helt amerikansk ensemble, så struttar han över ett knivskarpt urval av latinska rytmer. ”Delilah” är en släntrande afrokubansk melodi, ”Flamenco Ain’t Bad” är en livlig flamenco-lek och ”Nica’s Dream” (ursprungligen skriven av Horace Silver), en våldsam mini-epos som är ett av de bästa Cubop-spåren som finns.
Luiz Bonfá
Plays and Sings Bossa Nova
(Verve, 1963)
Köp
Det brasilianska inflytandet på den amerikanska jazzen började 1961 när Charlie Byrd skickades ut på en diplomatresa till Sydamerika. Han kom tillbaka fascinerad av bossa nova och samba och släppte 1962 Jazz Samba, ett samarbete med Stan Getz, som sedan skulle gå ett steg längre och samarbeta med brasilianarna João Gilberto och Tom Jobim för den miljonsäljande skivan Getz/Gilberto (1964). Den skivan är på många sätt den definitiva bossajazzskivan, trots att den är alltför likartad. Luiz Bonfá Plays and Sings Bossa Nova är dock ett utmärkt alternativ. Bonfás gitarrspel är genomgående exceptionellt, fullt av uppfinningsrikedom, och han har en mästerlig röst – lyssna bara på hans sång på ”Sambalamento”. De subtila utsmyckningarna från Oscar Castro-Neves på piano, Lalo Schifrins stråkarrangemang och Maria Helena Toledos vackra bakgrundssång gör det hela till en oumbärlig bossajazzskiva.
Mongo Santamaria
Mongo Santamaria Explodes At The Village Gate
(Columbia, 1964)
Köp
En stor del av kärleken till den latinamerikanska musiken inom jazzen kom från slagverkets möjligheter, och Mongo Santamaria var en av de mest eftertraktade slagverkarna. Det var Mongo som uppträdde på Herbie Hancocks enormt populära singel ”Watermelon Man”. Han var en produktiv solokonstnär och en flitig samarbetspartner, och detta är det bästa av hans Live at Village Gate-album, med ett stadigt tempo och en bra punktmarkering från blåssektionen som ger honom utrymme för att improvisera. Det innehåller en gnistrande version av Santamarias signaturmelodi ”Afro Blue”.
Willie Colón
The Hustler
(Fania Records, 1968)
Köp
Den descargas och latinska jams av Cachao, Machito och co. följdes av salsans framväxt i New York och den första och andra generationens kubaner, dominikaner och puertoricaner som ingick i Fania Records register. Jams höll sin plats i liveshower på Village Gate i New York där jazzartister som Dizzy Gillespie kämpade mot salsans bästa improvisatörer. Salsa skulle snart bli en egen sak, men det fanns ett ögonblick då album som detta av trombonisten Willie Colón – med sina dunkande congas, pianoflurror och hypnotiska klaver – visade att salsa och jazz var två sidor av samma mynt. Det eldiga titelspåret eller den Hector Lavoe-ledda vampyren ”Eso Se Baile Así” bekräftar The Hustlers legendariska status.
Eddie Palmieri
Justicia
(Tico, 1969)
Köp
Från så tidigt som 1962 drev Eddie Palmieri den latinska musiken framåt med sin grupp La Perfecta, innan han uppträdde med ett större, horntungt band och släppte album som Superimposition (1970), Vámonos Pa’l Monte (1971) och Harlem River Drive (1971). Det här albumet, Justicia, har lite av allt, med en funkig extended jam som är spetsad med jordskakande piano (”Verdict on Judge Street”), sociala kommentarer (”Everything is Everything”), salsa (”Justicia”) och tung batucada (”My Spiritual Indian”).
Gato Barbieri
Fénix
(Flying Dutchman, 1971)
Köp
Barbieri var en argentinsk tenorsaxofonist rakt ur den fria jazzskolan av Coltrane, Ayler och Sanders. I mitten av 70-talet hade han dock skrivit kontrakt med A&M Records och ökade på smaltzen med Herb Alpert i spetsen. Dessförinnan hade han dock spelat in en rad fantastiska album, bland annat Fénix, på det oberoende skivbolaget Flying Dutchman. Även om det är Barbieris saxofon som tar fart på varje låt är det den rytmiska kontrollen och gruppens subtila texturer som gör Fénix så spännande. Lonnie Liston Smiths piano är ihärdigt hela tiden, Naná Vasconcelos lägger till intressanta brasilianska toner, medan Ron Carters basspel gör det möjligt för Barbieri att våga sig så långt ut som han vill.
Moacir Santos
Maestro
(Blue Note, 1972)
Köp
Och det råder ingen tvekan om att Coisas (1965) är Moacir Santos mästerverk, är det också ett otroligt svårt album att kategorisera – en samling vackra, utsmyckade orkesterverk inspirerade av afro-brasilianska melodier och gregorianska sånger. Det är med andra ord inte riktigt jazz i traditionell mening, även om Santos skulle komma att bli mer involverad i den sidan av det musikaliska universumet när han flyttade till L.A. 1967 för att ge ut ett antal album på Blue Note. Det här första albumet, där hans röst är starkt framträdande, är en lugnande, själfull utgåva som bara tycks bli bättre med åren.
Ray Barretto
Que Viva La Musica
(Fania Records, 1972)
Köp
Que Viva La Musica är lite av en dold skatt i Barrettos diskografi. Barretto var känd för att ha ett av de häftigaste salsabanden där ute, med ett trippelhornsanfall, samt att han gav ut några fina jazz/salsa-crossovers – La Cuna, Carnaval och Acid är alla värda att kolla in. Que Viva existerar någonstans mellan alla dessa. Om det låter avslappnat ibland är det för att det alltid finns en överraskning runt hörnet. Alumnen börjar med titelspåret och en slingrande sång som backas upp av ett fladdrande piano och Barrettos häftiga conga-spel. Sedan kommer hornen in, sången skärps och saker och ting börjar skaka om. ”Alafia Cumaye” har ett starkt afro-puerto ricanskt inflytande, medan den drygt 10 minuter långa ”Cocinando” helt enkelt är ren eld.
Flora Purim
Butterfly Dreams
(Milestone, 1973)
Köp
Färsk från sin tid med Return to Forever, Den brasilianska sångerskan Flora Purim spelade in det här albumet, ett av de bästa brasilianska jazzfusionsplattorna som finns, med högtempojams som ”Dr Jive” och den mer lugna ”Dindi”. Den extraordinära basen Stanley Clarke är vid hennes sida hela tiden, liksom George Duke på tangenter och Airto Moreira på slagverk, vilket gör att de bildar en formidabel grupp. Albumets höjdpunkt är förmodligen ”Moon Dreams”, en låt som först låter som anspråkslös bossajazz för att sedan bryta ut i nya texturer och rytmer.
Elis Regina & Antonio Carlos Jobim
Elis & Tom
(Philips, 1974)
Köp
Elis var utan tvekan en av Brasiliens största röster, hennes själfulla, starkt jazzinfluerade stil såg till att hennes verk aldrig bara kunde hamna i bakgrunden. Bossa nova-pionjären Tom Jobim får medkredit på denna, men de får också sällskap av ett otroligt band med gitarristen Oscar Castro-Neves, pianisten César Mariano och trummisen Paulinho Braga. Även om en del bossa inte har klarat tidens prövning låter den här inspelningen fortfarande fräsch.
Irakere
Grupo Irakere
(Areito, 1976)
Köp
En av de mest framåttänkande jazzgrupperna på 1970-talet kom från Kuba, som i allt högre grad var avskuret från den amerikanska scenen till följd av de politiska relationerna mellan de två länderna. Deras debut från 1974 var en svidande musik, med wah-wah-gitarr och eldiga horn som ibland gränsade till psykrock. I uppföljaren etablerade de sig som en latinjazzgrupp att räkna med, delvis tack vare Arturo Sandoval och Roberto Plá i gruppen, där Paquito D’ Rivera och Chucho Valdes redan ingick. Namnen skulle komma att dominera latinjazzscenen på 80-talet, och i deras tidiga utflykter på Grupo Irakere hörs bandet sträcka ut sig på ”En Nosotros” och ”Iyá”, ge lite gitarreld på ”38 ½” och experimentera vilt med up-tempo slagverk och horn på albumöppnaren ”Chequere Son”.
Charlie Palmieri
A Giant Step
(Tropical Budda Records, 1984)
Köp
Under 1980-talet hade latinjazzbubblan i stort sett brutit. Medan andra kämpade för uppfinningsrikedom gjorde Charlie Palmieri fortfarande utmärkt musik, bland annat den här bältaren, som erbjuder ett skyltfönster för hans rytmiska pianospel som aldrig känns överdrivet. Den ihärdiga takten i ”Rhumba Rhapsody” ger Palmieri massor av utrymme för att improvisera. Även om en överdriven tillit till virtuositet kan vara ett problem, visar Palmieri här hur man gör det på rätt sätt.
Perujazz
Perujazz
(Vampisoul, 1987/2016)
Köp
Trots sin brist på inspelat material hade Perujazz ett stort inflytande på peruansk musik och får nu äntligen större erkännande. Perujazz består av erfarna musiker från Perus psykrockscen på 60-talet och det tidiga 70-talet och bildades 1984 med avsikt att kombinera jazz med afroperuanska och andinska rytmer och instrumentering. Deras slagverkare Chocolate, som använder cajón, var nyckeln till detta, liksom trummisen Manongo Mújicas fria tillvägagångssätt. I kombination med saxofon och bas var de en visionär grupp med få jämlikar. Detta är deras officiella debut, ursprungligen släppt i Italien 1987 som Verde Machu Picchu och återutgiven 2016 med nytt konstverk.
Arturo Sandoval
Hot House
(N2K Records, 1998)
Köp
Sandoval var en av flera kubanska musiker, däribland Chucho Valdes, Paquito D’Rivera (som båda också var medlemmar i Irakere) och Gonazalo Rubalcaba som bidrog till att återuppliva latinjazzen på 80- och 90-talen, ofta genom sin virtuositet såväl som genom sina ständiga formskiften (från ballader till spirituals till hard bop). På det här albumet drar Sandoval ner på show-stealing och hyllar 50- och 60-talens cha-cha-cha’s och mambos. ”Funky Cha-Cha-Cha-Cha” är glödande, med Sandoval på flöjelhorn, det finns en svängig hyllning till Tito Puente på ”Tito” och hornsektionens framträdande på ”Sandunga” är bombastiskt.
Daymé Arocena
Cubafonia
(Brownswood Recordings, 2017)
Köp
Daymé Arocena är en av de bästa nya latin-jazzrösterna som vuxit fram de senaste åren. Med en sång som kan gå från Etta Fitzgerald scat till kraftfullt neo-soul-hul, visade Arocena på detta andra album att hon också är en fantastisk låtskrivare med en spännande attityd till jazzens potential att flytta gränser. ”Eleggua” är en klagande öppnare med spoken word dränkt av olycksbådande sånger som påminner om Kamasi Washington, innan den svängiga jazzen i ”La Rumba Me Llamo Yo” och den funkigare ”Lo Que Fue” växlar upp saker och ting på ett trevligt sätt. Med en nick till den klassiska latinjazzen, liksom hennes engagemang för Santería-religionen, tar Arocena formen till nya territorier.
