Kymmenen vuotta sitten Netflix oli harmiton DVD-by-mail-yhtiö, Marvelin tsunami oli vasta testaamassa ”Iron Manin” ja ”Thorin” kanssa, ja ”Star Wars”-imperiumi kuului vielä George Lucasille, ei Disneylle. Ainoa julkkis, josta tuli Yhdysvaltain presidentti, oli ”Bedtime for Bonzo” -tähti Ronald Reagan, Amazon oli paikka, josta sai halpoja kirjoja, ei Sundance-elokuvafestivaalin suurin tuhlaaja, ja ”pilvi” oli jotain, jonka yläpuolella leijui Carl Fredricksenin CG-talo, eikä tapa, jolla ihmiset näyttivät Pixar-elokuvia.
Jos nuo kuvaukset eivät saisi aikaan nostalgista tunnelmaa, kannattaa muistaa, että ”Twilightia” lukuun ottamatta Hollywood-elokuvia tekivät enimmäkseen valkoihoiset miehet valkoisesta miehestä. Yleisöt löysivät äänensä viime vuosikymmenen aikana ja kertoivat alalle, miltä heistä tuntui – ja studiot kuuntelivat, tai ainakin alkoivat kuunnella, kun kritiikki #OscarsSoWhite ja #TimesUp saivat aikaan seismisen muutoksen alalla. Saattaa kestää vielä 10 vuotta, ennen kuin näiden liikkeiden vaikutus tuntuu täysin, kun taas jotkut lukijat odottavat tasavertaisuutta tämänkaltaisilta listoilta, joissa Varietyn elokuvakriitikot Owen Gleiberman ja Peter Debruge määrittelevät viime vuosikymmenen parhaat elokuvat.
Klikkaa tästä lukeaksesi Peter Debrugen listan.
Owen Gleibermanin 10 parasta elokuvaa
1. ”The Social Network” (2010)
Se on yksi niistä täydellisistä elokuvista, kuten ”All the President’s Men” tai ”Dazed and Confused” tai ”Sweet Smell of Success”, jonka voi katsoa yhä uudelleen ja uudelleen ja uudelleen. Se syöksyy, kiehtoo, säkenöi ja resonoi; jokainen hetki on ketterästi viihdyttävä ja olennainen. Tämä David Fincherin ja Aaron Sorkinin mestariteos tarttuu Facebookin syntytarinaan ja koskettaa aikamme sisäistä tarinaa: sitä, miten uudenlaisen internetin kautta tapahtuvan yhteydenpidon keksivät ihmiset – kuten visionäärinörtti Mark Zuckerberg, jota Jesse Eisenberg näyttelee magneettisella pikavauhtikylmähermoisuudella – joilla oli vakavia vaikeuksia luoda yhteyksiä millään muulla tavalla. Niinpä he keksivät uuden uljaan maailman synkronoimalla sen oman irrallisuutensa henkeen. ”The Social Network” on piristävä ja hauska, traaginen ja riemastuttava, ja se on kerrottu sellaisella vaivattomalla korkealentoisella menolla, joka saa uskomaan elokuvien voimaan.
2. ”La La Land” (2016)
Kymmenen vuoden riemukkain elokuva, eikä riemu ole itsestäänselvyys (varsinkaan nykyään). Mutta suurissa musikaaleissa, kuten ”Singin’ in the Rain”, ”Moulin Rouge!” tai ”Cherbourgin sateenvarjot”, ilo on usein eräänlaisen haltioituneen melankolian kääntöpuoli, joka antaa meille mahdollisuuden arvioida, kuinka kaunista (ja ohimenevää) elämä ja rakkaus voivat olla. Damien Chazellen uudentyylisessä versiossa vanhan koulukunnan Hollywood-musikaalista on ytimenä ylevää surua, joka antaa sen kukoistaa katkeransuloiseksi sinfoniaksi. Elokuvan taikaa on sen mukaansatempaavissa musikaalinumeroissa (ajattele Jacques Demyä, joka on lavastettu nuoren Spielbergin innolla), haikeassa tarinassa kahdesta rakastuneesta viihdyttäjästä (Ryan Gosling ja Emma Stone), jotka rakastuvat toisiinsa mutta eivät saa intohimoaan raiteilleen, ja Chazellen omistautumisessa vanhan Hollywoodin ihmeellisyydelle, joka saa jokaisen hetken ”La La Landissa” tuntumaan uudelta auringonpaisteelta.
3. ”Mad Max: Fury Road” (2015)
Elokuva on niin nopea ja hurja, että niin paljon kuin rakastin sitä ensimmäisellä kerralla, seuraavilla katselukerroilla tunsin oppivani katsomaan sitä, harjaannuttamaan silmääni ottamaan vastaan jokaisen raa’an harppauksen ja sekunnin murto-osan leikkauksen. George Millerin kaltaista toimintarunoilijaa ei ole koskaan ollut. Hän palaa ”Mad Maxin” ja ”Tiensoturin” helvetilliseen pyöräilyyn luodakseen elokuvan, joka perustuu näiden elokuvien nihilistiseen jännitykseen. Hän ei käytä nopeutta jälleen kerran vain jännityksen tuottamiseen (vaikka Jumala tietää, että hän tekee sitäkin), vaan ilmaisemaan näkemyksen olemassaolosta – miehistä ja naisista, jotka syöksyvät ohi tyhjyyttään ja roikkuvat henkensä kaupalla miettien, mikä muukaan kuin nopeutensa voima pelastaisi heidät. (Millerin visiossa nopeus = Jumala.) ”Fury Roadissa” Miller luo 2000-luvulle sopivan räjäytys-derby-spektaakkelin, kun Max (Tom Hardy), tylppä kuori, tekee tilaa naissotureille (Charlize Theronin johdolla), jotka nyt johtavat vapaustaistelua, kun kumi osuu tielle.
4. ”Ennen keskiyötä” (2013)
”Avioliittotarina” on hieno draama avioerosta, mutta Richard Linklaterin ”Ennen”-elokuvista kolmas ja voimakkain on jotain vieläkin alastomampaa ja mukaansatempaavampaa: matka parisuhteen emotionaaliseen labyrinttiin, joka pitää kiinni, vaikka se on alkanut ajautua karille. Jaettuaan ”Before Sunrise” -elokuvassa kuutamoisen keskustelevan autuuden yön ja sitten ”Before Sunset” -elokuvassa jälleennäkemisen, jossa tehdään tilannekatsaus rakkauteen, johon heillä ei ollut tarpeeksi uskoa, Jesse (Ethan Hawke) ja Céline (Julie Delpy) ovat nyt veteraanipariskunta, jolla on kaksoistytöt, muistojen kasaantuminen ja rakkaus, joka on niin marmoroitunut kiintymyssävyjen ja kaunan sekoittamana, että he pystyvät näkemään toisensa täydellisesti… ja toisella tapaa myös, etteivät he näe toisiaan ollenkaan. Linklaterin dialogi toimii Bergmanin ja Rohmerin ja ”Kuka pelkää Virginia Woolfia?” -elokuvan tasolla, ja näyttelijät muuttavat heidän laskeutumisensa auringonlaskusta keskiyöhön joksikin ihmeen spontaaniksi. He ovat vain kaksi ihmistä huoneessa, ja heidän rakkautensa välkkyy kuin kynttilä, joka voi sammua tai olla sammumatta.
5. ”Hell or High Water” (2016)
Täydellinen genre-elokuvan taivas. Se kertoo kahdesta veljeksestä, toinen jalosta (Chris Pine) ja toinen kelvottomasta (Ben Foster), ja se kertoo myös varastamisesta, uhkapelistä, rasismista, perheen kiperästä kohtalosta ja Länsi-Teksasin jääräpäisestä mystiikasta, jota ruumiillistaa vanheneva Texas Ranger (Jeff Bridges), joka saattaa olla herkullisin hidastempoinen rikoksenratkaisija sitten Columbon. Lopputulos on kuin auringonvalossa kerrottu klassinen film noir, jonka inhimillisyyden isku tyrmää sinut.
6. ”Morsiusneidot” (2011)
Tosi tunnustus: En naura ääneen kovinkaan monelle valkokangaskomedialle, koska minusta tuntuu aina, että olen nähnyt vitsit ennenkin. Mutta riippumatta siitä, kuinka monta kertaa katson tämän tarinan ystävyydestä passiivis-aggressiivisen yhdenvertaisuuden ja ylösalaisin menevän luokkatasapainon aikakaudella, nauran hillittömästi. Se johtuu siitä, että Kristen Wiig, joka on mukana käsikirjoittamassa käsikirjoitusta ja näyttelee Annieta, morsiusneitoa, jonka vanhan kaverin lähestyvät hienot häät vaikuttavat lavastetulta salaliitolta, jonka tarkoituksena on saada hänet tuntemaan itsensä epäonnistuneeksi, on luonut valkokankaalle komedian neuroottisesta luuseriudesta, joka on yhtä masokistisen raivostuttava kuin alkeellinen ja romanttinen. Se ei ole ensimmäinen elokuva, joka todistaa, että naiset voivat pelata rivoakin komediaa, mutta se on yksi ainoista elokuvista, joka tekee rivoudesta screwball-taidetta.
7. ”Amour” (2012)
Useimmissa elokuvissaan itävaltalainen ohjaaja Michael Haneke käyttää mahtipontista jääkylmää tirkistelyä leikitelläkseen hauskoja leikkejä yleisön kanssa. Mutta tässä häkellyttävässä tarinassa kahdeksankymppisestä pariisilaispariskunnasta, jota näyttelevät legendaariset Emmanuelle Riva ja Jean-Louis Trintignant, Haneke käyttää pudottavaa tyyliään – tutkailevia hiljaisuuksia, tuijottavaa kameraa, jännitystä, joka rakentuu pelosta sen suhteen, mitä seuraavaksi on tulossa – kertoakseen tarinan vanhenemisen mysteereistä, jota kuljettaa kauhun ja sydänsurun vuorotteleva virta. Kun Rivan hahmo saa aivohalvauksen, hän on sekä paikalla että poissa, ja tapahtumat viittaavat Stanley Kubrickin uninäytelmään siitä, miten rakkaus löytää lopullisen ilmaisunsa kuolemassa. Se on elokuva, joka imee henkeä empatiasta.
8. ”The Tree of Life” (2011)
Vietettyään 20 vuoden sapattivapaan elokuvasta Terrence Malick palasi elokuvalla ”The Thin Red Line”. Mutta juuri ”The Tree of Life”, upea tarina kasvamisesta Texasin pikkukaupungissa 1950-luvulla, oli se, jolla Malick vihdoin ja viimein teki draaman, joka vastasi hänen kahden 70-luvun tarunhohtoisen elokuvansa synkkää hehkua. Poikkeuksellinen maailmankaikkeuden luomiskohtaus – ajatelkaa, että Genesiksen kirja kohtaa ”2001:n”, kaikki 17 minuutissa – luo pohjan sille, mikä on pohjimmiltaan transsendentti näkemys jokapäiväisestä kokemuksesta. Malickin kamera hivelee jokaista hetkeä ja tekee 50-luvun elämästä Proustin runollisuuden dioraaman, ja Brad Pittin (ankarasti vaativana isänä) ja Jessica Chastainin (äitinä, jonka hellyys tekee isän vihan siedettäväksi) näyttelemät Brad Pittin ja Jessica Chastainin (äitinä, jonka hellyys tekee isän vihan siedettäväksi) esitykset herättävät alkukantaisia tuntemuksia, jotka koskettavat omia vanhempiamme silloin, kun he olivat tarpeeksi nuoria kummitellakseen meitä virheellisessä syyttömyydessään.
9. ”Tehtävä: Impossible – Ghost Protocol” (2011)
Kun Tom Cruise ryömii elektronisiin imukuppihanskoihin pukeutuneena kuin hämähäkki Dubaissa sijaitsevan Burj Khalifan korkealle kohoavalla lasipinnalla (älkääkä erehtykö, hän on todella siellä ylhäällä, maailman korkeimmassa rakennuksessa), hän on kuin yksi Hitchcockin tavallisista miehistä poikkeuksellisissa olosuhteissa; kuin sarjakuvan supersankari, jonka voimat ovat maanpäällisiä; kuin elokuvatähti, joka tekee täysin päinvastoin kuin pelkkiä toimintojaan – hän elää toimintojaan ja tekee niistä tähteytensä mittarin. Tuo tyrmäävä huimauskohtaus on välitön klassikko, mutta ohjaaja Brad Bird ei lepää M:I-seikkailussaan mielen käänteentekevän nerokkaalla tavalla lavasteiden laakereilla. Hän pitää yllä jännitystä, joka perustuu suuriin illuusioihin, jotka (kuten Cruisen stunt-työ) saattavat olla todellisia. Tuloksena on aikakautensa riemastuttavin blockbuster.
10. ”Lady Bird” (2017)
Jotkut katsojat, jotka eivät jääneet koukkuun Greta Gerwigin draaman loistokkuuteen, joka kertoo Sacramenton lukiolaisesta, joka käy läpi rasittavaa lukiovuottaan, sanoivat asioita kuten: ”Se on hyvä coming-of-age-elokuva. Mutta emmekö ole nähneet sitä ennenkin?” Kyllä, mutta emme ole nähneet sitä tällä tavalla: sarjana hienosti lavastettuja muistokuvia, jotka kaikki hyppäävät eteenpäin luoden kokonaisuuden, joka on ylevämmin suurempi kuin osiensa summa. Christine eli Lady Bird, jota Saoirse Ronan esittää räiskyvällä karismalla, jossa on yhtä paljon rakkautta, hämmennystä ja raivokkuutta, kulkee pojasta toiseen, törmää ystävyyttä määrittelevään uskollisuuteen ja käy pyhää sotaa äitiään (Laurie Metcalf) vastaan siitä, jättääkö hän Kalifornian pesän lähtiessään opiskelemaan. Todellisuudessa hän kuitenkin löytää itse elämän ihanuuden elokuvassa, joka osoittautuu yhtä lailla uskonnolliseksi kuin piikikkääksi, riemukkaaksi ja liikuttavaksi.
Peter Debrugen 10 parasta elokuvaa
1. ”Elämän puu” (2011)
Elokuvataiteilijat, kuten Carl Theodor Dreyer ja Ingmar Bergman, tutkivat henkisyyden ja omantunnon kysymyksiä riisumalla teoksistaan liiallisen tyylin. Terrence Malick tekee päinvastoin ja täyttää tämän lävistävän itsetutkiskelun teoksen huomiota herättävällä tekniikalla, kun elokuvantekijä yrittää sovittaa yhteen veljensä kuoleman ja käsityksensä korkeammasta voimasta. Kun otetaan huomioon elokuvan erittäin henkilökohtainen luonne, ymmärrän, miksi niin monet katsojat pitivät sitä haastavana ja turhauttavana ja monien yksityiskohtiensa (kuten dinosauruskohtausten) osalta arvoituksellisena. Paljastamalla sielunsa huolenaiheet eksistentialistinen kirjailija kuitenkin kutsuu meidät tutkimaan yleisimpiä aiheita: uskoa, perhettä ja menetystä. Jälkikäteen ajateltuna Malick olisi varmaan voinut lisätä metafyysistä painoarvoa lisäämällä mihin tahansa elokuvaansa kosmisen elämän alkulähteestä kertovan kohtauksen, mutta tässä elokuvassa hän uskalsi tehdä sen rohkeasti – eivätkä elämän merkityksen elokuvat ole enää koskaan entisensä.
2. ”Salainen auringonpaiste” (2010)
Korealainen ohjaaja Lee Chang-dong teki läpimurron amerikkalaiselle yleisölle viime vuonna elokuvalla ”Burning”, mutta hänen todellinen mestariteoksensa on tämä vuonna 2007 valmistunut elokuva – joka julkaistiin Yhdysvalloissa vasta vuonna 2010, mikä selittää sen sisällyttämisen tähän listaan. Cannesin elokuvajuhlien parhaan naispääosan palkinnon voittanut Joen Do-yeon tekee vuosikymmenen parhaan suorituksen leskenä, jota koettelevat useat tragediat. Aluksi hän löytää lohtua uskonnosta ja menee jopa niin pitkälle, että vierailee poikansa kidnappaajan luona vankilassa, mutta kun tämä hylkää hänen anteeksiantonsa, hän napsahtaa jälleen ja vastustaa uutta uskoaan. Jostain syystä elokuvat karttavat uskontoa, jolla on keskeinen rooli niin monen ihmisen elämässä. Mikään 2000-luvun elokuva ei tarjoa monimutkaisempaa tarkastelua tuosta henkilökohtaisesta kamppailusta kuin tämä eeppinen sielunmatka.
3. ”Amour” (2012)
Maltillisuuden malliesimerkki, itävaltalainen mestari Michael Haneke luottaa yleisöönsä niin paljon, että hän esittelee raastavan inhimillisen pulman minimaalisella tyylillisellä puuttumisella: ei pyyhkäiseviä kameranliikkeitä, ei myötätuntoa herätteleviä melodramaattisia musiikinsoittoja tai tunteiden manipulointia. Pikemminkin ”Amour” luottaa ydintilanteensa vahvuuteen – uskollinen aviomies (Jean-Louis Trintignant) päättää, miten parhaiten auttaa invalidisoitunutta vaimoaan (Emmanuelle Riva) lopettamaan elämänsä, kun taas heidän aikuinen tyttärensä (Isabelle Huppert) ajaa itsekkäästi kärsimyksen pitkittämistä – ja kolmen Ranskan vahvimman näyttelijän vivahteikkaisiin suorituksiin, jotka pakottavat meidät täyttämään aukkoja yksityiskohdilla omista henkilökohtaisista kokemuksistamme. Kaikki eivät ole valmiita elokuvaan, joka ei kerro, mitä ajatella tai tuntea, mutta harva ymmärtää monitulkintaisuuden voiman paremmin kuin Haneke, jonka lähestymistapa on inspiroinut muita, muun muassa ”Toni Erdmann”, ”Force Majeure” ja ”Roma”.”
4. ”Minä olen rakkaus” (2010)
Tämä Luca Guadagninon kotimaassa Italiassa unohdettu, runsas ja kumouksellinen romanssi – joka kertoo yläluokkaiseen perheeseen kuuluvasta maahanmuuttajavaimosta (Tilda Swinton), joka antaa periksi suhteelle poikansa parhaan ystävän kanssa – stimuloi kaikkia aistejamme turvautumatta 4DX:n ja D-Boxin kaltaisiin kikkailuihin, jotka kuristavat istuimesi ja suihkuttelevat parfyymiä kasvoillesi. Kuten yleisö myöhemmin kokisi ”Call Me by Your Name” -elokuvassa, Guadagnino manipuloi näköä ja ääntä – hänen käytössään olevia kaksoistyökaluja – laajentaakseen elävästi kokemustamme niin, että voimme käytännössä maistaa ruoan, tuntea heidän hyväilynsä ja haistaa pellot, joilla he rakastelevat. Samalla elokuvan radikaali politiikka on ristiriidassa länsimaisen kulttuurin arvojen kanssa, jota pöyristyttää ajatus siitä, että äiti voisi hylätä perheensä seuratakseen sydäntään, kun taas Swintonin hahmo valitsee intohimon patriarkaatin sijasta, vaikkakin valtavan emotionaalisen hinnan uhalla.
5. ”The Rider” (2018)
Tämä on lähimpänä Marvel-elokuvaa, jonka löydät listaltani – vain siksi, että tämä runollinen ihmiskeskeinen indie sai supersankaristudion vakuuttuneeksi siitä, että se palkkaa ohjaajansa Chloe Zhaon ohjaamaan tulevan ”The Eternals” -elokuvansa. Fantasioiden myymisen sijaan ”The Rider” käsittelee elämän haurautta ja amerikkalaisen unelman rajallisuutta, kun Pine Ridge -intiaanireservaatissa asuva komea nuori rodeo-cowboy kieltäytyy hyväksymästä, että lähes kuolemaan johtanut aivovamma tarkoittaa, ettei hänen pitäisi enää koskaan nousta hevosen selkään. Lähes totuudenmukainen tarina sai inspiraationsa Zhaon päähenkilöstä, Brady Jandreausta, joka näyttelee omapäistä versiota itsestään – käytäntö, joka on yleistynyt, kun dokumenttielokuvan tekniikat ja fiktioelokuvan tekeminen nivoutuvat yhteen tällä vuosikymmenellä. (Katso myös Sarah Polleyn ”Tarinoita, joita kerromme”, joka on tämän listan kakkonen, jossa on lisää innovaatioita tällä rintamalla.)
6. ”Son of Saul” (2015)
Viime vuosikymmenen aikana huolestuttava sana on soluttautunut elokuvista käytävään keskusteluun, erityisesti Twitterissä: ”ongelmallinen”. Useimmiten kiertoilmaus on nimensä veroinen siinä mielessä, että sitä käytetään taideteosten kritisoimiseen määrittelemättä varsinaisesti, mitä niissä on jonkun mielestä paheksuttavaa. Mainitsen trendin tässä yhteydessä, koska unkarilainen ohjaaja László Nemes lähestyi debyyttielokuvaansa täysin tietoisena siitä, että hän astui miinakentälle. Holokaustin kuvausten osalta Shoah-elokuvan ohjaaja Claude Lanzmann on ilmaissut varsin selvästi, mikä on hänen mielestään ongelma, ja väittänyt, ettei mikään rekonstruktio voi tehdä oikeutta taustalla oleville julmuuksille. Henkilökohtaisesti pidän Steven Spielbergin ”Schindlerin listaa” (jota Lanzmann kutsui ”kitschy melodraamaksi”), mutta olin yhtä lailla lamaantunut Nemesin hyper-intellektuaalisesta ratkaisusta, jossa hän tutkii juutalaisen Sonderkommandon piinattua omaatuntoa Auschwitzissa käyttämättä tragediaa hyväkseen tai vääristelemättä historiaa hyvän mielen loppuratkaisun avulla.
7. ”Inside Llewyn Davis” (2013)
Coenin veljesten paras elokuva sitten ”Fargon” ei ole mikään yleisönsuosikki: Llewyn Davis (Oscar Isaacin tähtirooli) on piikikäs, itsekeskeinen ääliö, joka on enemmän huolissaan omasta horjuvasta kansanmusiikkiurastaan kuin ympärillään olevien tunteista. Silti juuri tämä rakkaudettomuus tekee elokuvasta niin syvällisen. Vaikka Coenit eivät koskaan kerro, mitä he ”yrittävät sanoa” elokuvalla, heidän huolella toteutettuun kunnianosoitukseensa 60-luvun alun Greenwich Village -folkiskenelle on kätketty elintärkeä elämänoppi: Bob Dylanin kaltaisen lahjakkaan henkilön kohdalla tämä saattaa olla perusteltua, mutta Davisin kaltaisen vähemmän lahjakkaan/onnekkaan laulajan (Dave Van Ronkin esikuvana) on jossain vaiheessa kasvettava aikuiseksi ja kannettava vastuunsa todellisessa elämässä.
8. ”Beasts of the Southern Wild” (2012)
Benh Zeitlinin ekstaattinen teos amerikkalaista kansantaidetta, joka on kehystetty Hushpuppyksi kutsutun villi-lapsen silmin. Benh Zeitlin sekoittaa raa’an indie-tyylittelyn ja myyttisen kunnianhimon toisiinsa (metaforisen auroksinsa kautta), ja se seisoo yksinään amerikkalaisessa elokuvakentässä viime aikoina kuvatessaan niitä, jotka tuntevat itsensä syrjäytyneiksi mediasta, politiikasta ja julkisesta diskurssista. Zeitlin ja toinen käsikirjoittaja Lucy Alibar kehittivät projektia ei-ammattimaisten näyttelijöiden ja kuvausten kohteena olleen lahden maaseutuyhteisön asukkaiden kanssa ja käänsivät huomiomme (kuvitteelliseen) syrjäiseen erillisalueeseen, jota teollisuuden ja ulkomaailman vaikutus uhkaa. Kahdeksan vuotta myöhemmin odotamme yhä Zeitlinin toista elokuvaa, vaikka muistan helposti, miten innostuin jo elokuvan alkupuolella, kun sen hurmaava jousisäestys soi, kun minut syöksytettiin tähän tuntemattomaan mikrokosmokseen ja minut otettiin mukaan ajelulle.
9. ”12 Years a Slave” (2013)
Kautta historiansa elokuva on ollut uskomaton väline epäoikeudenmukaisuuden paljastamiseen, mutta Amerikka – ja erityisesti Hollywood – on ollut hidas kohtaamaan maan suurimman häpeän: orjuuden. Tässä arthouse-tyylisessä populaarimenestyksessä brittiläinen ohjaaja Steve McQueen antaa häikäilemättömän kuvauksen tästä kokemuksesta mustan miehen, Solomon Northupin, silmin, joka syntyi vapaana mutta huijattiin ja myytiin julmalle etelävaltioiden plantaasinomistajalle. Onneksi Northup jäi henkiin kertoakseen tarinansa muille, mikä on avainasemassa: Tarantinon Django Unchainedin kaltaiset revisionistiset fantasiat voivat olla katarttisia, mutta tunnistamme, että ne ovat suurelta osin fiktiota, kun taas McQueenin elokuva perustuu tosiasioihin ja se on kuvattu uudelleen järkyttävin, todentuntuisin yksityiskohdin. Jotkut varmasti lukevat tämän listan ja laskevat, kuinka monta nais- tai vähemmistöohjaajaa olen valinnut, ja heille sanon seuraavaa:
10. ”Waves” (2019)
Elokuvakävijät ovat olleet hitaita löytämään Trey Edward Shultsin sähköisen muotokuvan amerikkalaisesta ylemmän keskiluokan perheestä – ehkä he eivät koskaan löydä, vaikka ennustankin, että ”Waves” löytää lopulta yleisönsä. Jaetulla kerronnallaan ja ultrakylläisellä, mukaansatempaavalla tyylillään elokuva on herättänyt vertauksia Barry Jenkinsin ”Moonlight” -elokuvaan (joka tuskin jäi elokuvasta ulkopuolelle): Molemmat elokuvat sijoittuvat Etelä-Floridaan, ja molemmissa keskitytään afroamerikkalaisiin kokemuksiin, vaikkakin taloudellisen spektrin eri päissä. Minua hämmästytti ”Wavesissa” se, miten elävästi Shults kuvaa yksityiskohtia siitä, mitä tarkoittaa olla elossa juuri tällä hetkellä. Levoton, dynaaminen kamera ja sykkivä musiikki osoittavat, että elokuvan kieli kehittyy vastaamaan vuosituhannen vaihteen ajattelutapaa. ”Waves” käsittelee sosiaalisen median nuorille asettamia paineita, narsismin myrkyllisyyttä ja tragedian edessä hyvän, vanhanaikaisen inhimillisen yhteyden ylittävää voimaa.
