Tien jaar geleden was Netflix een onschuldig dvd-per-mailbedrijf, de Marvel-tsunami was nog maar net het water aan het testen met “Iron Man” en “Thor”, en het “Star Wars”-imperium behoorde nog steeds toe aan George Lucas, niet aan Disney. De enige beroemdheid die president van de Verenigde Staten werd, was “Bedtime for Bonzo”-ster Ronald Reagan, Amazon was een plek waar je naartoe ging om goedkope boeken te kopen, niet de grootste spender op het Sundance Film Festival, en “de wolk” was iets waar Carl Fredricksens CG-huis boven zweefde in plaats van de manier waarop mensen Pixar-films vertonen.
Opdat deze beschrijvingen je nostalgisch maken, bedenk dan dat, afgezien van “Twilight”, Hollywoodfilms meestal werden gemaakt door en over blanke mannen. Het publiek heeft in het afgelopen decennium zijn stem gevonden en de industrie laten weten hoe ze zich voelden – en studio’s luisterden, of begonnen dat in ieder geval te doen, toen de kritiek van #OscarsSoWhite en #TimesUp een seismische verandering in de industrie teweegbracht. Het kan nog 10 jaar duren voordat de impact van die bewegingen volledig voelbaar is, terwijl sommige lezers pariteit zullen verwachten in lijsten als deze, waarin Variety-filmcritici Owen Gleiberman en Peter Debruge de beste films van het afgelopen decennium identificeren.
Klik hier om de lijst van Peter Debruge te lezen.
Owen Gleiberman’s 10 Best Movies
1. “The Social Network” (2010)
Het is een van die perfecte films, zoals “All the President’s Men” of “Dazed and Confused” of “Sweet Smell of Success,” die je opnieuw en opnieuw en opnieuw kunt bekijken. Hij raast, fascineert, sprankelt en resoneert; elk moment is behendig onderhoudend en essentieel. Dit meesterwerk van David Fincher en Aaron Sorkin gaat in op het verhaal van de oprichting van Facebook en raakt het innerlijke verhaal van onze tijd: hoe de nieuwe manier om via internet met anderen in contact te komen werd uitgevonden door mensen – zoals de visionaire geek Mark Zuckerberg, met een magnetische fast-break chill gespeeld door Jesse Eisenberg – die ernstige problemen hadden om op een andere manier met elkaar in contact te komen. Dus vonden ze een dappere nieuwe wereld uit door die te synchroniseren met de geest van hun eigen onthechting. “The Social Network” is dapper en grappig, tragisch en opwindend, verteld met het soort moeiteloze high-wire panache dat je doet geloven in de kracht van films.
2. “La La Land” (2016)
De meest vreugdevolle film van het decennium, en vreugde is geen kwaliteit die we als vanzelfsprekend moeten beschouwen (vooral deze dagen). Maar in grote musicals als “Singin’ in the Rain” of “Moulin Rouge!” of “The Umbrellas of Cherbourg,” is vreugde vaak de keerzijde van een soort verrukkelijke melancholie, een die ons in staat stelt om de balans op te maken van hoe mooi (en vluchtig) het leven en de liefde kunnen zijn. En Damien Chazelle’s nieuwe stijl versie van een old-school Hollywood musical heeft een kern van sublieme droefheid die het laat uitbloeien tot een bitterzoete symfonie. De magie van de film zit hem in de meeslepende muzikale nummers (denk aan Jacques Demy geënsceneerd met de gretigheid van de jonge Spielberg), in het weemoedige verhaal van twee verliefde entertainers (Ryan Gosling en Emma Stone) die voor elkaar vallen maar hun passie niet op de rails kunnen krijgen, en in Chazelle’s toewijding aan het wonder van het oude Hollywood, waardoor elk moment van “La La Land” aanvoelt als een nieuwe dag zon.
3. “Mad Max: Fury Road” (2015)
Een film zo snel en heftig dat hoezeer ik er de eerste keer ook van hield, bij latere kijkbeurten voelde ik dat ik leerde hoe ik ernaar moest kijken, mijn oog trainde om elke razendsnelle sprong en split-second cut in me op te nemen. Er is nog nooit een actiedichter geweest als George Miller, die terugkeert naar de grootsheid van de hel op wielen van “Mad Max” en “The Road Warrior” om een film te maken die voortbouwt op hun nihilistische opwinding, waarbij hij snelheid opnieuw gebruikt, niet alleen om sensatie te genereren (hoewel God weet dat hij dat doet), maar om een visie op het bestaan uit te drukken – van mannen en vrouwen die langs de leegte razen, zich vastklampend aan hun dierbare leven, zich afvragend wat behalve de kracht van hun snelheid hen zal redden. (In de visie van Miller, snelheid = God.) In “Fury Road” creëert Miller een sloop-derby spektakel voor de 21e eeuw, als Max (Tom Hardy), een afgestompt omhulsel, plaats maakt voor de vrouwelijke strijders (geleid door Charlize Theron) die nu de strijd voor vrijheid leiden als het rubber de weg raakt.
4. “Before Midnight” (2013)
“Marriage Story” is een geweldig drama over echtscheiding, maar de derde en krachtigste van Richard Linklater’s “Before”-films is iets dat nog naakter en transporterender is: een reis door het emotionele labyrint van een relatie die standhoudt, zelfs als deze op de klippen begint te lopen. Na het delen van een zwoele nacht van gespreksgeluk in “Before Sunrise,” dan een reünie die de balans opmaakt van de liefde waar ze niet genoeg geloof in hadden in “Before Sunset,” Jesse (Ethan Hawke) en Céline (Julie Delpy) zijn nu een veteraan koppel, met tweeling meisjes, een achterstand van herinneringen, en een liefde zo gemarmerd met genegenheid en wrok dat ze elkaar volledig kunnen zien … en, op een andere manier, helemaal niet. Linklater’s dialoog werkt op het niveau van Bergman en Rohmer en “Who’s Afraid of Virginia Woolf?”, en de acteurs veranderen hun afdaling van zonsondergang naar middernacht in iets wonderbaarlijk spontaans. Het zijn gewoon twee mensen in een kamer, hun liefde flakkerend als een kaars die wel of niet uit kan gaan.
5. “Hell or High Water” (2016)
Scheer genre-film hemel. Het gaat over twee broers, een nobel (Chris Pine) en een no good (Ben Foster), en het gaat ook over stelen, gokken, racisme, het netelige lot van familie, en de koppige mystiek van West Texas, zoals belichaamd door een ouder wordende Texas Ranger (Jeff Bridges) die misschien wel de meest verrukkelijke slow-poke crime-solver sinds Columbo is. Het uiteindelijke effect is dat van een klassieke film noir verteld in zonlicht, met een stoot van menselijkheid die de wind uit je slaat.
6. “Bridesmaids” (2011)
Echte bekentenis: Ik lach niet hardop om heel veel komedies op het scherm, omdat ik altijd het gevoel heb dat ik de grappen al eerder heb gezien. Maar hoe vaak ik ook kijk naar dit verhaal over vriendschap in het tijdperk van passief-agressieve one-upmanship en topsy-turvy klasse onevenwichtigheid, ik moet onbedaarlijk lachen. Dat komt omdat Kristen Wiig, die meeschreef aan het scenario en de hoofdrol speelt als Annie, een bruidsmeisje van wie het op handen zijnde chique huwelijk van een oude vriendin in scène lijkt te zijn gezet als een samenzwering om haar het gevoel te geven dat ze een mislukkeling is, een komedie over neurotische losbandigheid heeft gecreëerd die even masochistisch en hilarisch is als elementair en romantisch. Het is niet de eerste film die bewijst dat vrouwen het spel van de rauwe komedie kunnen meespelen, maar het is wel een van de weinige films die raunch tot screwball-kunst verheft.
7. “Amour” (2012)
In de meeste van zijn films gebruikt de Oostenrijkse regisseur Michael Haneke zijn ijskoude voyeurisme om grappige spelletjes met het publiek te spelen. Maar in dit onthutsende verhaal over een tachtigjarig Parijs echtpaar, gespeeld door de legendarische Emmanuelle Riva en Jean-Louis Trintignant, gebruikt Haneke zijn dodelijke stijl – de indringende stiltes, de gurende camera, de spanning die is opgebouwd uit de angst voor wat komen gaat – om een verhaal te vertellen over de mysteries van de ouderdom dat wordt aangedreven door een wisselende stroom van horror en hartzeer. Nadat Riva’s personage een beroerte krijgt, is ze zowel daar als niet daar, en wat zich ontvouwt doet denken aan een droomspel van Stanley Kubrick over hoe liefde haar ultieme uitdrukking vindt in de dood. Het is een film die je de adem beneemt in empathie.
8. “The Tree of Life” (2011)
Na een sabbatical van 20 jaar uit de cinema, kwam Terrence Malick terug met “The Thin Red Line”. Maar het was in “The Tree of Life”, een prachtig verhaal over opgroeien in een klein stadje in Texas tijdens de jaren 1950, dat Malick eindelijk een drama maakte dat de donkere gloed van zijn twee legendarische films uit de jaren ’70 kon evenaren. De buitengewone sequentie over de schepping van het universum – denk aan het Boek Genesis dat 2001 ontmoet, en dat alles in 17 minuten – zet de toon voor wat in wezen een transcendente visie is op de alledaagse ervaring. Malicks camera streelt elk moment en maakt van het leven in de jaren ’50 een diorama van Proustiaanse ontroering, en de vertolkingen van Brad Pitt (als de streng veeleisende vader) en Jessica Chastain (als de moeder wier tederheid zijn woede draaglijk maakt) hebben het onuitwisbare effect dat ze oergevoelens opwekken over onze eigen ouders toen ze jong genoeg waren om ons te achtervolgen in hun gebrekkige onschuld.
9. “Mission: Impossible – Ghost Protocol” (2011)
Als Tom Cruise, met elektronische zuignap-handschoenen, als een spin over het torenhoge glazen oppervlak van de Burj Khalifa in Dubai kruipt (en vergis je niet, hij is echt daarboven, op het hoogste gebouw ter wereld), is hij als een van Hitchcocks gewone mannen in buitengewone omstandigheden; als een superheld uit een stripboek wiens krachten van deze aarde zijn; als een filmster die het tegenovergestelde doet van een routineuze vertoning – hij beleeft de routine en maakt er de maatstaf van zijn sterrendom van. Die verpletterende duizelingwekkende scène is een instant klassieker, maar regisseur Brad Bird rust in zijn breinbrekende ingenieuze “M:I”-avontuur niet op zijn set-piece-eerlijkheden. Hij houdt de spanning vast van een capriolen dat is opgebouwd rond een reeks grootse illusies die (net als het stuntwerk van Cruise) net echt zouden kunnen zijn. Het resultaat is de meest opwindende blockbuster van zijn tijd.
10. “Lady Bird” (2017)
Sommige kijkers die niet inhaakten op de pracht van Greta Gerwig’s drama over een middelbare scholier uit Sacramento die haar beladen laatste jaar doormaakt, zeiden dingen als: “Het is een goede coming-of-age-film. Maar hebben we dat niet al eerder gezien?” Ja, maar zo hebben we het nog niet gezien: als een serie prachtig geënsceneerde momentopnames van herinneringen, die allemaal naar voren springen om een geheel te creëren dat subliem groter is dan de som van de delen. Christine, ook bekend als Lady Bird, gespeeld door Saoirse Ronan met een volumineus charisma dat gelijk is aan liefde, verwarring en wreedheid, gaat van de ene jongen naar de andere, botst op de loyaliteit die vriendschap definieert, en voert een heilige oorlog tegen haar moeder (Laurie Metcalf) over de vraag of ze het nest van Californië zal verlaten als ze naar de universiteit gaat. Maar wat ze echt ontdekt, in een film die even religieus als stekelig, uitbundig en ontroerend blijkt te zijn, is de glorie van het leven zelf.
Peter Debruge’s 10 Best Movies
1. “The Tree of Life” (2011)
Cinema-kunstenaars als Carl Theodor Dreyer en Ingmar Bergman onderzochten vragen over spiritualiteit en geweten door hun werk te ontdoen van overdadige stijl. Terrence Malick doet het tegenovergestelde door deze indringende daad van zelfonderzoek te overgieten met aandachttrekkende techniek, terwijl de filmmaker de dood van zijn broer probeert te rijmen met zijn begrip van een hogere macht. Gezien de intens persoonlijke aard van de film, begrijp ik waarom zoveel toeschouwers de film een uitdaging vonden, frustrerend ondoorgrondelijk in zo veel details (zoals de dinosaurusscènes). En toch, door de zorgen van zijn ziel bloot te leggen, nodigt de existentialistische auteur ons uit om die meest universele onderwerpen te verkennen: geloof, familie en verlies. Achteraf gezien denk ik dat Malick in elk van zijn films een kosmische origin-of-life-sequentie had kunnen stoppen voor extra metafysisch gewicht, maar dit was de film waarin hij het lef had om het te doen – en films over de betekenis van het leven zullen nooit meer hetzelfde zijn.
2. “Secret Sunshine” (2010)
Koreaanse regisseur Lee Chang-dong brak vorig jaar door bij het Amerikaanse publiek met “Burning,” maar zijn ware meesterwerk is deze film uit 2007 – pas in 2010 uitgebracht in de VS, wat zijn opname in deze lijst verklaart. Joen Do-yeon, winnares van de prijs voor beste actrice op het filmfestival van Cannes, levert de prestatie van het decennium als een weduwe die wordt geteisterd door meerdere tragedies. Aanvankelijk vindt ze troost in religie en gaat ze zelfs op bezoek bij de ontvoerder van haar zoon in de gevangenis, maar als hij haar vergeving afwijst, knapt ze weer en zet ze zich af tegen haar nieuwgevonden geloof. Om wat voor reden dan ook schuwen films het onderwerp religie, dat een centrale rol speelt in het leven van zovelen. Geen enkele film van de 21e eeuw biedt een complexer onderzoek naar die persoonlijke strijd dan deze epische reis van de ziel.
3. “Amour” (2012)
Als toonbeeld van terughoudendheid vertrouwt de Oostenrijkse meester Michael Haneke zijn publiek zozeer dat hij een verscheurend menselijk dilemma presenteert met minimale stilistische inmenging: geen ingrijpende camerabewegingen, geen melodramatische muziekstukken om sympathie op te wekken of emoties te manipuleren. In plaats daarvan vertrouwt “Amour” op de kracht van zijn kernsituatie – een toegewijde echtgenoot (Jean-Louis Trintignant) beslist hoe hij zijn invalide vrouw (Emmanuelle Riva) het beste kan helpen een einde aan haar leven te maken, terwijl hun volwassen dochter (Isabelle Huppert) egoïstisch pleit voor het verlengen van haar lijden – en de genuanceerde vertolkingen van drie van de sterkste acteurs van Frankrijk, waardoor we gedwongen worden de gaten in te vullen met details uit onze eigen persoonlijke ervaring. Niet iedereen is klaar voor een film die je niet vertelt wat je moet denken of voelen, maar weinigen begrijpen de kracht van ambiguïteit beter dan Haneke, wiens aanpak anderen heeft geïnspireerd, waaronder “Toni Erdmann,” “Force Majeure,” en “Roma.”
4. “I Am Love” (2010)
Over het hoofd gezien in Luca Guadagnino’s geboorteland Italië, deze weelderige en subversieve romance – over een immigrantenvrouw (Tilda Swinton) in een chique familie die toegeeft aan een affaire met de beste vriend van haar zoon – prikkelt al onze zintuigen zonder gebruik te maken van gimmicks als 4DX en D-Box die je stoel verstikken en parfum in je gezicht spuiten. Zoals het publiek later zou ervaren met “Call Me by Your Name”, manipuleert Guadagnino zicht en geluid – de twee instrumenten die hij tot zijn beschikking heeft – om onze ervaring levendig uit te breiden, zodat we het koken praktisch kunnen proeven, hun liefkozingen kunnen voelen en de velden kunnen ruiken waarin ze de liefde bedrijven. Ondertussen druist de radicale politiek van de film in tegen de waarden van de westerse cultuur, die geschandaliseerd wordt door het idee dat een moeder haar familie in de steek zou kunnen laten om haar hart te volgen, terwijl Swintons personage de passie verkiest boven het patriarchaat, zij het tegen een enorme emotionele prijs.
5. “The Rider” (2018)
Dit is het dichtst bij een Marvel-film die je op mijn lijst zult vinden – alleen omdat deze poëtische human-interest indie de superheldenstudio ervan overtuigde om de regisseur ervan, Chloe Zhao, in te huren om zijn aankomende “The Eternals” te leiden. In plaats van fantasieën te verkopen, gaat “The Rider” over de kwetsbaarheid van het leven en de beperkingen van de Amerikaanse Droom als een knappe jonge rodeo cowboy op de Pine Ridge Indian Reservation weigert te accepteren dat een bijna-fatale hersenbeschadiging betekent dat hij nooit meer op een paard moet stappen. Het bijna waargebeurde verhaal werd geïnspireerd door Zhao’s hoofdrolspeler, Brady Jandreau, die een eigenzinnige versie van zichzelf speelt – een praktijk die dit decennium steeds vaker voorkomt nu documentaire technieken samengaan met fictief filmmaken. (Zie ook Sarah Polley’s “Stories We Tell,” een runner-up van deze lijst, voor verdere vernieuwing op dat front.)
6. “Son of Saul” (2015)
In de afgelopen tien jaar is een verontrustend woord geïnfiltreerd in de gesprekken over films, vooral op Twitter: “problematisch.” Dit eufemisme doet zijn naam eer aan, omdat het wordt gebruikt om kunstwerken te bekritiseren zonder aan te geven wat men er precies bezwaarlijk aan vindt. Ik noem de trend hier omdat de Hongaarse regisseur László Nemes zich bij het begin van zijn speelfilmdebuut terdege realiseerde dat hij zich in een mijnenveld begaf. Wat de weergave van de Holocaust betreft, is “Shoah”-regisseur Claude Lanzmann heel duidelijk geweest over wat hij als het probleem beschouwt, met het argument dat geen enkele re-creatie recht kan doen aan de onderliggende gruwelijkheden. Persoonlijk vind ik Steven Spielbergs “Schindler’s List” (door Lanzmann een “kitscherig melodrama” genoemd) geweldig, maar ik was evenzeer gevloerd door Nemes’ hyperintellectuele omweg, waarin hij het gekwelde geweten van een Joods Sonderkommando in Auschwitz onderzoekt zonder de tragedie uit te buiten of de geschiedenis verkeerd voor te stellen via een feelgood-einde.
7. “Inside Llewyn Davis” (2013)
De beste film van de gebroeders Coen sinds “Fargo” is niet bepaald een publiekstrekker: Llewyn Davis (een glansrol voor Oscar Isaac) is een stekelige, egocentrische eikel die zich meer bezighoudt met zijn eigen gammele folk-muziekcarrière dan met de gevoelens van de mensen om hem heen. Toch is het die hard-to-love kwaliteit die de film zo diepzinnig maakt. Hoewel de Coens nooit zeggen wat ze “proberen te zeggen” met een film, ligt er een belangrijke levensles begraven in hun nauwgezette hommage aan de vroege jaren ’60 Greenwich Village folkscene: Het vergt een zekere mate van narcisme voor een creatief ingesteld persoon om alle afleidingen buiten te sluiten en kunst te maken, wat misschien te rechtvaardigen is voor iemand zo begaafd als Bob Dylan, maar voor een minder getalenteerde/gelukkige zanger als Davis (gemodelleerd naar Dave Van Ronk), op een gegeven moment, moet hij opgroeien en zich bezighouden met zijn verantwoordelijkheden in de echte wereld.
8. “Beasts of the Southern Wild” (2012)
Een extatisch stukje Amerikaanse volkskunst door de ogen van een met struiken begroeid wild kind genaamd Hushpuppy. Benh Zeitlins bolt-out-of-nowhere-regiedebuut combineert een rauwe indiestijl met mythische ambitie (via de metaforische oeros) en staat op zichzelf in de Amerikaanse filmscene van de laatste tijd door zijn weergave van mensen die zich buitengesloten voelen van de media, de politiek en het publieke debat. Zeitlin en coauteur Lucy Alibar ontwikkelden het project met niet-professionele acteurs en bewoners van de landelijke bayou-gemeenschap waar ze filmden, en richtten onze aandacht op een (denkbeeldige) off-the-grid enclave die bedreigd wordt door de invloed van de industrie en de buitenwereld. Acht jaar later wachten we nog steeds op Zeitlins tweede speelfilm, maar ik kan me nog goed mijn aanvankelijke opwinding herinneren, vanaf de openingsuitbarstingen van de verrukkelijke strijkersscore, over het feit dat ik in deze onbekende microkosmos werd ondergedompeld en werd meegesleurd voor de rit.
9. “12 Years a Slave” (2013)
In de loop van de geschiedenis is de film een ongelooflijk instrument geweest om onrechtvaardigheid aan de kaak te stellen, maar Amerika – en Hollywood in het bijzonder – heeft de grootste schande van het land, de slavernij, maar traag onder ogen gezien. In dit arthouse-achtige populaire succes brengt de Britse regisseur Steve McQueen een onverbloemd verslag van die ervaring door de ogen van een zwarte man, Solomon Northup, die vrij werd geboren maar werd bedrogen en verkocht aan een wrede zuidelijke plantage-eigenaar. Gelukkig leefde Northrup nog om zijn verhaal met anderen te delen, en dat is essentieel: Revisionistische fantasieën zoals Tarantino’s “Django Unchained” kunnen catharsisch zijn, maar we weten dat ze grotendeels fictief zijn, terwijl McQueen’s film op feiten is gebaseerd en in schrijnende, levensechte details is nagespeeld. Er zullen zeker mensen zijn die deze lijst lezen en het aantal vrouwelijke of minderheidsregisseurs tellen dat ik heb gekozen, en tegen hen zeg ik: Naarmate de industrie meer diversiteit achter de camera omarmt, verwacht dan meer baanbrekende behandelingen van ondervertegenwoordigde onderwerpen in de komende decennia.
10. “Waves” (2019)
Bioscoopbezoekers zijn traag geweest om Trey Edward Shults’ elektrische portret van een upper-middle-class Amerikaanse familie te ontdekken – misschien zullen ze dat nooit doen, hoewel ik voorspel dat “Waves” uiteindelijk zijn publiek zal vinden. Met zijn gespleten verhaal en ultraverzadigde, meeslepende stijl, heeft de film vergelijkingen getrokken met Barry Jenkins’ “Moonlight” (die de cut net niet haalde): Beide films spelen zich af in Zuid-Florida, beide focussen op de Afro-Amerikaanse ervaring, zij het aan verschillende uiteinden van het economische spectrum. Wat mij verbaasde aan “Waves” is hoe levendig Shults de details vastlegt van wat het betekent om op dit precieze moment in de tijd te leven. De rusteloze, dynamische camera en de pulserende muziek laten zien hoe filmtaal evolueert om de mentaliteit van de millennials te weerspiegelen. “Waves” gaat in op de druk die sociale media op jongeren uitoefenen, op de giftigheid van narcisme en, in het licht van tragedie, op de transcendente kracht van goede, ouderwetse menselijke connecties.
