Written by:Russ Slater
Published on:January 3, 2020
Od zadziornego Cubopu do afro-portorykańskiego fusion.
Niewiele jest wpływów muzycznych, które odegrały tak znaczącą i konsekwentną rolę w jazzie jak te z Ameryki Łacińskiej.
Cubop był pierwszym objawieniem. Był to modny dźwięk Nowego Jorku lat 50-tych, gdy muzycy migranci z Kuby i Puerto Rico zaczęli grać z twórcami bebopu. Następnie na scenę wkroczyły dźwięki samby i bossa novy i zapanował nowy szał na bossa jazz.
Dzięki ciągłemu napływowi muzyków z Karaibów i Brazylii, a także Argentyny i Urugwaju, Stany Zjednoczone nadal były gorącym zagłębiem latynoskiego jazzu w latach 70-tych, i choć w następnej dekadzie sytuacja zaczęła się pogarszać, gatunek ten nadal znajdował nowe sposoby na odkrywanie siebie na nowo.
Pomimo, że istnieje ogromna ilość jazzu stworzonego przez latynoskich muzyków, który mógłby być również tutaj zawarty, ta lista została wybrana, aby uczcić objęcia, które miały miejsce pomiędzy amerykańskim jazzem i Ameryką Łacińską od lat 40-tych do 70-tych, oraz muzykę, na którą wpłynęły te spotkania.
Machito
Afro Cuban Jazz
(Clef Records, 1951)
Kup
Piosenką uznawaną za pierwszą, w której muzycy jazzowi w Nowym Jorku wykorzystali kubańskie clave (i jego rytm 3/2 lub 2/3) jest „Tanga”, zaaranżowana przez Mario Bauzę w 1943 roku dla Machito i jego Afro-Cubans. Utwór ten okazał się lokalnym hitem w Nowym Jorku, gdzie Machito grał regularnie, ale nie został nagrany aż do późnych lat 40-tych. Nawet wtedy znalazła się na kompilacji swingu i bopu. Z Chico O’Farrill przejmując aranżacje – i zachowując wiele innowacji Bauzá, w tym wyeksponowanie afro-kubańskiej perkusji – ta suita widzi Machito budującego na fundamentach latynoskiego jazzu „Tanga” z wyrafinowanym zestawem, który zawiera kilka niesamowitych pojedynków saksofonowych pomiędzy Charlie Parker i Fred Skerritt (’Mambo’), z Buddy Rich zapewniającym jakość na pałeczkach (’Rhumba Finale’).
Dizzy Gillespie
Dizzy Gillespie And His Orchestra Featuring Chano Pozo
(Gene Norman Presents, 1954)
Kup
Jeśli Mario Bauzá wymyślił jazz latynoski, to Dizzy Gillespie pomógł go spopularyzować. Gillespie grał z Bauzą w orkiestrze Caba Callowaya i to właśnie Bauzá przedstawił go afrokubańskiemu perkusiście Chano Pozo, którego natychmiast zatrudnił w 1947 roku. To był początek tego, co stało się znane jako Cubop. Podobnie jak w przypadku wczesnego materiału Machito, muzyka, którą Gillespie tworzył z Pozo nie została wydana w tamtym czasie. Zamiast tego, muzyka, którą stworzyli razem w ciągu zaledwie jednego roku – Pozo został zastrzelony na ulicy w 1948 roku – została wydana później. 'Manteca’ jest jedną z niewielu nagranych okazji, by usłyszeć porywającą kombinację duetu, wykorzystującą clave 2/3 z basem i perkusją trzymającą wszystko w ryzach, podczas gdy rogi walczą z congami Pozo.
Kenny Dorham
Afro-Cuban
(Blue Note, 1955/57)
Kup
Dorham wniósł nowe poziomy szczegółowości do brzmienia Cubop. Najważniejsze momenty to mambo/hard bopowa fuzja 'Basheer’s Dream’ z ekspresyjną perkusją Arta Blakey’a i słodkimi rozkwitami Horace’a Silvera na fortepianie, call-and-response rogów w 'Afrodisia’ i powolny, ale nie mniej efektowny 'Lotus Flower’. Blue Note wznowił album w 1957 roku z dodatkowymi utworami, a te dodatki, które w dużej mierze pomijają afro-kubańską perkusję, zawierają kilka pięknych momentów, a energiczny 'La Villa’ jest wspaniałym popisem uderzającej gry Dorhama na trąbce.
Cachao Y Su Combo
Descargas Cubanas
(Panart, 1956)
Kup
Sesje po godzinach w stylu Havany stały się modne w Nowym Jorku w latach 50-tych, a nikt nie był bardziej zakochany w tych sesjach niż kontrabasista Israel „Cachao” López. Te sesje, które Cachao nazywał descargas, mogły trwać godzinami, ale na tym niezbędnym jazzowo-tanecznym albumie są one wydestylowane do miniaturowych wybuchów kubańskich rytmów. Utwory takie jak 'Descarga Cubana’ i 'Malanga Amarilla’ przywróciły nieokiełznaną pasję, synkopowane rytmy i perkusyjne solówki z coraz bardziej wyrafinowanego brzmienia Cubop.
Cal Tjader Sextet
A Night at the Black Hawk
(Fantasy, 1959)
Kup
Największy nielatynoski bandleader jazzu latynoskiego, Cal Tjader był mistrzem wibracji, który pomógł wprowadzić West Coast cool na jazzowe listy przebojów, jednocześnie produkując obszerną serię nagrań jazzu latynoskiego. Choć Soul Sauce (1965) często zbiera pochwały, ten LP, nagrany na żywo w Black Hawk, zawiera zabójczą sekcję rytmiczną Willie Bobo (timbales) i Mongo Santamaria (perkusja), z dodatkowym oomphonem kubańskiego saksofonisty tenorowego Jose „Chombo” Silvy. Utwory takie jak 'A Night in Tunisia’ i 'Blue and Sentimental’ ukazują ich w szczytowej formie.
Sabu Martinez
Jazz Espagnole
(Alegre Records, 1960)
Kupuj
Jako zastępca Chano Pozo w orkiestrze Dizzy’ego Gillespie, Martinez zdecydowanie nie próżnował na conga. Choć wymieniany jako bandleader tego, co było w istocie całkowicie amerykańskim zespołem, on prezentuje swoje umiejętności w ostrym jak brzytwa wyborze latynoskich rytmów. Delilah” to krocząca afrokubańska melodia, „Flamenco Ain’t Bad” to żywiołowa zabawa we flamenco, a „Nica’s Dream” (oryginalnie napisany przez Horace’a Silvera) to zadziorny mini-epik, który jest jednym z najlepszych utworów Cubop.
Luiz Bonfá
Plays and Sings Bossa Nova
(Verve, 1963)
Kup
Brazylijski wpływ na amerykański jazz rozpoczął się w 1961 roku, kiedy Charlie Byrd został wysłany na dyplomatyczną wycieczkę do Ameryki Południowej. Wrócił zachwycony bossa novą i sambą, wydając w 1962 roku Jazz Samba, kolaborację ze Stanem Getzem, który następnie poszedł o krok dalej, łącząc siły z Brazylijczykami João Gilberto i Tomem Jobimem i wydając sprzedającą się w milionach egzemplarzy płytę Getz/Gilberto (1964). Płyta ta jest pod wieloma względami definitywnym albumem bossa jazzowym, pomimo jej zbytniego upodobnienia. Luiz Bonfá Plays and Sings Bossa Nova stanowi jednak świetną alternatywę. Gra Bonfá na gitarze jest wyjątkowa, pełna inwencji, a głos ma mistrzowski – wystarczy posłuchać jego croon w „Sambalamento”. Subtelne wstawki Oscara Castro-Nevesa na fortepianie, smyczkowe aranżacje Lalo Schifrina i piękny wokal Marii Heleny Toledo w tle, wszystko to składa się na istotną płytę bossa jazzową.
Mongo Santamaria
Mongo Santamaria Explodes At The Village Gate
(Columbia, 1964)
Kup
Ogromna część miłości do muzyki latynoskiej w jazzie wzięła się z możliwości perkusji, a Mongo Santamaria był jednym z najbardziej rozchwytywanych perkusistów. To właśnie Mongo pojawił się na niezwykle popularnym singlu Herbiego Hancocka 'Watermelon Man’. Płodny artysta solowy, jak również częsty współpracownik, jest to najlepszy z jego albumów Live at Village Gate, z jednostajnym tempem i najlepszą interpunkcją ze strony sekcji rogów, dającą mu pole do improwizacji. Album zawiera porywającą wersję popisowego utworu Santamarii, 'Afro Blue’.
Willie Colón
The Hustler
(Fania Records, 1968)
Kup
Po descargas i latynoskich dżemach Cachao, Machito i spółki nastąpiło pojawienie się satyry. nastąpiło wraz z pojawieniem się salsy w Nowym Jorku, a także pierwszego i drugiego pokolenia Kubańczyków, Dominikańczyków i Portorykańczyków, którzy byli częścią spisu Fania Records. Dżemy utrzymały swoje miejsce w koncertach w nowojorskim Village Gate, gdzie artyści jazzowi, tacy jak Dizzy Gillespie, walczyli z najlepszymi improwizatorami salsy. Salsa wkrótce stała się czymś odrębnym, ale był moment, w którym albumy takie jak ten autorstwa puzonisty Williego Colóna – z jego uderzeniami w kongi, fortepianowymi frazami i hipnotycznym clave – pokazały, że salsa i jazz to dwie strony tej samej monety. Ognisty utwór tytułowy czy prowadzony przez Hectora Lavoe vamp „Eso Se Baile Así” potwierdzają legendarny status The Hustler.
Eddie Palmieri
Justicia
(Tico, 1969)
Kup
Już od 1962 roku Eddie Palmieri forsował muzykę latynoską ze swoją grupą La Perfecta, zanim zaczął występować z większym, rockowym zespołem, aby wydać albumy, które zawierały Superimposition (1970), Vámonos Pa’l Monte (1971) i Harlem River Drive (1971). Na tym albumie, Justicia, jest wszystkiego po trochu, z funkowym, rozbudowanym jamem, zasznurowanym wstrząsającym fortepianem („Verdict on Judge Street”), komentarzem społecznym („Everything is Everything”), salsą („Justicia”) i ciężką batucadą („My Spiritual Indian”).
Gato Barbieri
Fénix
(Flying Dutchman, 1971)
Buy
Barbieri był argentyńskim saksofonistą tenorowym wywodzącym się wprost ze szkoły free jazzu Coltrane’a, Aylera i Sandersa. Jednak w połowie lat 70. podpisał kontrakt z A&M Records i podkręcił schmaltz z Herbem Alpertem na czele. Wcześniej jednak nagrał zaskakujący wachlarz albumów, w tym Fénix, dla niezależnej wytwórni Flying Dutchman. Choć to saksofon Barbieriego jest tym, co porywa w każdym utworze, to właśnie kontrola rytmiczna i subtelne tekstury grupy sprawiają, że Fénix jest tak porywający. Fortepian Lonnie Listona Smitha jest nieustępliwy przez cały czas, a Naná Vasconcelos dodaje interesujące brazylijskie tony, podczas gdy gra na basie Rona Cartera pozwala Barbieriemu zapuszczać się tak daleko, jak tylko zechce.
Moacir Santos
Maestro
(Blue Note, 1972)
Kup
Chociaż nie ma wątpliwości, że Coisas (1965) jest arcydziełem Moacir Santosa, jest to również album niezwykle trudny do sklasyfikowania – zbiór pięknych, ozdobnych utworów orkiestrowych inspirowanych afro-brazylijskimi melodiami i chorałami gregoriańskimi. Innymi słowy, nie jest to tak naprawdę jazz w tradycyjnym sensie, choć Santos bardziej zaangażował się w tę stronę muzycznego wszechświata, kiedy przeniósł się do Los Angeles w 1967 roku, by wydać kilka albumów dla Blue Note. Ten pierwszy album, z silnym udziałem jego głosu, jest kojącym, uduchowionym wydawnictwem, które z wiekiem wydaje się być coraz lepsze.
Ray Barretto
Que Viva La Musica
(Fania Records, 1972)
Kup
Que Viva La Musica to trochę ukryty skarb w dyskografii Barretto. Barretto był znany z tego, że miał jeden z najostrzejszych zespołów salsowych, z potrójnym atakiem rogów, jak również z tego, że wydawał kilka świetnych jazzowo-salsowych crossoverów – La Cuna, Carnaval i Acid są warte sprawdzenia. Que Viva istnieje gdzieś pomiędzy tymi wszystkimi. Jeśli momentami brzmi to na luzie, to dlatego, że za rogiem zawsze czai się jakaś niespodzianka. Album rozpoczyna się od utworu tytułowego, w którym wokal wsparty jest na trzepoczącym pianinie i gorącej grze Barretto na conga. Potem wchodzą rogi, wokal się zaostrza i wszystko zaczyna się trząść. Alafia Cumaye” ma silne wpływy afro-portorykańskie, a ponad 10-minutowy „Cocinando” to po prostu czysty ogień.
Flora Purim
Butterfly Dreams
(Milestone, 1973)
Kupuj
Świeżo po pracy z Return to Forever, Brazylijska wokalistka Flora Purim nagrała ten zestaw, jeden z najlepszych brazylijskich jazzowych albumów fusion, zawierający wysokie tempo, takie jak 'Dr Jive’ i bardziej spokojny 'Dindi’. Niezrównany basista Stanley Clarke jest cały czas u jej boku, podobnie jak George Duke na klawiszach i Airto Moreira na perkusji, tworząc potężną grupę. Punktem kulminacyjnym albumu jest prawdopodobnie 'Moon Dreams’, utwór, który początkowo brzmi jak skromna bossa jazzowa, a następnie wybucha nowymi teksturami i rytmami.
Elis Regina & Antonio Carlos Jobim
Elis & Tom
(Philips, 1974)
Kup
Elis była bez wątpienia jednym z największych brazylijskich głosów, jej uduchowiony, silnie inspirowany jazzem styl zapewniał, że jej twórczość nigdy nie mogła po prostu wtopić się w tło. Pionier bossa novy, Tom Jobim, jest współodpowiedzialny za ten album, ale dołączył do niego również niesamowity zespół z gitarzystą Oscarem Castro-Nevesem, pianistą Césarem Mariano i perkusistą Paulinho Bragą. Choć niektóre bossa novy nie przetrwały próby czasu, to nagranie wciąż brzmi świeżo.
Irakere
Grupo Irakere
(Areito, 1976)
Kup
Jedna z najbardziej przyszłościowych grup jazzowych lat 70. pochodziła z Kuby, która była coraz bardziej odcięta od sceny amerykańskiej w wyniku stosunków politycznych między dwoma krajami. Ich debiut z 1974 roku był niesamowity, z gitarą wah-wah i ognistymi rogami, które momentami ocierały się o psych rocka. W następnej odsłonie zespołu, Arturo Sandoval i Roberto Plá dołączyli do grupy, w której skład wchodzili już Paquito D’ Rivera i Chucho Valdes. Nazwiska, które zdominują scenę latynoskiego jazzu w latach 80-tych, ich wczesne próby na Grupo Irakere słyszą zespół rozciągający się w 'En Nosotros’ i 'Iyá’, wnoszący trochę gitarowego ognia w ’38 ½’ i eksperymentujący dziko z perkusją i rogami w otwierającym album 'Chequere Son’.
Charlie Palmieri
A Giant Step
(Tropical Budda Records, 1984)
Kup
Do lat 80-tych bańka latynoskiego jazzu w dużej mierze pękła. Podczas gdy inni walczyli o inwencję, Charlie Palmieri wciąż tworzył znakomitą muzykę, w tym ten album, będący popisem jego rytmicznej gry na fortepianie, która nigdy nie wydaje się przesadzona. Nachalny rytm 'Rhumba Rhapsody’ daje Palmieriemu mnóstwo miejsca na improwizację. Choć nadmierne poleganie na wirtuozerii może być problemem, Palmieri pokazuje tutaj, jak robić to dobrze.
Perujazz
Perujazz
(Vampisoul, 1987/2016)
Kup
Pomimo braku nagranego materiału, Perujazz wywarli duży wpływ na muzykę peruwiańską i teraz w końcu zdobywają większe uznanie. Składający się z doświadczonych muzyków z peruwiańskiej sceny psych-rockowej lat 60-tych i wczesnych 70-tych, Perujazz powstał w 1984 roku z zamiarem połączenia jazzu z afro-peruwiańskimi i andyjskimi rytmami i instrumentami. Ich perkusista, Chocolate, używający cajón, był kluczem do tego, podobnie jak swobodne podejście perkusisty Manongo Mújica. W połączeniu z saksofonem i basem stanowili wizjonerską grupę, która nie miała sobie równych. To jest ich oficjalny debiut, pierwotnie wydany we Włoszech w 1987 roku jako Verde Machu Picchu i wznowiony w 2016 roku z nową oprawą graficzną.
Arturo Sandoval
Hot House
(N2K Records, 1998)
Kup
Sandoval był jednym z wielu kubańskich muzyków, w tym Chucho Valdes, Paquito D’Rivera (obaj byli również członkami Irakere) i Gonazalo Rubalcaba, którzy pomogli ożywić jazz latynoski w latach 80. i 90., często dzięki swojej wirtuozerii, jak również ciągłym zmianom kształtu (od ballad, przez spirituals, po hard bop). Na tym wydawnictwie Sandoval ogranicza show-stealing, by złożyć hołd cha-cha-cha i mambos z lat 50. i 60. Tli się 'Funky Cha-Cha-Cha’ z Sandovalem na flugelhornie, jest swingujący hołd dla Tito Puente w 'Tito’, a występ sekcji rogów w 'Sandunga’ jest bombastyczny.
Daymé Arocena
Cubafonia
(Brownswood Recordings, 2017)
Kup
Daymé Arocena jest jednym z najlepszych nowych głosów latynoskiego jazzu, jakie pojawiły się w ostatnich latach. Z wokalem, który może przejść od scatu Etty Fitzgerald do mocnego neo-soulowego holler, na tym drugim albumie Arocena pokazała, że jest również świetną autorką piosenek z ekscytującym podejściem do potencjału jazzu w przekraczaniu granic. Eleggua” to otwierający album utwór, w którym słowo mówione jest zagłuszane przez złowieszcze śpiewy przypominające Kamasi Washingtona, a następnie swingujące jazzowe „La Rumba Me Llamo Yo” i bardziej funkowe „Lo Que Fue” ładnie zmieniają sytuację. Z ukłonem w stronę klasycznego latynoskiego jazzu, jak również z jej zaangażowaniem w religię Santería, Arocena przenosi formę na nowe terytoria.
